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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Monthly Archives: mayo 2011

Hoy se clausura la exposición fotográfica de Melly Treves en el AULARIUM del MKAC y la artista ha querido realizar dicha clausura de una manera muy acorde con el contenido de ella: uniendo Música y Artes Plásticas a través de una sesión de música neoyorkina.

La selección, retransmisión y animación de esta velada estará a cargo de una de las DJ más reconocidas: Argitxo Allen

Finalizada la exposición “NEW YORK CITY, SL”, conozcamos un poco más a su autora.

Cómo la propia Melly Treves afirma: “No soy una fotógrafo de estudio, ni en RL ni en SL, sino de exteriores. Mi principal virtud es una cierta intuición para obtener los enfoques mas oportunos, todo ello producto de mi formación artística, adquirida por la lectura, la visita a pinacotecas internacionales y el análisis de las obras de los grandes maestros. Hice estudios, no finalizados, de restauración de óleos y murales.

La exposición “NEW YORK CITY, SL” está hecha en sims dedicados a la ciudad de Nueva York y se centra en los lugares menos divulgados de la gran urbe, como el Downtown de Manhattan y State Island.

He procurado reflejar, en ella, escenas próximas a la realidad, con personajes vivos, algunas de ellas bastante sórdidas.”

LOCALIZACIONES EN SL de la EXPOSICIÓN “NEW YORK CITY, SL”

Aquellos usuarios de Second Life que no hayais podido ir a ver la exposición, podeis visitar las localizaciónes que Melly Treves captó con su cámara.

1.- VA Donwntow New York City:

http://slurl.com/secondlife/Ocraco%20Island/51/93/23

2.- Good Day Sunshine:

http://slurl.com/secondlife/Good%20Day%20Sunshine/133/73/21

3.-  Manhattan City:

http://slurl.com/secondlife/Manhattan%20City/108/28/33

4.- WTC Memorial New York NYC:

http://slurl.com/secondlife/New%20York%20NYC/70/187/22

5.- Old New York, Staten Island:

http://slurl.com/secondlife/Staten%20Island/250/226/30

6.- Old New York, Acropolis:

http://slurl.com/secondlife/Acropolis/91/197/30

7.- Staten Island, Old New York Main:

http://slurl.com/secondlife/Staten%20Island/163/147/30

8.- Old New York, Acropolis:

http://slurl.com/secondlife/Acropolis/24/248/45

9.- Old New York, Acropolis:

http://slurl.com/secondlife/Acropolis/186/81/30

REFLEXIONES DE MELLY TREVES

“No sé si lo que presento en el MKAC es arte o se acerca al arte. Mi pobre técnica se ha visto estimulada al encontrar un increíble sim como es New York Staten Island. Desde que entré en él, me quedé cautivada por su ambiente, sus edificios sombríos, revestidos de niebla en los amaneceres. Sus lugares subterráneos dan rienda suelta a la imaginación haciendo concebir historias múltiples de amor y odio, de finales imprevisibles.

Otro fantástico sim es New York Downtown, que simula gran parte de Manhattan, con la catedral de San Patricio, las líneas esbeltas de los rascacielos, los clubs elegantes como el Stork, los cafés y los grandes comercios.

El verdadero New York no está muy lejos de su representación en SL. Todo el que haya viajado a la Gran Manzana, ha oído contar o ha vislumbrado desde la ventanilla de un vehículo el peligro y la sordidez que encierran distritos como el Bronx y Staten Island. Incluso el esplendor del centro de Manhattan tiene su contrapunto en barrios de alto riesgo como Harlem, el afroamericano y el latino, y en barrios provincianos y abigarrados como Greenwich Village, cuna de la docencia, las galerías de arte, los pequeños comercios y restaurantes, y como Chinatown, donde te crees trasplantado a cualquier zona típica de Shanghai o Beijing.

Y paso a hablar de cómo surgieron estas fotos. El origen está en mis aventuras por SL, con distintos avatares, tomando fotos que llegaron a figurar en la llamada Expo de Cuqui, que algunos y algunas conoceréis, emplazada en un edificio de la región de Lamockshire propiedad de yolamat Amat, una de mis protectoras a quien mucho tengo que agradecer. Se llegaron a exhibir hasta 42 reportajes de sims, desde Nantucket y Costa Rica hasta La Boca. Uno de los últimos fue el dedicado a Staten Island. En él se fijó la propia ina Karura que tuvo la amabilidad de visitar la Expo, y me sugirió dedicar la exposición prevista para el MKAC a New York.

Tomé más de 60 fotos, de las que he elegido 22, de ellas 6 en blanco y negro. Algunas retratan avenidas, plazas, edificios simbólicos, pero en otras veréis que no todo es en tranquilidad y silencio en New York SL, porque dentro de las casas hay vida. Vida de SL, tan dramática como la vida en RL, no en balde la viven las mismas personas. A veces me he tomado la licencia de introducir la cámara en la intimidad de los hogares. Pido disculpas. Todo sea por el arte. Otras, he enfocado a habitantes de New York SL y hasta les he dirigido la palabra pidiéndoles el favor de posar para mí. En cierto número de casos me he lanzado yo misma a la calle, con otra shape, skin, pelo y vestidos apropiados para personificar a ciudadanas neoyorkinas y dar el toque humano a la escena. No sé si alcanzaréis a distinguir en cuáles estoy yo y en cuáles hay personajes del sim.

Lo cierto es que siempre he buscado la escena imprevista, el enfoque adecuado, la sorpresa. Eso puede explicar ciertas deficiencias técnicas que iré superando. Me autocalifico como una fotógrafa de campo, no de estudio. Aprovecho, pues, la ocasión para agradecer a Tanee Almendros sus lecciones que han contribuído a que no me de excesivo rubor comparecer con estos trabajos llenos de voluntad en este prestigioso centro de arte.

Gracias al grupo de San Borondón y a la maternal Carmen Parabola, su creadora. Sin vuestra amistad y comprensión, no sería nadie en SL. En especial, gracias a Pandora Runo, mi pareja, que me ha animado siempre y me ha ayudado en esta labor de exponer.

A lo largo de estos días, me podéis llamar si queréis una explicación personal de estas obras y fijamos una hora de visita, mínimo tres personas por razones de tiempo. Y ahora pasad y ved lo que queráis y cómo queráis, sin ahorrar críticas que siempre ayudan al aspirante a artista.

Gracias al MKAC, y en concreto a su fundadora, gestora y alma. Su labor por la difusión del arte en Second Life y su confianza y apoyo a los jóvenes artistas de SL y de RL no tiene precio. En mi caso, es más que eso, es fe en una simple aficionada a la fotografía que ama cada uno de los rincones de este mundo virtual porque los ha explorado desde hace años y ha querido plasmarlos mediante los disparos de su cámara.” (Melly Treves)

 

 


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EXPOSICIÓN

“HOMBRE, PÁJARO Y FELINO”

de

ÓSCAR FLORES

Cartel de la exposición.

Óscar Flores Guerrero nace en Ecuador y su participación en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, ha sido una constante en la vida artística de este pintor.

La totalidad de la obra de este artista se puede definir como imaginativa y cautivadora, de notables logros estéticos y que, dada la juventud de su autor y su incansable búsqueda por los caminos del arte, su capacidad creativa y su manejo de las propuestas plásticas actuales, constituye sin duda, no sólo una firme promesa, sino una vigorosa realidad en el terreno de la plástica ecuatoriana.

 

Color intenso y transparente, formas que se mezclan, sombras de luz con contrastes estéticos que consiguen que nada de sea casual y la omisión clara de lo figurativo son las constantes en toda su obra.

Óscar Flores, uno de los 45 artistas que participaron en la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MKAC  –  “COMPARTIENDO ARTE” realizada en el año 2009, regresa al museo en una exposición individual en la que, bajo el título de “HOMBRE, PÁJARO Y FELINO”, nos ofrece sus últimas creaciones.

(Nota: Ver I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – “COMPARTIENDO ARTE” en Conmemoraciones y Celebraciones).

 

EXPOSICIONES INDIVIDUALES.

1992      Galería. LA TIENDA- Cuenca- Ecuador.

1992      Galería QUYDI.  Otavalo- Ecuador.

1993      Casa de la Cultura de  Cuenca – Ecuador.

1995      Galería Kultureshk  Ausburg – Alemania.

1995      Fundación Pedro Moncayo- Ibarra- Ecuador.

1997      Colegio de Arquitectos de  Ibarra- Ecuador.

1997      Casa de la Cultura Núcleo de  Ibarra -Ecuador.

2000      Café Galería  Mágerit  Madrid- España.

2001      Café Galería EL BONANOO-Madrid -España.

2002        Ayuntamiento de Velilla de San Antonio. Madrid- España.

2003        Centro Cultural  Eduardo Chillida -Vicálvaro Madrid- España.

2003     Centro Cultural  Cofradía del Café Arte. Ibarra- Ecuador.

2004     Organismo de Estados Iberoamericanos. O.E.I. Madrid- España.

2006     Café Centro de Arte  la Cofradía. Ibarra-Ecuador.

2006    Israel Linka Galería. Ámsterdam-.Holanda.

2009    Centro Cultural Los Rosales. Madrid.

2009    Biblioteca Pública.  Ávila  “Castilla y León”.

2009    Centro Cultural Juvenil  VILLADE VALLECAS. Madrid.

2009    Centro Socio-Cultural- Francisco Fatou. Madrid.

2009    Vivero de Empresas  Villaverde -FUNDACION TOMILLO. Madrid.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

1990    Casa de la Cultura de Ibarra – Ecuador.

1991    Casa de la Cultura de Quito – Ecuador.

1993-1994  Fundación Pedro Moncayo  Ibarra – Ecuador.

1994    Banco de la República  Pasto Colombia.

1996-97-98  Ilustre Municipio de Ibarra – Ecuador.

1996-97-98-99 Café Arte Galería  Ibarra – Ecuador.

1998-99  SISA  Centro Cultural  Otavalo – Ecuador.

1999   Primera Exposición de caricatura  Concejo Provincial  Ibarra.- Ecuador.

1999   Diez Pintores  IMBABUREÑOS  Banco Central del Ecuador- Ibarra.

2000-2001  Joven Pintura  Ecuatoriana  Irún  Guipúzcoa- España.

2000   Exposición de Pintura  Galería  ´´Launge“ Valencia  España.

2000  Exposición de Pintura  IBEROAMERICANA – BABEL tienda de Arte. Valencia-España.

2001    Exposición  Colectiva de Pintura.- Sta Cruz de Tenerife- Canarias. España.

2001   TEMPERAMENTOS  ARTISTICOS. Instituto Egipcio  de Estudios  Islámicos. Fundación CONCHA MÁRQUEZ.

2001   PROYECTO LAM. EVOCACION ESTETICA. Madrid España.
Homenaje a IBEROAMERICA-PALACIO DEL INFANTADO. Guadalajara, Castilla la Mancha – España.

2002   Casa de Cultura de COLLADO VILLALBA  Madrid – España.

2002   Casa de Brasil. Madrid – España.

2004   Intervención Escultura Alternativa CONVERTIDOS. Ayuntamiento de Valdemoro. Madrid. – España.

2004   Arte Iberoamericano  Ecuador y Cuba. -. Valdemoro. Madrid.- España.

2005   XV-Feria de los Artistas Pintura y obra gráfica  Madrid-España.

2006  Feria de Dibujo y Pintura  Circulo Catalán de Madrid -España.

2007   Feria de Primavera  de DIBUJO Circulo Catalán plaza Dalí- Madrid.

2007  Feria de Otoño de Dibujo y Pintura FEDIPICA. Museo Reina Sofía- Madrid.

2008  Feria de Arte y Cultura “IFEMA” Centro Ferial Juan Carlos I- Madrid.
2008  Exposición de pintura  ARTEINVERSION. Boadilla del Monte. Madrid.

2009  Galería y Subastas. MERCADO LIBRE.COM Monterrey Nuevo León México.

2009  Galería Virtual LAPAPA.COM .Monterrey  Nuevo León México.

2009   Compartiendo Arte Latinoamericano. M.K.A.C-Museo Karura de VIGO.

2009   Exposición Internacional de Pintores Iberoamericanos .M.K.AC de VIGO.

2010  Exposición de Pintura y Dibujo –Centro Hispano Marroquí –Madrid.

2010  40ª edición de los Premios de Arte Laus.

2010  Intervención Dual de Pintura –AMAVIDA .Ávila –Castilla León.

2010  Certamen Nacional de Pintura, “Ciudad Torrejón de Ardoz”.  Madrid.

DISTINCIONES Y MÉRITOS       

– Tercer  Premio de Dibujo  Intercolegial  I.T.S. de Artes Plásticas
“Daniel Reyes”  San Antonio de Ibarra. Ecuador.

–  Primer  Premio de caricatura  juvenil por la Paz  – Fundación ´´ Guayasamín “ Quito  Ecuador.

– Tercer Premio de Pintura  Imbabureña Ecuador.

– Segunda Mención de Pintura  Imbabureña Ecuador.

– Tercer Premio de Caricatura – Quito Ecuador.

– Ilustración del Cartel Artístico Feria de Apicultura en Pastrana Castilla la Mancha.

– Primer Premio de Pintura COLGADURAS 400 Años del QUIXOTE.
Ayuntamiento de VALDEMORO. Madrid.

– Segundo Premio de DIBUJO  FEDIPICA . Círculo Catalán de Madrid.

CRÍTICA

La Pintura como experiencia mental singular requiere de artífices como Oscar Flores para materializarse y destacar en un mundo de anonimatos pretenciosos.

Por lo tanto estamos ante un artista único e irrepetible. Un artista incomparable pero con el peso de una herencia importante sobre sus espaldas, la herencia mágica del chamán ancestral, del que somete la forma aparente a su significado profundo. Una personalidad madura que se maneja con soltura en la abstracción sin perder el valor del símbolo, ni el hilo de interés que le conecta con un público limpio de intelectualismos.

Se trata aquí de liberar al espíritu de la carne más sin perder los referentes que lo humanizan. Se trata en definitiva de trazo musical surcando sutiles tonalidades cromáticas en el espacio virtual de las dos dimensiones. Algo que no ocurre en todo lugar ni en cualquier tiempo. Aprovechemos este presente.” (José Luís Sevillano).

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DIA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

18 de mayo

“MUSEOS Y MEMORIA”

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

Cartel oficial realizado por el ICOM.

“Museo y Memoria” es el lema elegido por el ICOM, (Consejo Internacional de Museos), bajo el cual este año se conmemora el “Día Internacional de los Museos”: 18 de mayo de 2011.

Dicho organismo quiere, de esta forma, llamar la atención sobre la trascendencia de los museos en las memorias individuales y colectivas; al mismo tiempo, hace hincapié en dos de las funciones más importantes de los museos: la preservación y la conservación de las colecciones, que son la expresión del patrimonio cultural y natural de todos los pueblos, y actuar como garantes de la potenciación y cuidado de dichas colecciones.

Para celebrar el “Día Internacional de los Museos”, la Dirección del MKAC ha organizado una muestra exposición monográfica sobre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que ha ubicado en el Edificio SCHUMANN.

En ella se ofrece   información sobre este Centro de Arte, relativa a su creación, historia, edificios, arquitectos, objetivos, trayectoria, colección

Aunque coloquialmente es conocido como Museo Reina Sofía, su nombre completo es el de Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (MNCARS), y acoge el arte del siglo XX y actual que por las características del Museo del Prado no tiene cabida en él.

Fachada del edificio principal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El Museo Reina Sofía está situado en las inmediaciones de la madrileña estación de Atocha y es uno de los vértices del denominado Triángulo del Arte de Madrid; triángulo cuyos otros dos vértices lo forman el Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza.

El museo con sede en el antiguo Hospital General, es un edificio neoclásico del siglo XVIII diseñado por José de Hermosilla y continuado, en su construcción, por Francisco Sabatini; se inaugura el 10 de septiembre de 1992 y tiene un número aproximativo de cerca de millón y medio de visitantes anuales.

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 EXPOSICIÓN

“HUMAN”

de

VICTORIA FONTANA

“Señoras y Señores…”

Este es el encabezamiento de la invitación, llegada al MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), de la próxima exposición de la artista Victoria Fontana.

“Señoras y Señores…”

Un encabezamiento que delata el espíritu vital de esta estadounidense, afincada desde la infancia en  Madrid, y que pone de manifiesto las ganas de vivir y las energías de una persona que ha sido capaz de abandonar unos estudios convencionales para dedicarse, plenamente, a lo que realmente le apasiona: la transmisión de emociones a través de sus lienzos.

Cartel de la exposición.

Victoria Fontana nos anima, en su invitación, a tomar un tren de cercanías para iniciar un viaje de veinte minutos que nos llevará desde la capital española hasta el Centro de Arte Tomás y Valiente en Fuenlabrada.

Este espacio de tiempo, lejos de hacérsenos monótono, a buen seguro nos servirá para meditar e imaginar sobre lo qué nos espera al final del trayecto.

¿Qué es ello? La propia Fontana nos lo indica formulando y contestando tres preguntas:

¿Qué?:  Inauguración de la exposición “HUMAN” de Victoria Fontana

¿Cuando?:  Inauguración el Jueves 19 Mayo 2011, a las 20:00 h.

¿Dónde?:  El Centro de Arte Tomás y Valiente

Leganés 51 – Fuenlabrada

La Dirección del MKAC, además de apreciar la técnica de la artista, os invita a participar de la propuesta implícita que la artista plantea casi siempre en la mayoría de sus obras: buscar en ellas esos secretos que siempre deja intuir sutilmente.

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EXPOSICIÓN

“METROPILS”

de

XENTE AEON

“Metropolis” es  de esas exposiciones que nadie se debe perder ya que nos muestra en 3D lo que la película, del mismo nombre, dirigida por Fritz Lang en 1927 nos ha querido transmitir.

Cartel de la exposición.

En 120 imágenes, información que permite seguir el hilo argumental del film en tres idiomas, (español, inglés y catalán); conocer los entresijos del rodaje, contemplar una magnifica colección de posters…

El montaje y la recreación, realizada por Xente Aeon, es increíblemente bueno y el entono tan singular como fabulosas.

Y su organizadora completa la exposición con links a Youtube que permiten ver la película completa con una excepcional banda sonora.

Aconsejo utilizar la cámara para hacer visionados desde puntos estratégicos del edificio

“Si encuentras interesante el trabajo, o si lo encontráis lamentable, os agradeceré los comentarios. Podemos mejorar. Gracias de antemano.”

Estas son las palabras finales de Xente Aeon, al final del texto explicativo sobre la exposición. Personalmente, no sé en que se puede mejorar esta exposición y gracias a ti, Xente, por ofrecernos y permitirnos disfrutar el resultado de tres meses de trabajo.

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EXPOSICIÓN

“ESPACIOS LIMPIOS”

de

ANTONIO ARCONES

Artista de Las Navas del Marqués, (Ávila), Antonio Arcones presenta en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), una veintena de acuarelas en las que nos deja patente la belleza, el atractivo del arte pero, sobre todo, la calidad de su pintura.

La exposición “Espacios Limpios”, ubicada en la Salas Goya, van Gogh y Rubens del museo, ofrece a través de paisajes naturales, principalmente ríos, mares y tierras, la perfecta ejecución que el artista abulense confiere a sus obras.

Cartel de la exposición elaborado a partir de una de las obras del pintor.

Como si hiciera falta reforzar dicha perfección a los más incrédulos, la exposición se completa con una serie de bodegones y temas florales que refuerza la trabajada y perfeccionista técnica de Antonio Arcones.

 

Todo el conjunto de las obras nos transmite la añorada sensación de paz, calma y sosiego, que posee cada una de las obras mostradas, y que nos lleva hacia un disfrute no sólo estético sino, también, anímico. Obras en las que la pintura humana apenas aparece pero que, cuando lo hace, es de una forma tan sutil como imperceptible y para reforzar la exquisitez del trabajo realizado por el artista.

 

“Espacios Limpios” se complementa con una magistral clase didáctica, a través de 8 fotografías, en la que Antonio Arcones nos enseña la metodología de un experimentado maestro: desde el temido lienzo en blanco hasta la aparición, como por arte de magia, de un conjunto final realizado a través de su pincel.

CRÍTICA

“Antonio nos muestra la disciplina y la mesura en el trazo para llegar a la anhelada penetración en el espectador, en su pasión o en su serenidad, pero siempre en su sentimiento; para no dejarle impasible en su contemplación, sea cual sea el motivo que nos describe este pintor, madrileño por casualidad, que hoy reciclamos en abulense porque se nutre, desde su más tierna infancia hasta hoy, de las gentes y paisajes naveros de nuestra tierra.

 

“Dejando a sus pinceles describir cabriolas ensortijadas, aguadas caprichosas y barrocas de luz que, lejos de distraer, acentúan más el interés por esos gritos de luz que nos dejarán huella.” (Carmelo San Segundo)

 

Antonio Arcones expone, en la actualidad, en el Centro Socio-Cultural Valle Inclán una muestra que lleva por título “La Luz”

Dirección: C/ Arzobispo Morcillo s/n, (Madrid).

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DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

8 de marzo de 2011

EXPOSICIÓN

“MUJER, ARTE Y PODER”


Zenaida Cajahuaringa Rivera, Dora Castro Castro, Mª Xesús Díaz, Victoria Fontana, Irene Gomis, Mar González Pérez, Isabel Gutiérrez, Carmen Holgueras, Luz Letts, Mª Jesús Leza, Elisabeth López Avilés, Mónica Lowenberg, Lilia Lujan, Imma Merino, Eulalia Peñafiel, Roxanna Rignola, María Rubio García, Raquel Sarangello, Lea Steirensis, Ingrid Tusell y Natalia Velit.

Están en la vanguardia del arte contemporáneo; luchan por hacer lo que más le gusta; pelean por conciliar vida familiar, social y artística; sus relojes viven convulsionados por los caóticos horarios que ellas les imponen; se olvidan del cansancio y del sueño con tal de llevar a cabo lo que más desean: crear arte.

21 nombres de mujer que representan a otros muchos; 21 nombres que respondieron afirmativamente a la invitación de participar en esta exposición colectiva; 21 nombres femeninos que la Dirección del MUSEO KARURA ARTE CENTRE, (MKAC), eligió para organizar la exposición del “Día Internacional de la Mujer” de este año 2011; 21 nombres que, como sus predecesoras de los siglos XVI al XX, tienen cada uno una llave y, también, la quieren utilizar para convertirse en precursoras de futuras generaciones de mujeres artistas; 21 nombres que, en definitiva y lo más importante, han hecho posible la celebración de esta conmemoración en el museo y la exposición “MUJER, ARTE Y PODER”.

Por estas cinco razones, gracias a cada una de vosotras; gracias, así mismo, a Yolanda Carbajales, autora del cartel de la exposición.

YOLANDA CARBAJALES

Yolanda Carbajales, autora del cartel de la exposición.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Yolanda Carbajales, elige la especialidad de Diseño y Audiovisuales y es miembro de la Asociación Nacional de Artistas Plásticos Gallegos, ARGA, y del Colectivo GRAPH.

La trayectoria artística de esta grabadora ha transcurrido entre la realización de gran cantidad de exposiciones nacionales e internacionales, (Italia, Polonia, Grecia, Argentina, Portugal, Suecia, Inglaterra…), y su obra ha sido seleccionada para participar en diversos eventos artísticos.

Recibe, asimismo, premios nacionales e internacionales en el mundo del grabado y del diseño gráfico.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales, entre las que se puede destacar el Archivo de Grabadores Contemporáneos de la Biblioteca Nacional, (Madrid) y el Museo del Grabado Castle Paleólogos of the Acqui Terme (Italy).

Yolanda Carbajales es la autora del cartel de la exposición “MUJER, ARTE Y PODER”


ZENAIDA CAJAHUARINGA RIVERA

Zenaida Cajahuaringa.

La artista peruana nace en Huarochirí, en el año 1963, y estudia Diseño Publicitario en el Instituto Superior de Lima.

Cuando Zenaida Cajahuaringa se pone ante un lienzo blanco, van surgiendo poco a poco en él, y por medio de los pinceles de la pintora, sentimientos que nos hablan de su historia y de su cultura, de los mitos y leyendas que escuchó en su niñez.

COMENTARIO

“Mi vocación artística lo voy descubriendo por casualidad es cuando voy a visitar  de mis abuelos en lima, la casa tenia varios cuadros y retratos pitados, la conversación sola era de artistas, pintores y viajes, yo no comprendía solo escuchaba  pero sentía una gran admiración.

Mi pintura comienza desarrollarse por el dibujo, acuarelas y tintas yo tenia mucho temor al  principio. Luego se  caracterizo por la búsqueda y observación no comprendía las tendencias pero descubrí que las figuras me encantaban y me explicaron que se llamaba   pintura figurativa o realismo mágico  y los libros me ayudaron  ha entender y comprender que todo es un  gran proceso  y  finalmente  determine lo que quería ser.

Cuando estoy pintando dejo que mis sentimientos hablen de mi historia,  de mi cultura. Los mitos  y leyendas, todo ese mundo fantástico que imagine y escuche cuando era niña, las líneas  los  colores nacen, crecen y se pierden con la libertad que se siente y  que se puede imaginar en cada obra. Es como un gran juego donde dejo mis sueños.

En mi pintura también he integrado el paisaje, el arte popular, color infinito del cielo, el sol del medio día y el arenal rojo que me permite lograr la textura necesaria para determinar las expectativas la belleza y  el encanto de  las formas y sobre todo para seguir desarrollándome como artista. Mi pintura es la versión hablada de los cuentos, mitos y leyendas de un pueblo llamado Huarochirí  “dioses y hombres de Huarochirí” (Zenaida Cajahuaringa Rivera).

DORA CASTRO CASTRO

Dora Castro Castro.

Dora Castro Castro nace en San Juan, (Argentina) en el año 1942 y se licencia en Arquitectura. Esta artista plástica se caracteriza por, entre otras características, por que sus obras son auténticas traducciones visuales del mundo en el que vive.

Realiza exposiciones, individuales y colectivas, nacionales e internacionales.

COMENTARIO

“Dora Castro, en estas obras, no dibuja, pinta. No delínea, embadurna. En sus cuadros prima la vívida mancha, el contagioso gozo de untar. Al desparramo, fervorosamente, con pastosas pinceladas, Dora empieza por el origen primordial de la imagen. Comienza por la colorida nebulosa, por esa confusa matriz generadora del movimiento que irá configurando, como agitado aflujo del magma, por ignición cromática, la imagen que nace desde adentro.
Así surgen esos rostros incandescentes que nos miran en los ojos. Apenas modelados, están como suspendidos en algún estado intermedio, oscilando entre la pasta difusa y el perfilamiento lineal. Intensamente, expresivos, emergen del fondo y vibran procurando comunicarnos su extraña carga de subjetividad.
Dora Castro no pinta el mundo. Más bien se autorrepresenta a través de estas figuraciones plásticas. Traduce conmovedoramente, mediante signos visuales, su sensible intercambio entre percepción íntima y mundo externo, objeto de enigmáticas solicitaciones y rechazos que de modo sugestivo se inscriben en estos cuadros.” (Saúl Yurkievich)

Mª XÉSUS DÍAZ

María Xesús Díaz.

La pintora gallega, Mª Xesús Díaz, es de esas artistas caprichosas a la que le apasiona, como ella misma afirma, pintar sin obligaciones y, tan sólo, por placer y capricho; esta actitud ante la acción de pintar sea, posiblemente, el quid que le permite establecer esa enigmática complicidad entre las ideas y los pinceles, entre su estado de genialidad creativa y el diluir de los colores sobre los lienzos desnudos.

Su trayectoria artística se inicia en 1987 cuando exponiendo por primera vez sus obras al juicio del público, participa en la I Muestra de Unión FENOSA de Arte Contemporáneo y, a continuación, en el Ayuntamiento de A Coruña. Es el comienzo de un camino hacia la búsqueda de una formación pictórica y de un estilo propio que ocupan, uno tras otro, todos los minutos de su reloj.

Hasta la actualidad, Mª Xésus Díaz no ha cesado en su empeño de perfeccionar, día a día, su “saber hacer”, mostrando el resultado de su estudio en las diversas exposiciones y eventos artísticos, (Ferias, Mercados del Arte…), en los que participa su pasión por el color, su experiencia en técnica mixta y la variedad de su temática.

COMENTARIO

“María Xesus Díaz domina la compasión, su expresión densa del cromatismo, la facilidad en profundizar en la densidad de la materia, su dibujo calculado y libre, produce una pintura llena de armonía, que apuesta por una realidad inventada pero sugerente, en la que no hay cabida para la negatividad, siendo estética en lo sutil sensual, para luego volverse plenamente intimista” (Joan Lluís Montané, de la Asociación Internacional de Críticos del Arte)

VICTORIA FONTANA

Victoria Fontana.

Victoria Fontana, artista nacida en Rochester, Nueva York, en 1972, se inspira sobre todo en el ser humano y sus particularidades, contradicciones y paradojas. Disfruta investigando los límites del comportamiento humano con el fin de destapar la belleza de una realidad cruda y reconocible en cada uno de nosotros.

Invita a los espectadores a interactuar con su obra. Cuenta con ellos y les ofrece los contrastes como un modo de juego para que sean sus propias experiencias las que desvelen la obra que tienen delante. Les proporciona las claves para que ellos las ordenen a su manera. Quiere que los ojos de los espectadores sean como un caleidoscopio y sus obras las piezas que formen una visión cada vez distinta del mundo.

Vive y trabaja en Madrid, España.

IRENE GOMIS GALÁN

Irene Gomis Galán.

Galardonada en múltiples ocasiones, con premios de gran calado artístico nacionales e internacionales, Irene Gomis nace en la capital catalana, (Barcelona), aunque reside desde hace más de dos décadas en Madrid.

A través de sus obras, la artista consigue seducir con su pintura claramente figurativa y esquematizada a la vez que transmite una serenidad y equilibrio, con los que logra una pauta extremadamente personal, que caracteriza al conjunto de su obra.

Irene Gomis nos hace el regalo, a quienes contemplamos sus pinturas, de disfrutar de una variada temática, (retratos, bodegones…), pero en las que indiscutiblemente sobresalen los paisajes; nos obsequia con recursos artísticos diversos, (óleos, técnicas, mixtas, acrílicos…), con los que la artista se siente siempre cómoda experimentando y con los que nos hace llegar un maremagnum de brillos y luces por medio de los cuales describe el mundo real o el imaginario.

MAR GONZÁLEZ PÉREZ

Mar González Pérez.

Mar González, (1960), se forma como artista en diversos talleres como, por ejemplo, el Aula de Cultura de “Mercedes Arteaga”, el estudio de pintura de José Carlos Lozano o el del retratista Miguel Enjuto.

No conforme con utilizar óleos, lienzos y pinceles para su propio deleite, la pintora comparte, desde 2000, sus creaciones con el público a través de exposiciones individuales y colectivas en diferentes centros públicos, (Arte Plásticas, Jornadas de América…), y participa en diversos certámenes en los que sus obras, realizadas en óleo y pastel, reciben menciones y premios.

ISABEL GUTIÉRREZ

Isabel Gutiérrez.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, desde 1975 Isabel Gutiérrez no ha perdido a lo largo de todos estos años ni su pasión ni su ilusión por trabajar, investigar, estudiar y aprender de los grandes maestros.

Esta especie de insatisfacción cultural le motiva a perfeccionarse realizando constantemente cursos de dibujo, pintura, diseño por ordenador y otras disciplinas artísticas. No olvidemos, tampoco, que esta insaciabilidad es la que le lleva a desarrollar diversos proyectos creativos, culturales e intelectuales que van desde dar conferencias, ser autora de cuatro libros de texto, escribir artículos sobre Arte a realizar exposiciones nacionales e internacionales.

Fascinada por el proceso creativo de una obra artística, cada etapa de su trayectoria como pintora, (quizás también cada obra), la inicia con las energías, ilusiones y motivaciones que sólo los artistas más exigentes consigo mismos saben, y asumen, que suelen ir acompañadas por dudas, frustraciones y sin sabores.

COMENTARIO

“Mi proceso creativo no se diferencia, imagino, del de otros pintores: seleccionar la vista, realizar algún boceto, dar las primeras aguadas sobre la superficie del cuadro e ir paso a paso encontrando las armonías precisas entre formas y colores.

Lo que diferencia a cada artista es la “mirada interior”, un sentimiento capaz de recrear la realidad y convertirla en una manifestación visual comparable a la música o a la poesía.” (Isabel Gutiérrez)

CARMEN HOLGUERAS

Carmen Holgueras.

Holgueras nace en Segovia, (España), en 1938 y tras estudiar en el Colegio de las Dominicas, decide hacer la carrera de Bellas Artes. Comienza su formación artística en la Escuela de la Escuela de San Carlos, (Valencia), y más tarde se traslada a Madrid.

Imparte clases en los Agustinos y crea su propio estudio en el que, en la actualidad, enseña pintura; crea la Asociación Nacional de Artistas Carmen Holgueras y el “Certamen Carmen Holgueras” que ha cumplido ya su XIX edición.

La trayectoria pictórica de la artista posee varias etapas que van de la académica a la figurativa y a la simbólica; siendo su temática variada, (flores, bodegones, retrato…), y, como ella misma afirma “según mi estado de ánimo cuando empiezo a pintar”.

LUZ LETTS

Luz Letts.

Luz Letts obtuvo la Licenciatura en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, en donde también ha ejercido la docencia.

Ganadora, junto a otros premios internacionales, de la II Bienal de Lima del año 2000, esta pintora peruana es una de las artistas más reconocidas de su país y en su obra la figura humana y la recreación de un mundo onírico y particular son unas constantes claramente significativas.

La trayectoria artística de Luz Letts se ve avalada por exposiciones individuales y colectivas e internacionales y nacionales: Alemania, Bélgica, España, Francia, Argentina, Uruguay, Chile, Venezuela y un amplio etcétera que la configuran como una creadora de necesaria referencia, sobre todo, en el mundo hispano.

COMENTARIO

“La intención en las obras de Luz Letts es la de capturar el momento en que una situación cotidiana se vuelve emblemática. Es como tratar de atrapar el momento justo en que dos fuerzas se quedan quietas por un control ilusorio. Son instantes hieráticos, como monumentos, que pretenden entender alguna lógica en la concepción de nuestra existencia, de nuestra vida cotidiana.

El humor se manifiesta de una manera muy sutil y las situaciones inverosímiles se convierten en metáforas que nos permiten mirarnos desde diferentes perspectivas como voyeristas de nosotros mismos.

La técnica de su pintura crea un contrapeso provocador al contener el equilibrio entre lo cuerdo y lo irracional a través de un planteamiento tan sólido como es la pintura figurativa.” (Luz Letts)

MARÍA JESÚS LEZA

María Jesús Leza.

Nacida en San Sebastián (Guipúzcoa), la pintora María Jesús Leza estudia dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de esta ciudad. En Madrid, cursa estudios de escenografía y decoración en la Escuela de Artes Decorativas y, a la vez, asiste a los talleres libres de pintura del Círculo de Bellas Artes.

En 1975, la Fundación de Arte Castellblanch le concede una beca para estudiar escenografía en Roma y Florencia y, a su regreso, realiza una exposición en Madrid de dibujos y acuarelas de estas dos ciudades.

A partir de entonces, participa en exposiciones individuales y colectivas, alternando la pintura con la ilustración y la escenografía teatral.

Como ilustradora, (para libros de texto, cuentos infantiles, narrativa para adultos y poesía), ha trabajado para Editorial Everest, Ediciones La Gaviota, Editorial Santillana, Ediciones Bruño, Editorial Escuela Española, Ediciones Paulinas y Editorial Alpuerto.

ELIZABETH LÓPEZ AVILÉS

Elizabeth López Avilés.

Elizabeth López Avilés, nacida en Lima en 1986, es una artista formada en restauración y con estudios de dibujo durante años en talleres del MALI, destacando su dominio en este difícil campo del arte. Además, ha cursado pintura al óleo bajo la instrucción de la reconocida artista Charo Noriega.

El 2009 realizó su primera individual “Tranquila Inquietud” con texto de Charo Noriega. El 2010 la segunda: “Alegre Melancolía” Galería de Arte Le Carré d’Art, Alianza Francesa de La Molina.

Elizabeth ha formado parte de exposiciones artísticas en salas como: Galería Dédalo, Centro Cultural de San Marcos, Galería Municipal Pancho Fierro, etc. y en el extranjero en ciudades como Londres (Pintura Peruana Joven, Embajada del Perú en el Reino Unido) Stuttgart (Galería El Pacifico) Valencia (Galería de la Editorial Aranya).

Asimismo, este año, ha realizado trabajos de ilustración tales como la portada de la novela “Días de Niebla” de Ángel Portella. Rentería Editores, Lima, 2010; portada y los dibujos de interiores de la novela “El Retorno” de Samuel Bendayán. Para el año 2011 participará, entre otras exposiciones, en la muestra “Pintura Peruana Hoy” en el Museum of Americas, Miami, USA.

MÓNICA LÖWENBERG

Mónica Lowenberg.

Mónica Löwenberg nace en la Ciudad de México.   La Pintura ha sido motivo esencial en su vida, descubriendo también aptitudes por la música y las letras. Hizo estudios en Diseño Gráfico, profesión que le sirvió como puente para adentrarse en el mundo de los colores y las formas, encontrando un lenguaje pictórico muy característico de su obra, su tema figurativo atrapa y logra plasmar los sentimientos más sublimes que guarda el Ser Humano, expresando la bondad de su espíritu con calidez y sencillez.

El afán por superarse la convirtió en una artista autodidacta, confirma el gusto por los óleos, dando paso a un estilo contemporáneo único. Ha logrando abrir exposiciones en lugares diversos, como  espacios culturales, galerías, universidades y museos,  como en en España, Nueva York,  México DF y en la Ciudad donde radica Cuernavaca en Morelos México.

Su obra forma parte de galerías y colecciones privadas en México y en el extranjero.

LILIA LUJÁN

Lilia Luján.

Esta artista mexicana cuenta con una trayectoria que abarca diferentes disciplinas artísticas. Pintura, escultura alternativa, diseño de joyería, de textiles, marcos, lámparas…., arteobjeto, art-rip, son algunos de los mundos creativos en los que Lilia Luján se encuentra cómoda.

Esta artista multidisciplinar y autodidacta, ha participado en más de un centenar de exposiciones, colectivas e individuales, en toda América y en España. Sus obras se encuentran en fundaciones, colecciones públicas y privadas, diseminadas por todo el mundo: E.E.U.U., Rusia, Japón, México, Holanda, Dinamarca, Inglaterra…

Además de colaborar con distintas publicaciones culturales de pintura, arquitectura, diseño y decoración Lilia Luján ha publicado dos libros: “luja-Arte Contemporáneo”, (2007), y “Arte Huichol Mexicano y sus Mandalas”. (2008).

IMMA MERINO

Imma Merino.

La artista nace en el año 1964 en Mataró, (Barcelona), y desde muy niña siente inclinación hacia el dibujo y la pintura.

Tras estudiar durante dos años en el taller de Ayné, continúa su formación en el estudio de los hermanos Jordi y Jaume Arenas i Cavell. En los comienzos de su carrera artística explora en distintos campos, materiales, recursos y técnicas para decidirse, finalmente y casi en exclusividad, por el óleo sin olvidarse del dibujo y las tintas.

Aunque la temática de su producción artística es amplia y la artista considera que cualquier motivo puede ser pintado,  la temática que le hace sentir más cómoda es la de la figura humana.

COMENTARIO

“El trabajo de Imma Merino es un goce para los sentidos y lo es más si cabe cuando sin prisas vamos entrando en la obra, permitiendo que sea parte de nosotros o nosotros de ella, para poder disfrutar de lo que la artista ha plasmado y poder percibir las emociones que la artista ha sentido en el momento de su creación. Es entonces cuando uno se da cuenta que el espacio pintado por Imma Merino es sólo una excusa que la artista ha utilizado para darnos a conocer un mundo de sensaciones y de sentimientos, un espacio que nos dice que la obra no acaba en los límites del lienzo, sino que estos sólo indican lo que la artista ha tomado para darnos a entender que más allá del cuadro, sigue habiendo belleza, sigue habiendo vida, sigue habiendo sentimientos y emociones.” (Pere Ventura Juliá, pintor)

EULALIA PEÑAFIEL

Eulalia Peñafiel.

Eulalia Peñafiel es una de esas artistas que vive para la pintura desde todas sus perspectivas.

Receptora de varios premios por sus obras, lo que más llama la atención en toda ella es la selección de las técnicas que elige y las temáticas por las que se decanta la pintora, prestando especial atención a la de las flores.

Gran amante del arte, la artista va más allá de promocionar únicamente sus trabajos y dedica parte de su tiempo a otros pintores a través de la dirección de la Asociación Nacional de Artistas Españoles.

ROXANNA RIGNOLA

Roxanna Rignola.

“Les presento estas obras para que disfruten, para que creen, imagine, sueñen, investiguen, muy dentro de ustedes, y dejen libres miles de pensamientos que, quizá, jamás se dieron cuenta que dormitaban, silenciosos, en sus almas.



Aquí están mis más profundas y sinceras ideas que, un día, decidieron salir a la luz, tomar un pincel y ser libres. Manejé el color con audacia, intenté expresar los diversos sentimientos con distintas tonalidades, formas, planos, objetos e imágenes.

Olvidé las  reglas, las estructuras acartonadas, los límites, los modelos perspectivos de antaño para marcar una tendencia, una diferencia, un estilo. De esta forma subsisto en este mundo complejo, competitivo, ciertas veces, incomprensible. Repleto de injusticias, crueldad, vorágine agresiva y consumista.



Quisiera que cada uno de ustedes, mis espectadores, se emocione ante cualquier minúsculo detalle que se encuentra plasmado en el lienzo. Mi meta es hacerlos volar por un rato, hacerlos sentir libres por un momento, transportarlos a un nuevo espacio y a un nuevo tiempo.

Porque el arte es una forma de vida, los invito a comprobarlo y a sentirlo como lo siento yo.” (Roxanna Rignola)

MARÍA RUBIO GARCÍA

María Rubio García.

La artista siente auténtica pasión por el arte ya desde sus primeros años de vida; hecho que le lleva, pasado el tiempo, a compaginar sus estudios profesionales con las Bellas Artes.

En Palma de Mallorca, la ciudad en la que transcurrió su infancia y adolescencia, simultaneó sus estudios de Profesorado con clases artísticas en la Escuela de Artes y Oficios y con clases magistrales particulares con el fallecido pintor Juan Miralles.

Ya instalada en Madrid, en donde se doctoró en Ciencias Económicas y Empresariales, María Rubio continúa su formación en la Academia Atrium en donde tiene como profesor al pintor Eduardo Peña y, también, en la escuela realista madrileña.

La obra de esta artista obtiene menciones y premios y se encuentra repartida, por España y el extranjero, en distintas colecciones.

RAQUEL SARANGELLO

Raquel Sarangello.

De nacionalidad argentina, Raquel Sarangello, es una artista plástica que tiene diseminada sus obras por gran parte del mundo, (España, E.E.U.U., Francia, Italia…), despertando una gran aceptación entre quienes la contemplan y quienes se dedican, por profesión, a evaluarla y analizarla.

La pasión que la artista siente por el arte, lleva a R. Sarangello a experimentar con nuevos recursos, nuevas técnicas y propician su incursión en el mundo de los acrílicos, tintas, óleos, de la escultura o del diseño en resina cristal…, que consiguen empujar la creación de la artista en la creación de obras, técnicas y materiales muy diferentes a los utilizados como pintora convencional; todo ello, quizás, propiciado por la creencia de la artista en que la pintar es siempre un acto sublime.

COMENTARIO

“El arte es para mi el espacio en el que la libertad es absoluta; en el que me encuentro con la esencia de las cosas y de los sentimientos más profundos del ser,  donde el único tiempo es el que marca el pincel o donde el barro decide en que lugar quedarán los vidrios con los que construyo mis esculturas.

Crear o recrear la vida en un lienzo, en un papel o en una escultura es el acto más sublime por los que he transitado en esta vida.

Gracias a la vida porque me ha dado el don del arte.” (Raquel Sarangello)

LEA STEIRENSIS

Lea Steirensis.

Lea Steirensis nace en la ciudad de Buenos Aires, (Argentina), y se licencia en Trabajo Social aunque también realiza estudios de filosofía, psicología, antropología y de análisis literario.

La artista comienza a formarse como pintora en el taller de Basia Kuperman y continua dicha formación en los talleres de Juan Doffo, Félix González Mora, Carlos Fels y Ariel Milnarzewicz.

La temática de las obras de la artista se centra, mayormente, en la pobreza, el desamparo de la niñez, la marginalidad y la exclusión social; temas con los que trata de dar a conocer este tipo de problemáticas sociales.

INGRID TUSELL

Ingrid Tusell.

Ingrid Tusell, nace en Barcelona y, en la actualidad, vive en Teruel; artista de formación autodidacta, su mayor interés se centra en la magia de la feminidad y en indagar y buscar lo que se esconde dentro de cada mujer.

Con esta búsqueda, la pintora intenta individualizar esa esencia y apartarla de todo aquello superfluo y superficial que la rodea para transformarla en algo único, original y sublime.

I. Tusell consigue, mirando desde sus óleos al alma femenina, retratar con precisión y éxito, la médula intimista y primordial que anida en el fondo de cada mujer y en el de todas a la vez.

En la obra de esta artista predominan los ocres y los violetas; tonalidades que van surgiendo, en ocasiones, en contra de su intencionalidad inicial y que “bailan” sobre un lienzo apoyado en el bastidor que les sirve de soporte; apareciendo, de esta singular forma, lo que la propia pintona denomina “su arte emocional”.

COMENTARIO

“Creo que mi pintura es, sobretodo ,emocional y me permito pintar sobre la  mujer, ya que es lo que más conozco, y todos sus estados: maternidad, pareja, relación con el entorno, soledad, intimidad, siendo el universo de lo femenino mi màxima inspiración.

Pinto al óleo sobre bastidor y acostumbro a utilizar texturas, papel y veladuras de óxido para ampliar la experimentación con otros materiales en los que estoy interesada.” (Ingrid Tusell)

NATALIA VELIT

Natalia Velit.

Nacida en Lima, (Perú), y de nacionalidad peruana y francesa, Natalia Velit vive en la Ciudad de la Luz desde el año 1981.

No es un tópico, pues, afirmar que en la trayectoria profesional de esta artista plástica se unen las mejores expresiones de dos continentes. Pintora abstracto-matierista y figurativa la pintora mezcla, también, pasado y presente con un técnica que deriva en una materia sensible a través del color.

Para explicar la obra pictórica de la artista Natalia Velit, no hay una forma más idónea de hacerlo que dejando que sea ella misma la que describa.

COMENTARIO

“Mi pintura se define como materia y abstracción con ligeros ecos del arte barroco. Todo esto podría parecer una muestra excesiva de terminologías, pero tiene su explicación lógica.

Abstracto, porque mis cuadros no representan nada reconocible. Una imagen abstracta puede tener un “tema” en la medida en que puede evocar a una persona un objeto o determinadas emociones. Los colores juegan, entonces, un papel más o menos simbólico.

Materia, ya que corresponde a una búsqueda exhaustiva de texturas pictóricas y volumen. Intento obtener efectos de relieve heterogéneos  recurriendo a toda clase de técnicas y “bricolages” expresivos. Cada materia tiene su propia identidad y es así como se realiza, se da, habla, ve, escucha, reacciona.” (Natalia Velit)

La Dirección del MKAC quiere agradecer a todas ellas y Yolanda Carbajales, (autora del cartel de la exposición), la confianza que han depositado en ella.

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DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

8 de marzo de 2011

EXPOSICIÓN

“MUJER, ARTE Y PODER”


Retratos de reyes, príncipes y nobles, bodegones y bellos floreros, escenas domésticas y maternales y algún que otro paisaje… A ellos se limitaba, prácticamente, los temas de aquellas artistas que a lo largo de los siglos osaron acercarse al mundo del arte y, más concretamente, de la pintura.

Con una cierta aquiescencia, casi misericordia masculina, se las dejaba realizar aquella actividad que dominaban con tanta pulcritud como sus colegas pintores: pintar.

A aquellas “chicas raras y extravagantes”, que en vez de dedicarse exclusivamente al hogar tenían, además, la excentricidad de desarrollar una actividad artística y de exclusividad masculina.

Poco intuían los “misericordiosos” que aquellas “chicas raras” estaban siendo unas auténticas revolucionarias en el mundo del arte; posiblemente, ni ellas mismas lo intuyeran. No sólo estaban adentrándose en un mundo que no les correspondía sino que, también, estaban sentando las bases de la igualdad de la mujer en el arte y en una sociedad, que por entonces, tenía unos valores que paralizaba cualquier innovación que proviniera del mundo femenino.

Ellas son las precursoras de cientos de mujeres que un día decidieron dedicarse por completo a su verdadera pasión: el arte en cualquiera de sus facetas; ellas tuvieron en sus manos la llave que abría esa puerta: la utilizaron aún a costa de ser consideradas “chicas raras y extravagantes”

La Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC, con la exposición “MUJER, ARTE Y PODER”, ha querido rendirles un homenaje, (aunque sea pequeño y no todo el que se merecen), a través de 21 pintoras, ya fallecidas, que vivieron entre los siglos XVI y XX y cuyos nombre son: Sofonisa Anguissola, (1532-1625), Lavinia Fontana, (1552-1614), Marieta Robusti, (1554-1590), Fede Galiza, (1578-1630), Judith Leyster, (1609-1660), Elisabetta Sirani, (1638-1665), Rosalba Carriera, (1675-1757), Angelica Kauffmann, (1741-1897), Elisabeth Louise Vigée-Lebrun, (1755-1842), Joanna Boyce, (1831-1861), Mary Cassat, (1884-1926), Edith Corbet, (1846-1920), Helen Allingham, (1848-1926), Eva Gonzales, (1849-1883), Catherine Madox Brown, (1850-1927), Laura Alma-Tadema, (1852-1909), Anna Kirstine Brondum Ancher, (1859-1935), Emily Maria Eadley Childers, (1866-1922), Gwen John, (1876-1932), Maria Blanchard, (1881-1932), Dora Carrington, (1893-1932).

SOFONISA ANGUISSOLA

(1532-1625)

Sofonisa Anguisola nace en Cremona, (Italia), y se la considera la primera mujer pintora del Renacimiento y una de las artistas más longevas.

Especialista en retratos y contemporánea de Miguel Ángel, quien la aconsejó sobre el arte pictórico, en sus retratos y escenas aplicó la luz de tal forma que consiguió crear una textura muy propia y singular.

“Autorretrato”

En una época en que la pintura era una actividad solamente practicada por hombres, esta pintora sirvió de una gran fuente de inspiración para otras muchas mujeres dedicadas a la pintura, sobre todo, en generaciones posteriores; entre ellas, Lavinia Fontana, FEDE Galiza y Bárbara Longhi.

“El juego de ajedrez”

Su retrato de la reina Isabel de Valois, vestida con una magnifica marta cibelina, ha sido uno de los retratos más copiados en España.

LAVINIA FONTANA

(1552-1614)

Nacida en Boloña, (Italia), Lavinia Fontana fue, esencialmente, una pintora de retratos de personajes y de cuadros para las iglesias.

Hija del pintor Próspero Fontana, siguió desde pequeña las instrucciones de éste lo que ocasionó que el estilo de la pintora sea muy cercano al manierismo tardío que practicó su progenitor.

“Autorretrato”

Su cercanía al círculo de pintores más afamado de su época, le permitió realizar retratos de damas de la alta sociedad de su ciudad y, más tarde, asentada ya en Roma fue la artista oficial durante un periodo del papado de Clemente VIII.

“Minerva vistiéndose”

Admitida en la Academia de Roma, recibió la influencia de artistas de la talla de Correggio y Scipione Pulzone.

MARIETA ROBUSTI

(1554-1590)

Conocida como la Tintoretta, por ser hija del pintor Jacopo Tintoretto, aprendió a pintar en el taller de su padre al que, al parecer, seguía a todas partes vestida de muchacho.

“Dama veneciana”

Víctima de la época que le tocó vivir, Marieta Robusti nunca recibió ningún encargo público que permitiera demostrar su valía como pintora lo que originó que se especializará en retratos de uso privado y en obras de pequeño formato.

“Joven veneciana”

Pocas son las obras que se le pueden atribuir con total seguridad a esta pintora, aunque se le atribuyen pinturas y retratos que, en la actualidad, se conservan en diversos museos de varios países.

Mueres, por causas desconocidas, en el año 1590 y es enterrada en la iglesia veneciana de Santa María dell¨ Orto.

FEDE GALIZA

(1578-1630)

Nace en Milán, (Italia), y fue su padre, el pintor Nunzio Galiza, quien la introdujo en el mundo de la pintura.

Pionera del género denominado “bodegón”, Fede Galiza pronto fue reconocida como retratista y su estilo, claramente realista y vinculado al manierismo lombardo de fines del siglo XVI, fue muy apreciado lo que propició que su trabajo fuera muy requerido.

“Judith con la cabeza de Holofernes”

La pintora tuvo encargos de temática religiosa, profanos, retablos para iglesias y retratos, sin embargo, sus naturalezas muertas fueron las menos valoradas hasta que, en el siglo XX, sus bodegones fueron rescatados del olvido y objeto de una gran atención y un estudio muy especial y minucioso.

“Duraznos en una cesta blanca”

JUDITH LEYSTER

(1609-1660)

Hija de un cervecero y sastre holandés, se desconocen los detalles exactos de su formación como pintora lo que no ha sido óbice para que su nombre apareciera, en el año 1628, en un libro del holandés Samuel Ampzing.

“Declaración”

En el año 1936, se casa con el pintor Jan Miense Molenaer con quien se traslada a vivir a Ámsterdam, ciudad en la que el mercado del arte era más estable.

Judith Leyster trabajó formatos de distintas dimensiones y cultivó obras de género, bodegones y retratos; su época de mayor productividad artística está datada entre los años 1629 y 1635, período anterior al de su maternidad de cinco hijos.

“El flautista”

A partir de 1635 sólo se le conocen dos obras: las ilustraciones en un libro sobre tulipanes, (1643), y un retrato, (1652).

ELISABETTA SIRANI

(1638-1665)

En el año 1638 nace en Bolonia, (Italia), la pintora Elisabetta Sirani quien, como muchas de las pintoras de la época, comenzó a pintar al amparo de su padre Giovanni Sirani.

“Alegoría a la música”

La artista comienza su actividad profesional a la edad de 19 años y muy pronto tomó las riendas del taller de su padre, aquejado de una enfermedad en sus articulaciones; taller que llegó a ser muy visitado por los grandes amantes del arte interesados en apreciar el arte y el talento de Elisabetta Sirani.

“Porcia hiriéndose el muslo”

Artista multidisciplinar  no sólo se dedicó a la pintura sino, también, al grabado, al dibujo, a la música y a la poesía; todos ellos terrenos en los que realizó obras de carácter histórico y religioso.

ROSALBA CARRIERA

(1675-1757)

Nace en Venecia, (Italia), en el año 1675 y se la considera una importante artista del rococó italiano que inició su carrera artística diseñando patrones de encaje para su madre, la cual se dedicaba a esta actividad mercantil.

“Autorretrato”

Rosalba Carriera fue la primera artista que utilizó el marfil, en su caso para crear miniaturas para decorar las tapas de las cajitas de tabaco en polvo y rape.

En 1705 es admitida en la Academia de San Lucas romana por derecho propio, en 1720 ingresa en la Academia de Bolonia y, años más tarde, en la Academia Francesa.

La fama de E. Carriera se fundamenta en sus retratos de la nobleza, aristocracia y realeza europea realizados, por primera vez, utilizando exclusivamente el pastel, hecho que llevó a popularizar esta técnica.

“Flora”

Además de sus famosos retratos, en su mayor parte en una pose de busto con el cuerpo ligeramente vuelto y la cabeza girada hacia el espectador, es admirada su gran habilidad para representar texturas, diseños y recreaciones de galones de oro, telas, encajes, pieles, joyas… de sus acaudalados retratados.

ANGELICA KAUFFMANN

(1741-1897)

Angelica Kauffmann nace en Suiza aunque, por razones familiares, se ría en Austria. Fue hija de un pintor mediocre que, sin embargo, consiguió transmitir con gran éxito a su hija el arte de la pintura quien, además, poseía un gran talento para el aprendizaje de idiomas y para la música.

“Autorretrato”

La pintora viaja, a lo largo de su vida, por varias ciudades europeas, (Bolonia, Venecia, Roma, Milán…), lo que contribuye a darse a conocer y a ser apreciada, por personajes relevantes de la época, tanto por su carácter afable y encantador como por su talento artístico.

Los 23 años ingresa en la Academia di San Lucas de Roma y, más tarde, en la Royal Academy de Londres.

“Retrato de una mujer como una vestal”

Hábil retratista se dedicó, también, a otros géneros, que en aquella época era impensable que tratara una pintora, como los temas mitológicos, históricos y religiosos.

ELISABETH LOUISE VIGÉE-LEBRUN

(1755-1842)

Famosa pintora francesa del siglo XVIII, nace en París y fue hija de un retratista del que recibió sus primeras nociones de pintura que se complementaros, a medida que crecía, con los consejos recibidos de otros maestros relevantes de su época.

“Condesa A. S. Stragonova y su hijo”

Durante su adolescencia pintaba retratos que fueron exhibidos por la Academia de Sain Luc.

Tras pintar a la reina María Antonieta, ésta muy complacida por el trabajo de la pintora, le abre las puertas para pintar retratos de numerosos príncipes y miembros de la nobleza francesa.

Tras la retención de la familia real, durante la Revolución Francesa, Vigée-Lebrun se va de Francia y pasa algunos años de su vida en Italia, Austria y Rusia, país, este último, en el que pintó a varios miembros de la familia de Catalina La Grande.

“Autorretrato”

Tras regresar a Francia, en tiempos de Napoleón I, realiza retratos de nobles británicos que acudían a ella movidos por su fama como retratista.

Se la considera la artista más importante del siglo XVIII con un legado artístico de 660 retratos y 200 paisajes.

JOANNA BOYCE

(1831-1861)

Joanna Boyce nace en Máidi Hill, (Londres, Inglaterra), en el año 1831 en el seño de una familia próspera y se la considera una magnífica pintora de retratos.

Estudia en la Academia de Cary, en la Academia de Leigh y en la prestigiosa academia del pintor francés Thomas Couture.

“Paisaje”

Tras el fallecimiento de su padre, la artista se sumió en una honda tristeza que le llevó a dejar de pintar y sólo gracias al apoyo de su madre y de su hermano, la pintora volvió a retomar su actividad.

Joanna Boyce tuvo una prolífica vida artística antes de contraer matrimonio y, aunque su pensamiento era que tras casarse iba a dejar de pintar, siguió haciéndolo aunque casi, exclusivamente creando retratos de sus hijos.

Sus obras más importantes fueron destruidas por los bombardeos a Inglaterra  durante la Segunda Guerra Mundial.

“Gretchen”

MARY STEVENSON CASSATT

(1844-1926)

Pintora norteamericana establecida en París a partir de 1875, fue la única artista de esta nacionalidad que presentó regularmente sus obras en las exposiciones del grupo de los impresionistas, grupo que se dedicaba a explorar medios modernos de representar aspectos claves de la vida urbana contemporánea.

“Verano”

La singular aportación de Cassatt al arte se concreta en su exploración artística de la relación entre aquello que convertía en moderna a la pintura y en “nuevas” a las mujeres.

En reconocimiento a su importancia como principal mujer de la modernidad y principal pintora feminista, se le pidió que realizara un gran mural para el Edificio de la Mujer de la Exposición Colombina Universal, que tuvo lugar en Chicago en 1893.

“Una taza de café”

En 1904 Francia le concedió la Legión de Honor y, aunque fue una pieza decisiva para la difusión de la obra impresionista entre los coleccionistas estadounidenses, el reconocimiento en su país le llegó con más retraso que en Francia.

EDITH CORBET

(1846-1920)

Nacida, en 1846, en Nueva Gales del Sur, Edith Corbet fue una excelente pintora de paisajes victorianos que pronto establece una estrecha relación con el grupo Macchiaioli, llegando a casarse con uno de sus miembros.

“Cicerón Villa y el Golfo de Bayas”

Tras visitar varios países y residir en diferentes ciudades inglesas se instala, definitivamente, su residencia en Londres hasta el año de su muerte, (1920).

“El sueño”

HELEN ALLINGHAM

(1848-1926)

Pintora inglesa gran acuarelista e ilustradora de la época victoriana, Hellen Allingham nace, el 26 de septiembre de 1848, en Derbyshire, (Inglaterra), siendo hija de un médico y la mayor de siete hermanos que, tras la muerte de su padre, se traslada a vivir a Birmingham con sus tías.

“Jardín”

Desde muy temprana edad, Hellen mostró un gran talento para el arte por lo que comienza a asistir a la Escuela de Diseño de Birmingham y, después, a la Escuela de Arte compaginando sus estudios con su trabajo como ilustradora hasta que abandona ambos para dedicarse por completo a la pintura.

“En la arena, Eastboune”

Tras casarse con el poeta y editor irlandés William Allingham, se asienta en Surrey en donde inicia a pintar el paisaje que rodea a esta ciudad, los caseríos y sus casas de campo.

Hellen Allingham se convirtió en la primera mujer en ser admitida, como miembro de pleno derecho, en la Acuarela Real Sociedad.

EVA GONZALÈS

(1849-1883)

Esta pintora expresionista nace en París, en 1849, y fallece en esa misma ciudad el 5 de mayo de 1883.

“La lectura en el bosque”

Hija del escritor español Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a la edad de 16 años y, más tarde, será modelo y discípula de Eduardo Monet cuya influencia en la obra de la pintora es notoriamente visible hasta 1872, fecha en las que las pinturas de la artista adquieren un estilo cada vez más personal caracterizado por la utilización del pastel y las tonalidades claras.

“Despertar por la mañana”

Eva Gonzales fallece, a causa de una embolia originada en uno de su último parto, cinco días después de la muerte de su gran maestro Manet.

CATHERINE MADOX BROWN

(1850-1927)

Nace en Inglaterra, en 1850, y ya desde muy pequeña mostró sus dotes e inclinaciones artísticas que fueron incentivadas por el gran maestro de la pintura británica For Madox, su padre, el cual utilizaba el estilo de la escuela prerrafaelista cuyos seguidores se afanaron por alcanzar la pureza de la pintura medieval italiana.

“Ford Madox Brown”

Catherine Madox Brown tuvo entre sus maestros a Dante Gabriel Rossetti y sus trabajos artísticos los realizo, principalmente, utilizando colores al agua.

“En la ópera”

LAURA-ALMA TADENA

(1852-1909)

Nace en Londres, (Inglaterra), y fue hija de un afamado médico homeopático.

Ya desde su infancia, Laura Alma-Tadema se relaciona con el arte y la cultura, inquietudes que comparte con sus hermanas de las cuales Emily y Ellen también fueron pintoras.

“The Wool Winders”

A los 17 años se casa con el pintor holandés Sir Lawrence Alma-Tadema, de quien tomó el apellido, y quien la retrató en varias ocasiones dada la belleza de la pintora. Con él aprende los entresijos de la pintura y consigue dar a sus pinturas un magistral tratamiento de la luz y reflejar con exactitud, en sus lienzos, diferentes temáticas: paisajes, escenas clásicas pero, sobre todo, de carácter doméstico, de mujeres y de niños.

“Aways Welconme”

Expuso en la Real Academia Británica y fue una de las dos mujeres artistas invitadas a participar en la Exposición Universal de París, en el año 1878.

ANNA KIRSTINE BRONDUM ANCHER

(1859-1935)

Nace en Skagen, (Dinamarca), y está considerada una de las dos grandes pintoras danesas gracias a su trayectoria artística y a su peculiar personalidad.

“Mujer del pescador cosiendo”

Su talento pictórico quedó pronto de manifiesto e ingresó en la escuela de pintura para mujeres de Copenhague, llegando a dar clases con Kart Madsen, Johansen y otros renombrados artistas.

Anna K. Brondum estudió diseño en la Escuela de Pintura de Copenhague y en París y, a pesar de la presión social que tenían las mujeres de su época, continuó pintando tras su matrimonio y obteniendo mucho éxito con sus pinturas en las que destacan el uso de colores vivos y de la luz.

“Almuerzo en el jardín”

Sus temas predilectos fueron los relacionados con el mundo de las mujeres, de los niños y los referentes a la vida cotidiana de la gente sencilla.

EMILY M. EADLEY CHILDERS

(1866-1922)

Hija de un importante miembro del Parlamento inglés, se conocen pocos datos de la vida de esta pintora inglesa de la última década victoriana y de principios del siglo XX.

“Mercado español”

Emily M. Eadley Childers expone por primera vez alrededor del año 1890 y, dos años más tarde, tras la jubilación de su padre en la administración pública comienza a viajar con éste por toda Inglaterra y por Francia.

La obra de esta pintora se caracteriza por marcadas influencia impresionistas reflejadas, sobre todo, en sus paisajes, por sus interiores de las iglesias y por los retratos.

“Niños jugando con aros en la calle Arromanches”

GWEN JOHN

(1876-1932)

Artista galesa, nacida en el año 1876, desarrolló la mayor parte de su carrera artística en Francia y es conocida, principalmente, por los retratos que realizó de modelos femeninas anónimas.

“La convaleciente”

Aunque pintó desde muy temprana edad, los primeros trabajos que se le conocen datan de cuando tenía 19 años. Muy unida a su hermano menor, Augustus, se diferenció de éste por su carácter reservado, fuerte y apasionado y, también, -por su indiferencia por el bienestar físico y material.

Llega a París en el año 1904 en donde conoce a Rodin, por el que siente una gran admiración y pasión, a Matisse, Picasso, Rilke… Seis años más tarde, la artista obtuvo el gran apoyo del coleccionista de arte norteamericano Jonh Quinn, quien compró la mayor parte de la obra de Gwen John. Dicha obra se caracteriza por retratos a pequeña escala y por sus naturalezas muertas.

“Un rincón de la habitación de la artista en París”

Hoy en día, la obra de pintora se encuentra repartida por numerosas colecciones públicas entre las que destacan las de la Tate Gallery y la de la Nacional Gallery of Wales.

MARÍA BLANCHARD

(1881-1932)

María Blanchard nace en Santander, en una familia de padre español y madre polaco-francesa, con una deformidad física, (era jorobada), que le hizo ser blanco de crueles bromas en su infancia. Su carácter se forja en función de esa minusvalía que hace que plasme en su pintura su frustración, sobre todo, ante la ausencia de amor y de maternidad.

“Desnudos”

Estudió pintura en Madrid, trasladándose posteriormente a París, donde se relacionó con otros artistas, como Diego Rivera, Juan Gris y Jacques Lipchitz, de los movimientos cubista y modernista. Sobrevivió dando clases de pintura.

“Composición cubista”

Una de sus peculiaridades era el descuido indumentario: vestía ropa mil veces usada y remendada, con manchas de pintura en manos y ropa. Existía un gran desorden en su habitación y podía vérsela con las gafas con cristales rotos y patillas sujetas con alambre negro.

En 1909 se traslada a París, (ciudad en la que muere trece años más tarde), en donde entra en contacto con el cubismo, haciéndose su pintura más geométrica  y se hace amiga de Juan Gris.

DORA CARRINGTON

(1893-1932)

Conocida como Carrington, fue una pintora y decoradora inglesa recordada, en gran medida, por su estilo de vida bohemio y por su asociación a los miembros del grupo de Bloomsbury del que nunca formó parte.

“Granja en Watendlath”

Nacida en Hereford, (Inglaterra), ya desde muy niña sintió un gran interés por el arte por lo que sus padres la matricularon en una escuela femenina que lo promovía, le pagaron clases particulares de pinturas hasta que, más tarde, la artista gana una beca para la Slade School of Art de Londres.

Dora Carrington fue en su época una pintora poco conocida ya que apenas realizó exposiciones y no firmaba sus obras; sin embargo, fue una experimentada paisajista y retratista que extendió sus inquietudes a las artes aplicadas y decorativas.

“Estudio de una mujer”

Desde el año 1970, crece el interés por la obra de la pintora la cual ha obtenido críticas y valoraciones muy positivas y acreditadas.

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DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

8 de marzo de 2011

EXPOSICIÓN

“MUJER, ARTE Y PODER”


El arte contemporáneo del siglo XXI, avanza con decisión y paso firme de la mano de mujeres comprometidas que, con su esfuerzo y trabajo, se han ido haciendo un hueco en el mercado del arte internacional.

Galeristas, presidentas de fundaciones, directora de museos o salas de subastas, empresarias artísticas, curatoras, artistas, comisarias de exposiciones, gestoras artísticas… son las que hacen posible que el arte, en general, sea mostrado en el mundo entero.

Desde hace décadas, en muchos de los casos, trabajan para impulsar el arte contemporáneo de artistas emergentes y de los ya consolidados y abren nuevas puertes a una actividad y gestión que, hasta no hace mucho, era patrimonio de los varones.

La revista YO DONA eligió, el pasado mes de febrero, y entre 50 mujeres relacionadas con el mundo del arte contemporáneo, a las 20 mujeres españolas más poderosas e influyentes del mundo en este ámbito, (la Dirección del MKAC, ha añadido a este listado a Chuz Martínez).

Helga de Alvear, Juana de Aizpuru, Carmen Jiménez, Cristina Iglesias, María Corral, Elvira González, Carmen Cervera, Elena Ochoa, Maite Ocaña, Manuela Mena, Rosina Gómez Baeza, Soledad Lorenzo, Marta Gili, Estrella de Diego, Dora García, Consuelo Ciscar, Elena del Rivero, Cristina de la Cruz, Charo Otegui, Cristina García Rodero y Chuz Martínez, ellas son, sin duda, las perfectas representantes de todas las demás, que sin aparecer en este listado, convulsionan el arte del siglo XXI y lo dan a conocer.

HELGA DE ALVEAR


Helga de Alvear.

Fundadora de la Galería Helga de Alvear, se la considera una de las figuras imprescindibles y más notables y referenciales dentro del mundo del arte contemporáneo.

En los últimos años centra su interés en la fotografía, el vídeo y en otros lenguajes utilizados por artistas minimalistas y conceptuales.

Además de directora de su galería, Helga de Alvear ha creado su propia colección de arte que cede temporalmente para exposiciones por todo el mundo.

JUANA DE AIZPURU


Juana de Aizpuru.

Propietaria de la galería que lleva su nombre, Galería Juana de Aizpuru, el mundo del arte contemporáneo español no se concibe sin la presencia de esta mujer en él.

Funda su galería en 1970, primero, en Sevilla y, después, en 1983, en Madrid dedicada a las nuevas tendencias internacionales del arte contemporáneo y organizando exposiciones de artistas españoles e internacionales, representantes de diversas manifestaciones artísticas actuales, (pintura, fotografía, escultura…).

Crea becas para ayudar a jóvenes artistas y participa en las grandes ferias internacionales, (Frankfurt, L.A., Amsterdam…).

CARMEN JIMÉNEZ

Carmen Jímenez.

Carmen Jiménez es comisaria de la Colección de Arte del siglo XX del Solomon R. Guggenheim Museum, de Nueva York, que alberga una de las colecciones más importantes de arte contemporáneo con obras, entre otros, de artistas de la talla de Paul Klee, Marc Chagall. Joan Miro, Brancusi y Alexander Calder.

CRISTINA IGLESIAS

Cristina Iglesias.

Nacida en San Sebastián, (1956), la obra escultórica de esta artista transmite un especial interés por el contraste de las texturas y materiales, (zinc, cemento, cristal, hierro, fotografía de paisajes…), y por la relación que el conjunto establece con el espacio.

La trayectoria artística de Cristina Iglesias,  se enmarca en la de los grandes artistas contemporáneos que exponen en los grandes museos y reciben prestigiosos premios.

En el año 2007, recomendada por Rafael Moneo, realiza la puerta-escultura para la ampliación del Museo del Prado; su primer trabajo público en España.

MARÍA CORRAL

María Corral.

Es coordinadora de la Colección de Arte Contemporáneo del Museo Patio Herreriano, (Valladolid, España), y Senior Curator del Dallas Museum of Art, (E.E.U.U.)

María Corral, además de crítica de arte y curator independiente, fue directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (1991-1994), y directora de Artes Visuales de la Fundación La Caixa.

Entre las distinciones que ha recibido se encuentra el LEO Premio de Nueva York, (1992), y el Art Cologne Premio, (1994).

ELVIRA GONZÁLEZ

Elvira González.

Miembro del Comité Asesor de ARCOMadrid y galerista, Elvira González, tras dirigir la Galería THEO, desde 1967, y THEO Espacio, desde 1989, abre su propia galería. Consigue que ésta se convierta en un referente del arte español e internacional de las vanguardias históricas y de arte contemporáneo.

Preside la asociación ArteMadrid que aglutina a las más destacadas galerías de arte contemporáneo de la capital de España.

CARMEN CERVERA

Carmen Cervera.

Vicepresidenta vitalicia del Museo Thyssen-Bornemisza, es en la actualidad una de las coleccionistas más importantes del mundo.

Por su aportación al mundo del arte, Carmen Cervera, recibe la Gran Cruz de Isabel la Católica, (1988), la Medalla de Oro de las Bellas Artes, (1999), y el premio Alfiler de Oro de la Asociación Mujer Siglo XXI de Bilbao, (2010).

Su intervención fue fundamental en la consecución del acuerdo realizado entre la Colección Thyssen-Bornemisza y el Reino de España; primero, para su préstamo y, después, para la adquisición definitiva de la colección por el Estado español.

ELENA OCHOA

Elena Ochoa.

Nacida en Orense, (España), en 1958, se inicia en el mundo del arte contemporáneo como directora de la editorial Ivorypress, que funda en 1999, con el objetivo de comisariar, editar y exponer obras de artistas plásticos, escultores y fotógrafos.

En 2005, Ivorypress emite al mercado la revista CInternacional Photo Magazine, de tirada bianual, global y dedicada a la fotografía contemporánea.

Dueña y presidenta de Iveropress, Elena Ochoa, abre en el año 2008 su propia sala de exposiciones en Madrid: Ivorypress Art. + Books.

MAITE  OCAÑA

Maite Ocaña.

Es, desde el año 2006, directora del Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona, obtuvo el título de curator técnica de museos y dirigió el Museo Picasso de la Ciudad Condal durante 23 años.

Maite Ocaña es especialista en arte moderno, principalmente, de los siglos XIX y XX, ha escrito obras divulgativas, ha sido jurado del Premio Príncipe de Asturias durante años y, en 2004, recibe el título de Caballero de la Orden Francesa de las Artes y las Letras.

Tras presentar su candidatura a la dirección del MNAC, y ser elegida para ocupar ese puesto por un jurado formado por expertos de todo el mundo, su propuesta museística enlaza con la interrelación de la investigación museística y universitaria y por su intención de incrementar la colección permanente del museo, completando algunas de las carencias que presenta.

MANUELA MENA


Manuela Mena.

Manuela Mena es Jefa de Conservación del siglo XVIII y de Goya en el Museo del Prado, (Madrid).

ROSINA GÓMEZ BAEZA

Rosina Gómez Baeza.

Directora de laboral, Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón, es gestora y presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo y lleva una gran parte de su vida inmersa en el mundo del arte contemporáneo y dedicada a impulsar todo tipo de proyectos.

Directora de ARCOMadrid durante dos décadas, Rosina Gómez Baeza, defiende a ultranza el nexo existente entre arte y la sociedad actuales y apoya el crecimiento y el desarrollo de la producción artística desde los comienzos mismos de la educación.

SOLEDAD LORENZO

Soledad Lorenzo.

En 1985, Soledad Lorenzo abre su propia galería, como consecuencia de una extensa trayectoria en el mundo de las galerías, con una línea expositoria encaminada a las vanguardias españolas desde los años cincuenta.

Es miembro habitual de la feria ARCOMadrid y su participación en ferias internacionales es un garante para el arte contemporáneo.

MARTA GILI

Marta Gili.

Directora de la Galerie Nationale du Jeu de Paume, (París, Francia), inaugurada como galería para exposiciones temporales sobre fotografía contemporánea.

Nacida en Barcelona, (1957), Marta Gili es comisaria de multitud de exposiciones, (Helen Chadwick, Christer Stromholm, Jodi Colomer, Valerie Mrejen…), y, también, es reconocido su trabajo como responsable en exposiciones temáticas como Image Fràgil Ficcions Documentales o Historias Animadas.

Participa en números seminarios y conferencias, imparte cursos, masters y postgrados en España y en el extranjero.

ESTRELLA DE DIEGO

Estrella de Diego.

Esta madrileña, nacida en 1958, es Catedrática de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y, durante el período 1998-1999, fue Catedrática en el King Juan Carlos I of Spain of Spanish Culture and Civilitation en la New York University.

Estrella de Diego ha sido comisaria de numerosas exposiciones y es autora de varios libros: “La mujer y la pintura en la España del Siglo XIX”, (1987), “El androgino asexuado. Eternos ideales, nuevas estrategias de género”, (1999), y “El filósofo y otros relatos sin personajes”, (2000).

DORA GARCÍA

Dora García.

Nace en Valladolid, (1965), y vive y trabaja en Bruselas.

Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y ha participado en numerosas exposiciones y festivales, entre los que debemos mencionar el Rótterdam Film Festivales, (Holanda), Trasvasero en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, (Argentina), y el Monocanal en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, (España).

El campo de interés que Dora García plasma en sus creaciones se centra en el condicionamiento social, la condición femenina y la creación de situaciones y contextos que modifican la tradicional relación que se suele establecer entre el artista, la obra y el espectador.

Su objetivo último es conseguir transformar la sala de exposiciones en una experiencia sensorial única para que el visitante salga de ella con sus percepciones alteradas y una cierta dosis de escepticismo.

CONSUELO CISCAR

Consuelo Ciscar.

Es directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno, (IVAM), uno de los más activos de España, en el que se estrenó como comisaria de exposiciones del chino Cai Guo-Qiang y de Anthony Caro.

En el año 2006 recibe, en la Sede de Naciones Unidas de Nueva York, el premio Women Togeher como reconocimiento a su labor en áreas como el desarrollo de la mujer, la promoción del arte y la cultura o la consecución de la paz mundial.

En la dirección del IVAM, establece el rigor imprescindible en la gestión de todo museo y la apuesta por lo nuevo en el arte contemporáneo, sin desconocer el riesgo al error que Consuelo Ciscar asume de antemano.

ELENA DEL RIVERO

Elena del Rivero.

Nace en Valencia, (1949), e inicia su carrera artística en 1975. En la década de los ochenta realiza un gran número de pinturas y grabados inspirados en el Neoexpresionismo.

Es, a finales de esta época, cuando comienza a investigar y a trabajar con redes y formas geométricas que van adquiriendo relevancia tras establecerse a vivir en Nueva York.

Tras afincarse en esta ciudad estadounidense, Elena Rivero comienza a realizar y a profundizar cada vez más en sus conocidas series minimalistas, consistentes en varias combinaciones de grafito, óleo blanco y aceite de oliva.

“Cartas a la madre”, figura entre sus trabajos de dibujo más notables y sobresalientes y que desarrolla alrededor del arquetipo de la madre; a este trabajo le sigue la serie “Cartas a la novia”, grupos de dibujos inspirados en el rol femenino tradicional.

ANGELA DE LA CRUZ

Angela de la Cruz.

Es la primera española que ha entrado en el exclusivo club de los nominados al Premio Turner Trize, el premio internacional de arte contemporáneo que cada año se convoca en Londres y del que la artista gallega ha resultado la primera finalista, (2010).

En 2005 sufre un derramé cerebral que trunca 15 años dedicados al arte y que la deja en un silla de ruedas, un hecho que marca su vida y su obra a pesar de que Ángela de la Cruz se enfrenta a esta situación desde una filosofía de vida peculiar y desde su férrea indomabilidad. De ella misma la artista dice que se siente “como un director de cine”.

Retoma su carrera artística en el año 2009, dotando a sus obras de conceptualizaciones más directas y claras y con la presencia del cuerpo como uno de los motivos más centrales de su trabajo.

Sus obras pictóricas las realiza en óleos y acrílicos de color indefinible que se mimetiza con el lienzo y con bastidores plegados y desmontados que adquieren una esencia escultórica.

En su obra escultórica intenta conseguir un equilibrio, que parece imposible, a través de muebles y objetos destartalados recogidos en la calle.

CHARO OTEGUI

Charo Otegui.

Preside, desde que finalizó su cargo como directora de la Academia de España en Roma, la SEACEX, (Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior).

Charo Otegui nace en la capital española, (1956), y se doctora en Sociología en la Universidad Complutense de Madrid.

Ha ocupado diferentes puestos académicos en varias universidades del mundo, recibido numerosos premios y ganado varias becas de Doctorado y Post-doctorales de investigación.

En su trayectoria profesional hay que destacar su importante aportación y labor en la gestión cultural, ya que ha realizado exposiciones, congresos, conciertos, seminarios y Encuentros Internacionales Complutenses de gran relevancia internacional.

CRISTINA GARCÍA RODERO

Cristina García Rodero.

Nacida en Ciudad Real, (España, 1949), es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y comienza su carrera docente impartiendo dibujo en la Escuela de Artes y Oficios y fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de esta misma ciudad.

Su obra fotográfica, que se puede enmarcar en el reportaje aunque desde una perspectiva y punto de vista muy personal, forma parte de colecciones permanente de los grandes centros artísticos de todo el mundo.

Es la primera española en trabajar, tras una rigurosa selección, en la prestigiosa agencia fotoperiodística MAGNUM, lo que Cristina García Rodero interpreta como “un reconocimiento a la fotografía independiente y libre”.

CHUZ MARTÍNEZ


Chuz Martínez.

Nace en La Coruña, (España, 1972), y desde el año 2008 hasta enero de 2011 ha sido la conservadora jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, (MACBA).

Filósofa, historiadora del arte y curatos, Chuz Martínez, tras estudiar Filosofía e Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Barcelona, realiza un master en el Bard College de Nueva York, fue directora del Frankffurter Kunstverein y curator en el Rekalde de Bilbao.

A primeros de este año, deja el MACBA para aceptar la oferta de formar parte del equipo curatorial de Documenta12, una de las grandes citas del arte contemporáneo internacional, que tiene lugar cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel.

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 EXPOSICIÓN

“SENSACIONES”

de

ELISA GONZALO TEJEDOR

“Sensaciones” es la exposición que, hasta el 16 de mayo, nos permite ver la calidad de la obra de la pintora Elisa Gonzalo Tejedor a través de esta muestra pictórica.

Cartel de la exposición.

La cita es en:  C/ Santísima Trinidad, 5

28010 – Madrid

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