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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Monthly Archives: febrero 2011

“EL BOSQUE DE FAVILAS”

de

XAVIER MAGALHAES

 


CRÓNICA DE UNA INAUGURACIÓN

Ayer, quienes estamos vinculados al mundo del arte y sus aledaños, tuvimos la ocasión de participar en uno de esos eventos y encuentros que recordaremos por mucho tiempo.

El punto de partida fue la convocatoria a la inauguración de la exposición “El Bosque de Favilas”, del artista gallego-portugués Xavier Magalhaes.

Imagen de parte de los asistentes a la inauguración.

A esta convocatoria, le siguió la materialización del evento en sí. El lugar del encuentro fue la Sala II de Exposiciones de CAIXANOVA que pocos minutos antes de las ocho de la tarde, hora oficial de la apertura, ya estaba casi abarrotada de personas.

De izquierda a derecha, la grabadora Yolanda Carbajales, la pintora Beatriz Ansede, el crítico de arte Rubén Martínez Alonso y Xavier Magalhaes.

Apenas unos minutos más tarde, era casi imposible acceder a la sala y pasearse entre ese imaginario bosque de sensibilidades y emociones que el artista había distribuido, muy acertadamente, por paredes y espacio de la estancia.

Y escribo bien, cuando escribo sobre acierto y espacio ya que, más allá de conceptualizaciones artísticas inherentes a las obras exhibidas, Xavier Magalhaes nos sorprendió a todos, amigos y extraños, con un escenificación sabiamente articulada: la recreación de un imaginario bosque cuyas, también, imaginarias copas no eran otras que más de una cuarentena de cuadros elaborados por el artista.

El público asistente paseando por "el bosque".

Pasear entre ellos tras el agradable asombro inicial provocado por el montaje de la exposición, suponía, ya no sólo la traslación a un universo ilusorio y lleno de fantasía sino, también, una integración y mimetismo absolutos con un entorno repleto de colores, pinceladas y emociones que únicamente los grandes artistas son capaces de ocasionar.

Otra imagen del desarrollo de la inauguración.

Huelga decir que el cosmos de favilas de X. Magalhaes, agrupó a un “ramillete” de personalidades, (Antón Pulido, Santiago Montes, Xan Vieito, Fernando Artal, Beatriz Ansede, Rafael Freijeiro, Juan Castro, Mingos Teixeira, José Luis Otero… pintores; Pedro Solveira, Francisco Pazos… escultores; Yolanda Carbajales, Xavier de Sousa… grabadores; Fernández Silvoso, Carlos Álvarez…galeristas; representantes de diversas instituciones culturales, políticas y artísticas), emparentadas, en línea directa, con el arte que, sin necesidad de pronunciar una sola palabra sobre el contenido de la exposición ni sobre el artista, arroparon, en esos momentos, al pintor y avalaron la transcendencia de la figura y trayectoria de Xavier Magalhaes en el panorama artístico español e internacional.

De izquierda a derecha, el galerista, Luis Fernando Silvoso, Xavier Magalhaes y Rubén Martínez Alonso, crítico de arte.

XAVIER MAGLHAES

“El bosque de favilas”

“El fuego prendió en la espesura inflamando la noche, enérgica la mano que ahora esboza, adivinándose en los trazos las favilas de aquel bosque que ardió, consumida ya la madera, las hojas, descarnada el alma de una pintura que participa aún de las brasas, de su calor, de su luz anaranjada a punto de sucumbir, cuando el rojo y vigoroso incendio dejó paso a la azul fragilidad de un viento que amenaza con derribar a los calcinados guardianes. Capricho escenográfico, atormentado páramo donde el visitante se convierte en intruso, en profanador de un universo que crepita y silba al mismo tiempo, que grita a cada paso, estrangulándose el laberinto con nuestro recorrido.

Imagen de la exposición "El Bosque de favilas" en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Así, los Desheredados erizan el epicentro de la bacanal metamórfica, donde intuimos la silueta de la ménade que danza bajo los vapores dionisíacos, echando hacia atrás la cabeza, perdida, mutada, mientras cientos de ojos espían tras las rendijas, tratando de adivinar qué animales han dado origen a esos seres zoomórficos que la acompañan. La unidad descompuesta, la idea como motor que descuartiza, que muestra los diversos planos de una realidad que es embrión y cadáver, que nace y muere con la misma celeridad con la que el genio gesta su obra. La sala es ahora la mente del artista, suspendida la creación lo mismo que el tiempo, que es pasado, que es presente y futuro, la nada, el todo, enmudecidas las palabras ante la ceguera de una realidad que sobreviene al cerrar los ojos, en la soledad de un estudio desde el que casi se toca el cielo, añorando el agua de ese mar lejano cuando el sol abrasa, convertido entonces en una de esas favilas que sobre la tierra yerma equilibra y defiende el fruto que alimentará de nuevo la hoguera.”(Rubén Martínez Alonso, Licenciado en Historia del Arte (USC), y Doctorado en Humanidades (UDC) ).

XAVIER MAGALHAES O LA PLENITUD DE CONTRASTES

Desde lo alto de su estudio, en la cima de lo que los vigueses llamamos Casablanca, a Magalhaes le gusta la contemplación de la ciudad y detenerse ante esa serie de piedras y ladrillos que, partiendo de la mar, trepan monte arriba, embelleciéndolo o asesinándolo, mostrando ora virtud, ora pecado.

Esa virtud y ese pecado, en extraña y hermosa unidad, los hallaría en mucho de los seres que habitan en la tabla, en el papel o en la tela sobre las que puso los pinceles Magahlaes, un inquisitorial confesor de los de antaño, con muchos trienios en el ego te absolvo. Virtud y pecado, quietud y desenfreno, que tienen su correspondencia en los colores, suaves y tenues, los unos, hijos de la contemplación y la calma, fuertes y desgarradores, los otros, de los que parece desprenderse un grito de dolor y de gusto a la par, o conducirnos a la duda, como la del clavo –de ouro, de ferro ou de amor– de la Negra sombra rosaliana.

Fotografía de la exposición del pintor Xavier Magalhaes en el MKAC.

Como veis, hay en la geometría de los cuerpos paridos por el artista, la misma lumbre y frío de los muslos de la casada infiel lorquiana, la carne fogosa y ardiente que cabe imaginar en Lamia, Laida y Flora, las damas de vida non santa cervantinas emparentadas con el obispo Guevara, o esa otra carne pasiva y no labrada, merecedora de un stop por tatuaje, de monja de clausura puesta vergonzosamente al desnudo por Satán en un santiamén.

Pero el mundo pictórico de Magahlaes, sangre gallega y portuguesa mezclada, es mucho más amplio, que el de Evas y Adanes, en días todavía sin modistas y sin sastres. También nos topamos con ese niño que jamás desapareció en él, y que tanto gustaba a Laxeiro, su maestro en el arte de pintar y, dicen, que también en el de “la alegría de vivir”. Con ese niño que se manifiesta en una manera desbordante de reír, casi explosiva y volcánica, y que como lector que fue y es de cuentos infantiles, convierte en imagen plena de colorido, llena de frescura, y propicia a la brincadeira que diría su madres, lo que antaño fue exclusiva palabra encerrada en el vientre tipográfico de un libro.

En Magahlaes que vive, disfruta y padece a la vez los ruidos de la ciudad que ha hecho suya, representan algo más que vagos recuerdos los días tudenses con sabor y olor miñotos, esos otros en tierras del Umia, en las monacales de Oia, abiertas a la inmensidad del océano, o los de la recóndita Pontis Veteris, boa vila que da de beber a quen pasa, que lo vio nacer. Todas esas vivencias -las de sus diferentes patrias, tal como las entendió Rike- no se reducen a unas paredes, las de la intimidad del artista, sino que salen por puertas y ventanas y se perciben en la inmensa pluralidad, varia y variopinta, de su obra.

Xosé Francisco Armesto Faginas.

(Numerario fundador del Instituto de Estudios Vigueses).

XAVIER MAGAHLAES. REFLEXIONES

“El Bosque de Favilas”

Para mi pintar es jugar, con los colores, con el único objetivo de obtener alegría y de reflejar a través de un concepto, de una síntesis, el movimiento, el color y los sentidos con humildad.

La anécdota esta siempre presente, reflejada en la obra como maniquíes en el escaparate de la vida, donde las emociones son la atmósfera que intenta animarlos, a veces con una primera lectura engañosa, que poco a poco va dejando caer velos, para mostrar la inocencia con que fueron concebidos.

Fotografía de "El Bosque de Favilas", en la Sala Courbet.

Los niños no tienen miedo de los colores puros, ni de los equilibrios, ni de las perspectivas, ni de los protagonistas. La naturaleza nos da constantemente ese ejemplo exhibiendo cuadros imposibles con colores transgresores sin que por eso, los niños o la naturaleza nos sorprendan con su belleza e inocencia.

Expongo este invierno, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), en un banquete de color esperando, que puedan ser ventanas abiertas a mi interior como una invitación a asomarnos a la alegría de vivir.

Xavier Magalhaes.

“Bosque de Favilas”

Sala II Centro Social CAIXANOVA

C/ Velázquez Moreno, 13

Vigo – Pontevedra, (ESPAÑA)

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EDIFICIO PRINCIPAL

Edificio principal, sede de las exposiciones de Xavier Magalhaes y de Xosé Luis Otero.


SALA GOYA: “AIRES DA MIÑA TERRA” de Xosé Luis Otero.

SALA VAN GOGH: “AIRES DA MIÑA TERRA” de Xosé Luis Otero.

SALA RUBENS: “AIRES DA MIÑA TERRA” de Xosé Luis Otero.

SALA ROUSSEAU: “EL BOSQUE DE FAVILAS” de Xavier Magalhaes.

SALA COURBET: “EL BOSQUE DE FAVILAS” de Xavier Magalhaes.

SALÓN ALEGRET: “CONSTRUCCIÓN DE UN MUSEO”, Fondo del MKAC.

EDIFICIO SCHUMANN

Edificio SCHUMANN, sede de las exposiciones de Eduardo Crristobal y de Juan Aguilar.

PLANTA BAJA: “POESÍA SIN PALABRAS” de Eduardo Cristobal, (Dogma Zehetbauer).

PRIMERA PLANTA: “ENIGMAS INFOGRÁFICOS” de Juan Luis Aguilar.

SEGUNDA PLANTA: “AMIGOS DEL MKAC”, Fondo del MKAC.

AULARIUM

AULARIUM, sede de la exposición de Algezares Magic.

“LAS COSAS DE ALGE” de Algezares Magic.

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Exposición de pintura del pintor peruano Enrique Zúñiga

 

Cartel de la exposición.

Araña Editorial organiza la exposición de pintura del artista Enrique Zúñiga.

Durante el mes de marzo se realizará un acto artístico acompañado de música andina que servirá como complemento a la exposición del artista peruano.

Enrique Zúñiga es preparador futbolístico de niños ciegos a quienes dedica esta exposición.

La inauguración será hoy viernes, 18 de febrero a las 20,30 h.

Paseo de las Facultades, 6 Bajo

46021 – VALENCIA

Teléfono: 93 3699385

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ARCOmadrid 2011

Cartel oficial de ARCOmadrid 2011.

ARCOmadrid 2011 abre sus puertas el miércoles, 16 de febrero, hasta el domingo día 20, con la participación de 197 galerías, 21 países representados, con Rusia como invitada de la edición de este año y ocupando los pabellones 8 y 10 de IFEMA, (Institución Ferial de Madrid).

El día 16 se abrirá para los profresionales acreditados y a partir del viernes, día 18, se abrirá al público.

ORGANIZACIÓN

El Comité Organizador de ARCOmadrid selecciona 179 galerías, decidiendo mantener la sección PROGRAMA GENERAL, integrada por 117 galerías con obra que abarca desde las vanguardias históricas, los clásicos contemporáneos y el arte actual.

La sección ARCO40, integrada por 39 galerías que mostrarán la obra de un máximo de tres artistas, es la apuesta de la Feria por la producción artística más reciente.

El Programa FOCUS RUSIA presenta la participación de 8 galerías rusas seleccionas por Daria Pyrkina, Comisaria National Centre for Contemporary Art y profesora de la Moscow State Lomonosov University.

Maribel López, comisaria de OPENING; Carlos Urroz, director de ARCOmadrid; José María Álvarez del Manzano, presidente de la Junta Rectora de IFEMA; Alexandre Kuznetsov, embajador de Rusia; Luis Eduardo Cortés, presidente del Comité Ejecutivo de IFEMA, y Fermín Lucas, director general de IFEMA.

La sección SOLO PROJECTS: FOCOS LATINIAMERICA, que es una de las innovaciones de este año, está orientada a expandir el conocimiento sobre la creación artística emergente iberoamericana y en ella participan 14 galerías que han sido seleccionadas por la comisaria independiente, Luisa Duarte.

La sección OPENING, que ha sido coordinada por la comisaria independiente Maribel López, reúne a 15 galerías cuya sede está ubicada en algún país del continente y cuya antigüedad sea inferior a ochos años.

PAÍS INVITADO

Rusia es el país invitado en la edición de ARCOmadrid 2011. EL Comité Organizador pretende mostrar la actualidad artística de este país europeo, aprovechando la ocasión del Año Dual Rusia-España que tratará de acercar las culturas de ambos países en diferentes ámbitos, (arte, economía, ciencia, cultura…), a través de más de 300 proyectos e iniciativas de los dos países.

ARCOMADRID 2011. TREINTA ANIVERSARIO

ARCOmadrid celebra este año su treinta cumpleaños. Tres décadas a lo largo de las cuales, la Feria se ha convertido en un referente del mercado del arte español y uno de los eventos internacionales más importantes en torno al arte contemporáneo.

Su evolución, a lo largo de todos estos años, ha ido pareja a la de los objetivos con los que se celebró por primera vez, el 10 de febrero de 1982, en el Palacio de Exposiciones del Paseo de la Castellana en Madrid.

Manteniendo la esencia de ellos, dichos objetivos sólo han sufrido las modificaciones oportunas para adaptarlos al paso del tiempo y a las necesidades del mercado del arte, lo que ha permitido que siguieran siendo la guía de cada uno de los directores que ha tenido la Feria, (Juana de Aizpuru, Rosina Gómez Baeza, Lourdes Fernández y Carlos Urroz).

 

Carlos Urroz, actual director de ARCOMadrid.


Para celebrar sus 30 años de existencia, ARCOmadrid 2011 acoge una exposición, en el interior del recinto ferial, coordinada por Andrés Mengs y con la colaboración del Ministerio de Cultura que muestra un recorrido por todos estos años de su historia.

Juana de Aizpuzu, primera directora de ARCOmadrid.

Imágenes representativas de cada una de sus ediciones, obras adquiridas por diversas instituciones en ARCOmadrid y piezas adquiridas por museos y fundaciones son el centro neurálgico de esta exposición, que la organización ha reforzado con la planificación de diferentes actividades que van desde la realización de conferencias, foros de debates, emisiones audiovisuales…

Rosina Gómez Baeza, directora de ARCOmadrid durante dos décadas.

Lourdes Fernández, directora de ARCOmadrid durante cuatro años.

En definitiva, ARCOMADRID 2011 convertirá, durante cinco días, a la capital de España en el epicentro del mundo del arte contemporáneo convirtiéndola en una de las grandes capitales culturales del mundo.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“AIRES DA MIÑA TERRA”

Cartel de la exposición del artista gallego.


“Aires da miña terra”, poemario del poeta español Manuel Curros Enríquez, (1851-1908), puede servir perfectamente de carta de presentación de la exposición del pintor gallego Xosé Luis Otero que, bajo el mismo nombre, podeis ver el MUSEO KARURA ART CENTRE a partir del día 29 de enero.

La exposición “AIRES DA MIÑA TERRA”, de la misma forma que el poemario citado, presenta obras de carácter intimista realizadas en diferentes momentos y desde las experiencias vitales de este artista gallego que expone por primera vez en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC).

De todos los temas que Xosé Luis Otero ha plasmado en sus lienzos a lo largo de su vida, se han elegido dos: el agua y la tierra; elementos esenciales en la vida del ser humano y mucho más en la de cualquier persona que haya interiorizado el alma de Galicia, (España), para otra ocasión quedan otras temáticas con las que Xosé Luis  Otero juega a su antojo a través de sus pinceles y lienzo.

La exposición está ubicada en las salas Goya, van Gogh y Rubens del museo.

CRÍTICA

“Con la paciencia infinita de un taxidermista del aire, Xosé Luis Otero Becerra (Nocelo, Ourense, 1964) atrapa un instante concreto y lo convierte ya para siempre en un lugar.

Una extraña mezcla del asombro que despierta la rotunda belleza de las formas creadas y el desasosiego -sin duda también emocionante- de no ver en estos cuadros rastro alguno de figura humana, jalona la última obra de Otero, que finalmente supone un recorrido por una especie de atlas de la soledad donde uno termina por convertirse en impenitente descubridor de lugares únicos, sólo explorados hasta el momento por el talento creativo del artista pero que le resultan familiares. Salta a la vista que en esa tierra elegida e imaginada por Otero abundan los grises, los marrones y los ocres, que en la historia del arte nos han remitido siempre a la nostalgia y que en un gallego, donde la morriña supone el sexto sentido, remata siempre en una cierta melancolía.” (Álvaro Martínez, periodista).

TÉCNICA

Según Álvaro Martinez, “la técnica de Xosé Luis Otero nos remite, sin embargo, a un gesto pictórico vibrante, a veces casi violento, donde el vigoroso empastado de su trazo desemboca en una mezcla del impresionismo de Monet y el postimpresionismo de Van Gohg. Caza mayor, por tanto, en cuanto al uso de los pinceles. Los árboles, en el caso de Otero, sí dejan ver el bosque. Aunque no siempre. En algunas piezas, el concepto figurativo de su obra muta hasta una abstracción en las formas, que se van difuminando como si las hubiesen sometido a una ampliación brutal, como si acercáramos una rosa o una roca a dos milímetros del ojo.”

ANÁLISIS

La obra de Xosé Luis Otero es la obra de un paisajista de enorme talento, de un paisajista muy cuajado que nos invita a cierta reflexión sobre lo que le puede estar bullendo al artista en la cabeza.

Melancólico Otero sí, pero con brío en la respuesta pictórica y con una paleta que sólo parece vedada al rojo, color reservado a las pasiones, y no tanto a los paseantes que transiten por este atlas de la soledad que nos dibuja Xosé Luis Otero y donde al mirar esos cuadros aparece siempre un lugar donde a uno ya le parece haber estado.

COMENTARIO ARTÍSTICO

LA OBRA PAISAJÍSTICA DE XOSÉ LUIS OTERO

“Paisajes al óleo, impresionistas y realizados a espátula con movimientos rápidos de barrido, generalmente unidireccionales de caligrafía gestual, fresca y veloz. Cuadros muy matéricos, permitiendo que el libre movimiento de la espátula, deslizante y sin obstáculos, confiera a la obra gran sensación de movimiento, facilidad y agilidad de ejecución, casi suicida, como realizada en una sola sesión, fresca, febril y cargada de inspiración y magia desbordante (de cerca nada, de lejos todo).

Su visión de la naturaleza es abierta y ante todo plástica, sus paisajes de sencillo contenido temático y liberados de toda anécdota, son solamente pretextos para su particularísima aventura estética y plástica. El pintor pinta conceptos no cosas, primando la ejecución sobre el tema que solo le sirve de soporte.

Su pintura presenta un panorama cromático de armonías por analogía. Cualquier posible contraste solo actúa a modo de acento enriquecedor. Cada cuadro tiene su ambiente tonal responsable de su carácter atmosférico que el pintor cuida mucho de mantener en cada paisaje con una paleta de riquísimos colores neutralizados que dan como resultado bellísimas armonías e inquietantes efectos atmosféricos.

Su obra es serena en color, pero espectacular y mágica en su ejecución. El pintor sugiere el cuadro y el espectador lo completa en mutua complicidad. Pintar sin pintar o lo que es lo mismo hacer tanto con tan poco. Sus paisajes de cerca resultan sorprendentes y emocionantes, de lejos bellísimos y magníficos.” (Santiago Montes Areas, pintor).

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“DÍA DE SAN VALENTÍN”

2011

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), conmemora el “Día de San Valentín”, como ya es tradición, ofreciéndoos arte.

En esta ocasión se ha elegido un cuadro del pintor ruso Valentín Aleksandrovich Serov, (1865-1911), al que se quiere rendir un pequeño homenaje en el día de su onomástica, según el santoral católico.

"El rapto de Europa" del pintor ruso.

Nacido en San Petersburgo, (1865), y fallecido en Moscú, (1911), Valentín A. Serov es considerado el fundador del realismo ruso moderno.

Entre sus obras, cabe destacar “Niña de los melocotones”, “Pedro I”, “Octubre”, “El rapto de Europa”, y “La muchacha iluminada por el sol

Luz, color, armonía y sensación de saturación en la atmósfera son características predominantes de los retratos realizados por el artista en su primera época.

Desechando el estilo policromático y brillante a finales del siglo XIX, el pintor se decantó por el empleo de la escala de grises y tonos marrones y confirió a sus cuadros una hábil ejecución en la composición, utilizando un dibujo lineal y rítmico consistente.

Autorretrato del artista ruso, 1880.

A comienzos del siglo XX, el último periodo del artista, éste experimenta un cambio en su estilo artístico y abandona las características impresionistas pero mantiene en sus retratos la comprensión realista de la naturaleza.

De arraigadas creencias democráticas, Valentín A. Serov las pone de manifiesto durante la Revolución de 1905-1907, realizando figuras satíricas sobre los opresores y abandonando, como gesto de protesta, la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo.

Como complemento a lo anterior, un poema de Octavio Paz:

BAJO TU CLARA SOMBRA

Un cuerpo, un cuerpo solo, un sólo cuerpo
un cuerpo como día derramado
y noche devorada;
la luz de unos cabellos
que no apaciguan nunca
la sombra de mi tacto;
una garganta, un vientre que amanece
como el mar que se enciende
cuando toca la frente de la aurora;
unos tobillos, puentes del verano;
unos muslos nocturnos que se hunden
en la música verde de la tarde;
un pecho que se alza
y arrasa las espumas;
un cuello, sólo un cuello,
unas manos tan sólo,
unas palabras lentas que descienden
como arena caída en otra arena….

Esto que se me escapa,
agua y delicia obscura,
mar naciendo o muriendo;
estos labios y dientes,
estos ojos hambrientos,
me desnudan de mí
y su furiosa gracia me levanta
hasta los quietos cielos
donde vibra el instante;
la cima de los besos,
la plenitud del mundo y de sus formas.

 

 

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La Dirección del MKAC os recomienda la exposición xokostyle Babii, “Naturaleza Viva”, que en la actualidad se exhibe en la Galería Artnedia.

Cartel de la exposición.

 

En palabras de la propia artista, ésta es su finalidad: “Mi pretensión con esta exposición es, fundamentalmente abrir una ventana al mundo del arte y, desde esta plataforma de comunicación, difundir mi visión de las pequeñas cosas del universo, que a menudo pasan inadvertidas en un mundo aplastado por muros de cemento.”

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