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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Category Archives: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

HISTORICO CRONOLOGICO DE EXPOSICIONES

Logotipo del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Logotipo del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

AÑOS  2008-2014

1.- “Un Paseo por el Arte”, (exposición inaugural del Museo Karura Art Centre. Fondo del Museo – 17 de septiembre de 2008)

2 – “Halloven RL /SL” de Raimon Cazalet, (fotografía – 27 de Octubre de 2008)

3.-  Arte Fractal de Morrygan May, (pintura – 24 de noviembre de 2008)

4.-  Woman de Aleixandre Biedermann, (fotografía – 3 de diciembre de 2008)

5.- “60º Aniversario de la Declaración de los derechos Humanos”, (Fondo del Museo. Pintura – 10 de diciembre de 2008)

6.- De los Campos de Algodón al Despacho Oval , (Fondo del Museo. Fotografía – 5 de enero de 2009)

7.- “Provocation” de Punkia Sáenz, (diseño – 7 de febrero de 2009)

8.-Comic Girls de Noke Yuitza, (escultura y pintura – 9 de febrero de 2009)

9.- “Estaciones del Año”, (Fondo del Museo. Pintura, 28 de julio de 2009)

10.- Blanco, negro y color” de Xavier Magalhaes, (dibujo – 12 de abril de 2009)

11.- “Zodiac”, (Fondo del Museo. Grabado, 13 de marzo de 2009)

12.- “Betty Boop” (Fondo del Museo. Fotografía – 5 de febrero de 2009)

13.-  “Cai Denimore´Art” de Cai Denimore, (escultura – 12 de febrero de 2009)

14.-  “Arte Abstracto” de Marion Murni, (pintura – 28 de febrero de 2009)

15.- “NosotrAs También Existimos” (conmemoración del “Día Internacional de la Mujer”, (Fondo del Museo. Pintura – 8 de marzo de 2009)

16.-  “Zhora Manard: Fly and Feel” de Zhora Mayland, (escultura – 11 abril de 2009)

17.- “Arte y Esclavitud”, (Fondo del Museo. Pintura, 1 de Octubre de 2009)

18.- “Vacios” de Manuel Granados, (fotografía – 7 de enero de 2009)

19.- “Gleman Jun:.:Artist Italian:.” de Gleman Jun, (pintura – 5 de mayo de 2009)

20.–  “Imágenes” de Naky Neox, (pintura – 18 de mayo de 2009)

21.- “Interpretaciones”, (Fondo del Museo. Pintura, 17 de octubre de 2009)

22.-“Un Año con Arte”, (1 de septiembre de 2009)

23.-“Exhibition of the Permanent Collection” del “Davis Lisboa, (1 de septiembre de 2009)

24.- I CUMBRE “Compartiendo Arte”, (colectiva- pintura), (12 de octubre de 2009)

25.- “¡Caminemos! Derechos Humanos”, (Fondo del Museo. Fotografía, 10 de octubre de 2009)

26.- “Óleos” de Luciella Lutrova, (pintura, 14 de enero de 2010)

27. – “El lenguaje del Desnudo”, de Tanee Almendros, (fotografía, 21 de enero de 2010)

28.- “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD” (Fondo del Museo, 27 de enero de 2010)

29.- “Entre Aguas” de Mariu Attila, (fotografía, 2 de febrero de 2010)

30.- “Sinfonía de colores” de Enriqueta Hueso, (pintura, 8 de marzo de 2010)

31.- “Caprichos Alegóricos” Giuseppe Arcimboldo, (19 de marzo de 2010)

32.- “Espacios sin tiempo” de Mriose Lusch, (pintura, 30 de marzo de 2010)

33.- “Contrasta” de Mónica Seoane Lomba, (ilustración, 15 de marzo de 2010)

34.- “Una Década de Cundiamores” de Orlando Castro Ortiz, (pintura, 22 de marzo de 2010)

35.- “The Collision of Prim” de Aethan Blaisdale, (pintura, 23 de abril de 2010)

36.- “ConFusión” de Abso Zlatkis, (fotografía, 17 de mayo de 2010)

37.- “Museos para la Armonía Social” – “Museos del Mundo” (Fondo del Museo, 18 de mayo de 2010)

38.- “El Objetivo con Alma” de Lucrecia Savira, (fotografía, 20 de mayo de 2010)

39.- “Con Trazos Firmes” de Juan José Rodríguez, (pintura, 1 de junio de 2010)

40.- “Exposición Universal de Shanghai 2010”, (Fondo del Museo, 21 de junio de 2010)

41.- “Mediterráneo” de Joan Raset, (pintura, 1 de julio de 2010)

42.- “466/64. Robben Island” (Fondo del Museo, 1 de julio de 2010)

43.- “Viaje a Efeso” de Ramón Trigo, (pintura, 10 de julio de 2010)

44.- “Palabras en Blanco y Negro” de Herenvardo Waco, (fotografía, 12 de julio de 2010).

45.- “Abstractions and Expressions” de Aethan Blaisdale , (pintura, 30 de junio de 2010)

46- “En Busca del Arte”, (17 de septiembre de 2010)

47.- “Ingenio Latino”, (Fondo del Museo, 12 de octubre de 2010)

48.-“Capricho Español” de Lucrecia Savira, (3 de noviembre de 2010)

49.-  “El Valor del Arte”, (Fondo del Museo, 16 de noviembre de 2010)

50.- “Enigmas Infográficos” de Juan Aguilar, (26 de noviembre de 2010)

51.- “Espejismo Poético” de Jocgart Larsen, (29 de noviembre de 2010)

52.- “Poesías Sin Palabras” de Dogma Zeehetbauer, (9 de diciembre de 2010)

53.- “Sardegna, Terra di Mio Padre” de Walterino Bellic, (13 de Diciembre de 2010)

54.- “El Bosque de Fávilas” de Xavier Magalhaes. ( 21 de enero de 2011)

55.- “Las Cosas  de Alge” de Algezares Magic, (24 de enero de 2011)

56.- “Composiciones Geométricas” de Gabriel Sencial (29 de enero de 2011)

57.- “Aires da Miña Terra” de Xosé Luis Otero, (29 de enero de 2011)

58.- “Mujer Arte y Poder” , (Fondo del Museo. Pintura, exposición colectiva, 8 de marzo de 2011)

59.- “New York City, SL” de Melly Treves, (9 de mayo de 2011)

60.- “Espacios Limpios” de Antonio Arcones. (13 de mayo de 2011)

61.- “Día Internacional de los Museos. Museo y Memoria”, (Fondo del Museo, 18 de mayo de 2011)

62.- “Hombre, Pájaro y Felino” de Óscar Flores, (pintura, 20 de mayo de 2011)

63.- “Comanches de Sol”, (Fondo del Museo, 5 de junio de 2010)

64.- “Pintoras para la Historia”, (Fondo del Museo, junio de 2011)

65- “Lorca, Tú Puedes”, (campaña solidaria con Lorca, Murcia)

66.- “Girlographyc” de Abso Zlakis. (fotografía, 4 de julio de 2011)

67.- “Rosa Montero: Backstage”, (Fondo del Museo)

68.- The Aesthetic of Charge” de Davis Lisboa, (11 de Julio de 2011)

69.- “Códigos Visuales” de José Sevillano, (14 de julio de 2011)

70.- “Paisajes de Second Life” de Eithne7 Hunniton, (18 de julio de 2011)

71.- “Basura Limpia, (fotografía, exposición colectiva, 25 de Julio de 2011)

72.- “MKAC, Arte en Movimiento”, (1 de septiembre de 2011)

73.- II CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – Exposición  “Viajeros del Arte”, (pintura, exposición colectiva, 12 de octubre de 2011, “Día de la Hispanidad”)

74.- “NO SMOKING!!!”, (Fondo del Museo. Pintura, 20 de enero de 2012)

75.- “Metamorfosis Geoespacial” de Alberto D´Assumpaçao, (pintura, 23 de enero de 2012)

76.- “Pandora”de Morlita Quan, (montaje artístico, 16 de enero de 2012)

77.- “Incógnitas Reveladas” de Jean Philippe Moiseau, (pintura, 31 de enero de 2012)

78.- “Agrupaciones Cósmicas” de Sudhir Deshpande, (pintura, 20 de febrero de 2012)

79.- “Luna” de Siete Sands, (fotografía, 1 de marzo de 2012)

80.- “Antología – Bestiario” de Tanee Almendros, (fotografía y diseño, 8 de marzo de 2012)

81.- “El pasado del presente”, (Fondo del Museo. Pintura, 8 de marzo de 2012)

82.- “Atmósferas de Ayer y Hoy” de George Wirth, (pintura, 13 de abril de 2012)

83.- “Esquisses” de Dantelicia Ethaniel, (fotografía, 16 de abril de 2012)

84.- “Lienzos y Libros: una trayectoria común”, (Fondo del Museo. Pintura, 23 de abril de 2012, “Día Internacional del Libro”)

85.- “Pinturas de Haití” de Cassandro Leonidas, (pintura, 30 de abril de 2012)

86.- “Museo Thyssen-Bornemisza: 20 años de arte”, (pintura, 18 de mayo de 2012)

87.- “Impresiones” de Oceanida Resident, (fotografía, 4 de junio de 2012)

88.- “Arte desde el Alma” de Natalia Gromicho, (pintura, 4 de julio de 2012)

89.- “Erótica” de Vark Twine, (fotografía, 4 de julio de 2012)

90.- “Vermeer y sus mujeres”, (Fondo del Museo. Pintura, 4 de julio de 2012)

91.- MKAC – “Arte: Presente y Futuro”, (17 de septiembre de 2012. Antológica IV Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC)

92.- “La Fresh Gallery”, (exposición monográfica, 17 de septiembre de 2012)

93.- “Ethereal” de Morlita Quan, (montaje artístico, 23 septiembre de 2012)

94.- “Identidades Transitorias” de Yoel Díaz Gálvez, (pintura, 12 de noviembre de 2012)

95.- “Los Falsos/ Fake Art” de Noke Yuitza, (montaje artístico, 19 de noviembre de 2012)

96.- “Muñecas de Hielo” de Vicky Carpathia, (pintura, 6 de diciembre de 2012)

97.- “Día Internacional de los Derechos Humanos”, (exposición monográfica, 10 de diciembre de 2012)

98.- “My Voice Counts” de Morlita Quan y Cherry Manga, (montaje artístico, “Día Internacional de los Derechos Humanos, 10 de diciembre de 2012)

99.- “In Tinta Inchiostro” de Watts B. Resident, (pintura y dibujo, 15 de enero de 2013)

100.- “El Universo Canals” de Juan Canals Carreras, (pintura, 24 de enero de 2013)

101.- “Psycho” de Tanee Almendros, (fotografía, 8 de febrero de 2013)

102.- “Ward” de Oceanida Resident, (fotografía, 15 de febrero de 2013)

103.- “Simbología Telúrica” de Sonaira Piñero, (pintura, 28 de febrero de 2013)

104.- “Reflejos del Tiempo” de Leopoldo González Andrades, (pintura, 18 de marzo de 2013)

105.-“Donde Habita el Olvido” de Illargi Dover, (fotografía, 22 de abril de 2013)

106.- “Desahucios, el adiós a los sueños”, (fotografía, 15 de abril de 2013)

107.- “Hambre” de Oceanida Resident, (fotografía, 6 de mayo de 2013)

108.- “Día Internacional de los Museos”, (exposición monográfica “Museo Guggenheim de Bilbao, 18 de mayo de 2013)

109.- “Un Mundo Diferente”, (fotografía, 2 de junio de 2013)

110.- “Poemario Visual” de Eduardo Romaguera, (diseño y pintura, 4 de junio de 2013)

111.- “Peste” de Oceanida Resident, (fotografía, 10 de junio de 2013)

112.- “Juan Fernández. Naturalezas Muertas”, (Fondo del Museo. Pintura, 18 de junio de 2013)

113.- “Memoria Segmentada” de Natalia Velit, (pintura, 3 de julio de 2013)

114.- “Muerte” de Oceanida Resident, (fotografía, 1 de agosto de 2013)

115.- “Ilusiones Oníricas” de Didier Galindo, (pintura, 5 de agosto de 2013)

116.- “Binomios Vinaver” de Noelia Vinaver, (pintura, 11 de agosto de 2013)

117.- MKAC – “Cinco Años Juntos”, (17 de septiembre de 2013. Antológica V Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC)

118.- “Flamenco” de Aprendix Xaris, (21 de septiembre de 2013)

119.- III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC – Exposición “Laberintos del Arte”, (pintura, exposición colectiva, 12 de octubre de 2013, “Día de la Hispanidad”).

120.- “Mar Adentro” de ARLO, (fotografía, 1 de julio de 2014).

121.- “I Guerra Mundial. 1914-1918: Arte en las Trincheras”, (Fondo del Museo. Pintura, 9 de agosto de 2014).

122.- “El Sueño de la Razón produce Mounstros” de Yuniel Delgado del Castillo, (pintura, 19 agosto de 2014).

123.- “Back” de Oceanida Resident, (fotografía, 26 de agosto de 2014).

124.-MUSEO KARURA ART CENTRE, Pasión por el Arte”, (17 de septiembre de 2014. Antológica VI Aniversario del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC).

125.-“Metaverso Fractal” de Red Bikcin, (fotografía, 2 de octubre de 2014).

126.- “Genterío” de Dorian Daniel Agüero Castillo, (pintura, 7 de octubre de 2014).

127.- “El Greco. El Griego de Toledo” (pintura, exposición monográfica, 18 de octubre de 2014).

128.- “Apocalipsis” de Oceanida Resident, (fotografía, 4 de diciembre de 2014).

129.- “Abstractus” de Vark Twine, (pintura, 23 de marzo de 2015).

130.- “Toulouse-Lautrec: Montmartre era una fiesta”, (pintura y diseño, 26 de marzo de 2015).

131.- “Che Reta Paraguay”, de Beatriz Holden, (pintura, 29 de marzo de 2015).

132.- “Vestigios del Trópico” de Manuel Montilla, (pintura, 4 de junio de 2015).

133.- “Egon Schiele, las Diversas Caras de la sexualidad”, (pintura, exposición monográfica, 9 de junio de 2015).

134.- “Introspección Crítica” de Cristina Troufa, (pintura, 1 de julio de 2015).

135.- “Cielos” de Mario Cardelli, (fotografía, 7 julio de 2015).

136.- “Gustav Klimt, el Simbolismo Vienés”, (pintura, exposición monográfica, 9 de julio de 2015).

137.- “Los Extravagantes Mundos de Silvia”, de Red Bickin, (fotografía, 18 de julio de 2015).

138.- “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “Ismos””, (pintura, exposición monográfica, 24 de agosto de 2015).

139.- “A World of Legend” de Illargi Dover, (fotografía, 27 de agosto de 2015).

140.- “Las Galoperas” de Lilian Segovia, (pintura, 2 de septiembre de 2015).

141.- “Llamaré Antes de Entrar” de Alicia Larsson, (pintura, 20 de octubre de 2015).

142.- “Rubens, el Pintor Diplomático”, (pintura, exposición monográfica, 12 de octubre de 2015).

Última actualización: 18 de enero de 2016

MAS INFORMACION EN:

HISTORICO GENERAL, POR AÑOS, DE EXPOSICIONES EN EL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC).

https://mkac.wordpress.com/0201/12/30/6364

HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC) AÑO 2013 – 2014

https://mkac.wordpress.com/2014/12/21/historico-exposiciones-del-museo-karura-art-centre-mkac-ano-2013-2014

HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC): AÑO 2012 – 2013

https://mkac.wordpress.com/2013/10/02/5-historico-exposiciones-del-museo-karura-art-centre-mkac-ano-2012-2013
HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC): AÑO 2011 – 2012
https://mkac.wordpress.com/2013/09/27/4-historico-exposiciones-del-museo-karura-art-centre-mkac-ano-2011-2012

HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC): AÑO 2010 – 2011

https://mkac.wordpress.com/2013/09/18/historico-exposiciones-del-museo-karura-art-centre-mkac-ano-2010-2011

HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC): AÑO 2009 – 2010

https://mkac.wordpress.com/2013/09/12/historico-exposiciones-del-museo-karura-art-centre-mkac-ano-2009-2010

HISTORICO EXPOSICIONES DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC): AÑO 2008 – 2009

https://mkac.wordpress.com/2013/09/03/8301

Ultima actualización: 20 de julio de 2015.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“RUBENS, EL PINTOR DIPLOMATICO”

 

Cartel de la exhibición “Rubens, el pintor diplomático”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Cartel de la exhibición “Rubens, el pintor diplomático”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

BIOGRAFIA Y FORMACION ARTISTICA

Peter Paul Rubens nació, en el año 1577, en Siegen, (Wesfalia, Alemania), en una familia calvinista flamenca cuyos progenitores tuvieron que huir a Colonia, como consecuencia de la persecución que sufrieron por sus creencias religiosas, y en donde su padre, Jan Rubens, se convirtió en asesor del príncipe Guillermo de Orange, (1533-1584), conocido como “El taciturno”, y en amante de la mujer de este, Ana de Sajonia.

Tras ser descubierto su adulterio y ser encarcelado, Jan Rubens, una vez cumplida la pena, fue desterrado a Siegen en donde nace su hijo el que, años más tarde, se convertiría en uno de los grandes genios del Barroco y en uno de los artistas más importante de la Historia del Arte Universal.

 

Autorretrato.

Autorretrato.

 

Al fallecer su padre, Rubens y su madre, la cual se había convertido al catolicismo, se trasladaron a vivir a la ciudad de Amberes, (Bélgica), en la que el joven comenzó una esmerada educación de la que tuvo que prescindir, debido a cuestiones económicas, para ponerse a trabajar como paje de la condesa Margaretta de Ligue-Arenberg.

A pesar de tener que renunciar a su formación, el pintor nunca descuidó su educación artística y se puso a estudiar bajo las instrucciones del pintor barroco flamenco Tobías Verhaecht, (1561-1631), y, más tarde, con el pintor Adam Van Noort, (1561-1641), y con el pintor y dibujante holandés Otto Van Veen, (1556-1629).

En esta ciudad, Amberes, realiza sus primeras obras, entre las que destacan “Retrato de un joven sabio”, también denominada “El relojero”, y diversas copias de algunas obras de Alberto Durero y de Hans Holbein, entre otros pintores.

Viajes a Italia y España

En el año 1600, Rubens consigue su sueño de viajar a la ciudad de Venecia, (Italia), en donde conoce los trabajos de Veronese, Tintoretto, Tiziano, Caravaggio y Carraci, en donde se convierte en pintor de la corte de Vicencio Gonzaga, Duque de Mantua, gran amante del arte y mecenas circunstancias que contribuyeron a que el artista se trasladara a Roma para comprar objetos antiguos para el duque y realizar copias de afamados pintores.

Es en la Ciudad Eterna donde recibió el encargo del regente en los Países Bajos, Alberto de Austria, de realizar tres cuadros: “Santa Elena con Vera Cruz”, “La Coronación de Espinas” y “La Elevación de la Cruz”.

Tres años después viajó a España, en concreto a Madrid, en calidad de diplomático para entregar unos agasajos al rey Felipe III y al Duque de Lerma.

 

Isabella Brant, primera esposa de Rubens.

Isabella Brant, primera esposa de Rubens.

 

 

De este viaje se conserva, en el Museo del Prado, su obra “Retrato Ecuestre del Duque de Lerma” y varios dibujos suyos.

En 1604, Rubens regresa a Italia en donde ejecutó muchos retratos como, por ejemplo, el de la Marquesa Maria Serra Pallavicino, uno de los mejores que pintó, y el de la Marquesa Brigida Spinola-Doria.

En esta etapa de su vida empezó a realizar dibujos para “Palacios de Génova”, un libro sobre los palacios genoveses editado en el año 1622.

Después de pasar un tiempo en Génova, se dirigió de nuevo a Roma en donde le fue encargado, por el cardenal Jacopo Serra, un importante trabajo, el de la decoración del altar de la Iglesia de Santa María in Vallicela también conocida como Iglesia Nueva y para la que pintó tres óleos: “La Virgen y el Niño Adorados por Angeles”, “Santos Domitila, Nereo y Aquiles” y “Santos Gregorio Magno, Mauro y Papia”, unas obras de estilo flamenco que no dejaron indiferentes a quienes las contemplaron.

 

Hèlene Fourment, segunda esposa del pintor.

Hèlene Fourment, segunda esposa del pintor.

Su viaje a Italia, en donde tuvo ocasión de conocer la obra de Tiziano, determinó fuertemente su posterior creación artística y, sobre todo, la obra de Michelangelo Merisi da Caravaggio y Antonio Allegri da Correggio de los que asumió su luminosidad y naturalismo.

Regreso a Amberes, (1608-1621)

Cuando a Rubens le llega la noticia de que su madre está gravemente enferma, en el año 1608, regresó a Amberes en donde, y a pesar de su intención de regresar a Italia, se instaló de forma definitiva ante las buenas perspectivas profesionales que se le presentaron.

Importante nudo comercial, en esta ciudad se desarrollaron las conversaciones para alcanzar el fin de la Guerra de los Ochenta Años, en las que Rubens tuvo una esencial intervención, alcanzándose la firma del Tratado de Amberes y el consiguiente comienzo de la Tregua de los Doce Años, una tregua que propició una gran recuperación y desarrollo económico.

Por otra parte, el pintor empezó a convertirse en un prestigioso y solicitado artista, un momento en el que efectuó su obra “La Adoración de los Reyes Magos”, conservada en la actualidad en el Museo del Prado, y en la que reflejó una magnífica y perfecta alusión a la situación optima reinante en esos momentos.

 

Estatua de Peter Paul Rubens.

Estatua de Peter Paul Rubens.

 

 

Pintor de cámara del archiduque Alberto de Austria y de su esposa Isabel Clara Eugenia, gobernadores de Flandes en esa época, en 1609 se casa con Isabella Brant, hija de Jan Brant uno de los hombres más prósperos y acaudalados de Amberes, con la que más tarde se va a vivir a un edificio remodelado por el propio Rubens, la conocida desde entonces “Casa de Rubens”, aplicando sus conocimientos adquiridos en Génova e incorporando detalles de la arquitectura flamenca y del barroco italiano, una vivienda en la que destacan su excepcional librería y colección de arte y que utilizó para mostrar las obras que deseaba vender.

En esta fase de su vida creó su propio taller, en el que realizó las impresiones de sus dibujos, admitiendo en él tanto a ayudantes como aprendices como, por ejemplo, a Antón Van Dyck, (1599-1641), pintor que, con posterioridad, se convertiría en un gran retratista y encargaría la ejecución de algunas partes de sus obras.

Mientras, Rubens dedicó casi toda su actividad a la ilustración de su libro y controlar su obra, por entonces objeto de copia de otros pintores, editando sus grabados al tiempo que consolidaba prebendas y regalías sobre las correspondientes ediciones en los Países Bajos, España, Francia e Inglaterra.

El Rubens diplomático

Gracias a la esmerada educación recibida que le proporcionó, entre otras aptitudes, el conocimiento de varios idiomas como el español, el italiano, el alemán y el francés, Rubens las posibilidades personales y profesionales del artista flamenco se ampliaron considerablemente.

El pintor estuvo al servicio de Maria de Medici quien le encargó dos ciclos alegóricos sobre su vida y la de su marido, Enrique IV, con los que decorar su Palacio de Luxemburgo de París. Retratos de sus padres y veintiún óleos compusieron el ciclo dedicado a la reina de Francia, finalizado en el año 1624, mientras que el ciclo sobre su marido no llegó a materializarse nunca.

Entre los años 1627 y 1630, Rubens lleva a cabo una gran actividad como diplomático que le encamina a tratar de conseguir la paz entre las Provincias Unidas y los Países Bajos Españoles y fue nombrado noble, por el rey FelipeIV, y gentilhombre de cámara por la reina Isabel Clara Eugenia; años más tarde, Carlos I de Inglaterra le concede el título honorífico de “Maestro de las Artes”.

En su segundo viaje a España, para informar al rey español del transcurso de las negociaciones, conoce al artista sevillano Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, con el que estableció una gran amistad, y efectuó diferentes encargos para el monarca y otros nobles como, por ejemplo, para el primer marqués de Leganés, Diego Mesía y Guzmán, así como copias de la Colección Real de España.

Ultimos años

Rubens pasó sus últimos años de vida en Amberes en donde desarrolló sus inquietudes artísticas más personales pero, también, continuando con sus encargos en especial con los de el rey Carlos I de Inglaterra, decorando el techo de “la Banqueting House” del Palacio de Whitehall, (Londres, y para Felipe IV de España con la realización de pinturas alegóricas y de mitología clásica.

En 1630, tras enviudar de Isabella Brant, contrajo nuevas nupcias con Hèlene Fourment de la que ejecutó diversos retratos y a quien convierte en su musa y fuente de inspiración para pintar los voluptuosos personajes femeninos como sucedió con “Las Tres Gracias”, “El Juicio de Paris” y “La Fiesta de Venus”.

La compra de un castillo en el campo en el pueblo belga de Elewijt, influye en la producción artística de su última etapa de la vida de este pintor barroco quien, desde 1635 hasta su muerte a causa de la gota que padecía, se dedicó casi exclusivamente a retratar la naturaleza.

El artista fallece el 30 de mayo de 1640 y su cuerpo descansa en la Iglesia de Santiago de Amberes.

 

Casa natal del artista.

Casa natal del artista.

 

ESTILO

El estilo de uno de los pintores más significativos de la Historia del Arte, Peter Paul Rubens, se caracteriza por el desarrollo de una técnica en la que predominan, esencialmente, la sensualidad y voluptuosidad, el dinamismo, la vitalidad y la representación máxima de la alegría; el color, de inspiración veneciana, con en el que resalta el cuerpo femenino, pieles nacaradas, carnes flácidas y entradas en carnes pero sin perder su elegancia y apostura, proporción y delicadeza o la figura masculina con gran musculatura y en la que se puede apreciar la influencia de Miguel Angel.

De trazos y pinceladas rápidas y vigorosas, en sus composiciones predominan los tonos cálidos que no se yuxtaponen si no que se van introduciendo unos en otros al estilo veneciano, utilizando diversas gamas cromáticas.

En su estructura o composición hay que destacar las composiciones abiertas, de curvas, líneas diagonales y el movimiento de los cuerpos contorsionados, situados en diagonales enérgicas de suelos serpenteantes y ondulados y de árboles retorcidos en los paisajes “rubenianos”.

 

Casa Rubens, casa-taller del pintor en Amberes.

Casa Rubens, casa-taller del pintor en Amberes.

La luminosidad es para este artista un elemento imprescindible que define los contornos, matiza los colores, crea la atmósfera del cuadro en el que a Rubens le interesa más la representación del lujo y del boato que la psicología de los importantes retratados a los que retrata con todo lujo de joyas, abalorios y adornos.

Otra singularidad de su producción, es la utilización de grandes lienzos en los que las temáticas y escenas reflejadas adquieren un gran esplendor.

 

TEMATICA

Cuatro son los grandes temas que el artista a los largo de su trayectoria artística: los retratos, los paisajes, la mitología y los temas religiosos.

La faceta retratista de este artista flamenco esta determinada por la clientela que tuvo; reyes, reinas y grandes nobles fueron inmortalizados por él prestando una cuidada atención a la gran categoría social a la que pertenecían retratándolos hasta el más mínimo detalles y con ropajes, joyas y ornamentación propios de su nivel y teniendo celo en representarlos de tal forma de que sus clientes se sintieran adulados.

 

Firma de Rubens.

Firma de Rubens.

 

Los temas mitológicos fueron los que el pintor trabajó con más comodidad y libertad, en los que sigue cuidando la figura así como el movimiento mediante las líneas diagonales. Fueron realizadas en grandes lienzos en los que dominan las tonalidades cálidas, el detalle teatral de las escenas y la perspectiva en escorzo.

En sus obras de temática religiosa, Rubens se ajustó a los principios de la Contrarreforma, un requisito siempre de manifiesto en sus cuadros para prestigiosos clientes religiosos.

En relación a ellos, sus grandes composiciones de alegorías y de santos estaba en consonancia con las peticiones y encargos recibidos del clero y de las cofradías.

 

Iglesia Santiago de Amberes, en donde descansan los restos mortales del artista.

Iglesia Santiago de Amberes, en donde descansan los restos mortales del artista.

 

Sus colores preferidos son los amarillos anaranjados que, en ocasiones, se funden con el color rojo; los esquemas compositivos con diagonales, lo que confiere a sus óleos gran dinamismo y vitalidad que aúna con una luminosidad brillante para matizar los claroscuros del ambiente y el predominio de realismo con anatomías muy cuidadas.
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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

 

BIOGRAFIA

Amadeo Modigliani nace, en 1884, en Livorno, (Italia), en el seno de una familia de comerciantes judíos. Desde su infancia tuvo una delicada salud que le obligó a abandonar los estudios, circunstancia que encaminó su existencia hacia el mundo del arte y los estudios de pintura.

Su formación artística tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes, de Livorno, y en la Escuela Libre del Desnudo, de Florencia, así como en el instituto de las Artes de Venecia. En 1906, en plena fiebre vanguardista llega a París en donde contacta con los sectores artísticos, culturales y literarios; un hecho este que le lleva a ser influencia por artistas como Picasso, en cuyo cubismo y época azul encuentra, en principio, su fuente de inspiración, Cezanne o Toulouse-Lautrec.

Tras visitar brevemente a su ciudad natal, Livorno, retorna a la capital francesa y asienta su residencia en Montparnasse.

 

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

 

Amante de los excesos, su afición al alcohol hace mella en él convirtiéndolo en una persona violenta que contrasta con el individuo tímido cuando no se encuentra bajo los efectos de la bebida.

Gran aficionado, también, a las mujeres conoce, en 1917, a una estudiante, Jeaune Hébuterne, con la que estable una tormentosa relación, y con la que tiene una hija. Una relación que durará toda su vida, casándose con Jeaune poco antes de morir, a consecuencia de una meningitis tuberculosa, y quien tras el fallecimiento del artista se suicida arrojándose por una ventana.

 

PINTURA

La rapidez que Modigliani imprimía a la ejecución de sus obras y el hecho de jamás las retocase, causaron estupor y admiración en el círculo de artistas que frecuentaba en la capital parisina.

Clasificada su pintura, en muchas ocasiones, como expresionista la obra del italiano es difícil de encasillar y catalogar en un determinado estilo. Se podría afirmar que el pintor desarrolló su propio estilo a pesar de vivir en medio de un ambiente vanguardista.

Su primera exposición individual tiene lugar en la galería de Bertha Weill y es clausurada por la policía debido a los desnudos que mostraban sus obras.

En 1917, por sugerencia del marchante de arte Paul Guillaume, realiza sus famosos y cotizados, en la actualidad. Desnudos con los que, sin embargo, no tuvo gran éxito en el momento de realizarlos con fines mercantilistas.

 

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

 

Las peculiaridades de sus obras sobre la figura humana definen, asimismo, sus conocidos desnudos; una temática que trató desde que llegó a París si bien sus primeros cuadros sobre este tema se caracterizan por una concepción simbolista del cuerpo femenino como origen del pecado.

Son sus desnudos, realizados en épocas posteriores, los que rompen con este canon y pasan a representar la sensualidad femenina, estando caracterizados por sus líneas interrumpidas, los colores suaves y el alargamiento en sus formas.

 

DESNUDOS Y RETRATOS

En la producción artística del pintor destacan la realización, mayormente, de retratos y de desnudos y, a pesar de su estrecha relación con el postimpresionista Cézanne considerado el padre de la pintura moderna, tan sólo se le conocen tres paisajes.

Considerado uno de los grandes ejecutores del retrato del siglo XX, Modigliani nunca se consideró un retratista profesional a pesar de representar, esencialmente, rostros y figuras humanas de amigos, mujeres, hombres y niños pertenecientes a todos los estratos sociales.

 

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Entre los retratos más destacados de los realizados por el pintor, se encuentran los de Juan Gris, Max Jacob, Diego Rivera, los de su amante, Beatrice Hastings, los de Jeaune Hébuterne y los de Paul Guillaume caracterizados por la simplicidad de los contornos, las líneas suaves y sinuosas y los rostros ovalados y con cierto matiz de nostalgia.

 

ESCULTURA

La faceta de escultor de Modigliani se inicia, en 1909, tras conocer al escultor rumano Constantin Brancusi, (1876-1957), quien le animó a dedicarse a esta actividad que desempeño hasta 1914 tallando la piedra directamente.

Además de la influencia de la escultura egipcia y egipcia, mediante los “kuroi”, el artista se inspira en el arte primitivo y africano con especial influjo de las alargadas máscaras.

El estilo plástico, la esquematización y la solidez de las formas de sus esculturas se unieron a las característicos ojos, las diminutas bocas, los esbeltos cuellos y las narices retorcidas; un conjunto de peculiaridades que impidió clasificar sus obras en el cubismo y futurismo imperante en aquella época.

 

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

 

Sin embargo, la actividad escultórica de Modigliani cesa tras los inconvenientes que su ejecución le proporciona y a los requisitos necesarios que requería: el alto coste de los materiales, la necesidad de poseer un espacio amplio y adaptado a la talla de la piedra, a las críticas obtenidas y a los problemas que el polvo ocasionaba a sus pulmones.

En la actualidad tan sólo se conservan veinticinco estatuas realizadas por este artista, una de las cuales se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (estados Unidos).

 

ESTILO

Lo interesante de la obra de Amadeo Modigliani es que, a pesar de las influencias recibidas por los artistas que conoció en París, las influencias africanas o las arabescas; “Modi”, como le llamaban sus amigos, desarrolló un estilo propio impregnado de todas estas influencias recibidas a lo largo de su vida y de su formación.

Podemos ubicar su peculiar forma de ejecutar sus obras, a partir del año 1915, fecha en la que da paso a su particular estilo pictórico caracterizado por el alargamiento de la figura humana, una posible influencia del manierismo, y una delicada, elegante y estilizada geometrización de las formas como consecuencia del influjo que tuvo sobre él el arte africano a través de su amigo Brancusi.

En dicho estilo predominan la ausencia de contrates, la utilización de los colores suaves y cálidos y el alargamiento de las figuras que plasmó en sus obras.

Tras un periodo inicial marcados por los cánones artísticos y sociales establecidos, rompe con ellos para adquirir una madurez y un estilo propio inconfundible que no ha tenido seguidores.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“RUBENS, EL PINTOR DIPLOMATICO”

Cartel de la exhibición "Rubens, el pintor diplomático", en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Cartel de la exhibición “Rubens, el pintor diplomático”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

PRESENTACION

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), recibe en sus instalaciones la exposición monográfica “RUBENS, EL PINTOR DIPLOMATICO” sobre el artista barroco Peter Paul Rubens.

Treinta obras salidas de los pinceles del artista alemán, recorren su trayectoria artística y personal en un intento de acercar al gran pintor universal a todos aquellos que visiten la exhibición; además, permitirá vislumbrar la influencia del cargo de diplomático de la época, en su producción, mediante una surtida y heterogénea selección en la que se hayan representados sus paisajes, retratos, escenas de caza, cuadros mitológicos y religiosos.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 

BIOGRAFIA

Considerado uno de los más reconocidos y famosos artistas simbolistas austríacos, Gustav Klimt nace, en 1862, en una localidad cercana a Viena, Baumgartem, y heredó de su madre su inclinación hacia el arte.

Su vida en el seno de una familia humilde de inmigrantes en busca de trabajo no fue óbice para que, gracias a sus propios esfuerzos y méritos, recibiese una beca que le permitió ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. En ella recibe formación como decorador de interiores y como pintor al lado de maestros como Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina.

Tras recibir una instrucción academicista, comienza a trabajar con su hermano Ernest en lo que ambos denominaron “Compañía de Artistas”, un colectivo que pronto comenzó a recibir encargos y que finalizaría a la muerte de su hermano en 1892.

 

Fotografía de Gustav Klimt.

Fotografía de Gustav Klimt.

 

Ocho años más tarde, recibe la Orden de Oro al Mérito gracias a su trabajo en la realización de los murales de Burgtheater de la capital austriaca; también fue nombrado miembro honorario de las Universidades de Munich y de Viena.

En 1911, recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su obra “La vida y la muerte”.

Tras una vida tranquila, a lo largo de la cual intentó rehuir los círculos artísticos e intelectuales y en la que el trabajo centraba toda su atención, Klimt fallece en 1918 a consecuencia de una serie de enfermedades que padeció a lo largo de su vida.

 

INQUIETUDES

Miembro de la Asociación de Artista Vieneses, su interés por el arte vanguardista le lleva a abandonar dicha asociación y a fundar, junto a varios artistas, la Secesión Vienesa, en 1897, en la que fue presidente y su miembro más destacado.

Además de publicar una revista con información sobre las obras más importantes de sus miembros, entre los objetivos de Klimt estaba el promover y promocionar a los artistas jóvenes y mostrar obras realizadas en el extranjero, en las salas de exposiciones que le habían cedido las instituciones gubernamentales, independientemente del estilo que tuviera cada artista.

Klimt abandona la Secesión Vienesa en 1908 dejando una fuerte huella e impronta en el resto de sus miembros.

 

ESTILO

Los lienzos y murales, realizados por Klimt, llaman la atención por la capacidad del artista para imprimirles su propio sello personal, cargado, en ocasiones, de mucha ornamentación, por ser una declaración de principios de su autor y por suponer, para los críticos más conservadores, un gran reto.

Un hecho bastante representativo de todo ello, y que marca la obra del artista austriaco, lo supone la elaboración del Friso de Beethoven realizado, directamente, sobre la pared. Por otra parte, las críticas recibidas por sus tres obras, realizadas para el Aula Magna de la Universidad de Viena, en 1894, “La Filosofía”; “La Medicina” y “Jurisprudencia”, que muchos tacharon de radicales y pornográficas, llevaron a Klimt a tomar la decisión de no volver a admitir ningún tipo de encargo.

 

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Para el artista esta determinación supuso, en cierta medida, una liberación; una liberación que coincide, con lo que muchos críticos han considerado, como su etapa de madurez y en la que la experiencia vital del artista tiene una gran trascendencia.

En lo que a su idiosincrasia estilística se refiera, se pueden definir dos etapas muy marcadas: por una parte, aquella que posee un estilo academicista y que marcan los primeros momentos de su vida profesional y en la que la simbología y las alegorías convencionales son evidentes y, por otra parte y más tarde, la etapa del estilo ecléctico en la que abundan los motivos abstractos, el pan de oro, los elementos de decoración colorista y una gran carga sensual.

 

TEMATICA

A excepción de los paisajes que realiza en la década de 1890, el alma de la obra de este artista se centra en la figura y, sobre todo, en la figura femenina; sintiendo especial atención por la representación de mujeres dominantes y agresivas a las que retrata en poses altamente eróticas que el artista suaviza con pinceladas y recursos simbólicos, alegóricos o abstractos.

 

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

 

Cargadas de un gran realismo, ya sea en los retratos de las mujeres de la alta sociedad o de las “femmes fatales”, sus obras las ejecuta con una extrema decoración; en las que los fondos y vestidos predominan los dorados, los amarillos y los motivos inspirados en las alas de mariposa o en colas de pavo real.

 

KLIMT, MAS ALLA DE UNA EPOCA

A su muerte, Klimt deja gran cantidad de obras inacabadas una gran parte de las cuales fueron confiscadas por los nazis quienes, al comprobar que se convertían en botín de guerra, quemaron en el castillo en las que se habían guardo y almacenado.

 

Panorámica de la exposición "Gustav Klimt: el simbolismo Vienés", en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Panorámica de la exposición “Gustav Klimt: el simbolismo Vienés”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

Aunque el artista austriaco pudo vivir económicamente holgado gracias a su labor artística, hasta el punto de permitirse la satisfacción de no aceptar encargos y pintar lo que realmente le apetecía, sus obras alcanzaron décadas más tarde precios millonarios.

 

OBRAS EXHIBIDAS

“Pinar”, (1901).

“Pinar”, (1901).

 

 

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

 

 

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

 

 

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

 

 

“Campo de amapolas”, (1907).

“Campo de amapolas”, (1907).

 

 

“La iglesia en Cassone”, (1913).

“La iglesia en Cassone”, (1913).

 

 

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

 

 

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

 

 

“Después de la lluvia”, (1899).

“Después de la lluvia”, (1899).

 

 

“Castillo sobre el agua”, (1908).

“Castillo sobre el agua”, (1908).

 

 

"Adán y Eva", (1905-1906).

“Adán y Eva”, (1905-1906).

 

 

"Dànee", (1907-1908).

“Dànee”, (1907-1908).

 

 

“Girlfriends”, (1916-1917).

“Girlfriends”, (1916-1917).

 

 

"Pez de colores", (1901-1902).

“Pez de colores”, (1901-1902).

 

 

“La esperanza I”, (1903).

“La esperanza I”, (1903).

 

 

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

 

 

“Movimiento del agua”, (1898).

“Movimiento del agua”, (1898).

 

 

"La novia", (1917-1918).

“La novia”, (1917-1918).

 

 

"Serpientes de agua I", (1904-1907).

“Serpientes de agua I”, (1904-1907).

 

 

"Serpientes en el agua II", (1904-1907).

“Serpientes en el agua II”, (1904-1907).

 

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EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), "Amadeo Modigliani: Más Allá de los "ISMOS"".

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

PRESENTACION

Las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), ha planificado esta exposición sobre el pintor nacido en Livorno, (Italia), Amadeo Modigliani en 1884 y fallecido en París, (Francia), en el año 1920.

Es esta una muestra artística atraído por diversos movimientos artísticos como, por ejemplo, el expresionismo y el cubismo pero de los que, sin embargo, siempre ha huido, manteniéndose independiente en busca de su propio estilo; un estilo difícil de encuadrar en una tendencia precisa y determinada tal como puede comprobarse en “AMADEO MODIGLIANI, MAS ALLA DE LOS “ISMOS””.

El conjunto de su producción pictórica transmite y evidencia una vida marcada por los excesos, drogas y alcohol marcaron su existencia y su obra y aceleraron la debilidad física del artista italiano.

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

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EXPOSICION

“EGON SCHIELE: LAS DIFERENTES CARAS DE LA SEXUALIDAD”

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

BIOGRAFIA

Grabador y pintor, discípulo de Gustav Klimt, Egon Leo Adolf Schiele, nacido en Austria, está considerado como uno de los grandes representantes figurativos del siglo XX y, también, uno de los más relevantes participantes del llamado expresionismo de su país.

A la muerte de su padre, (1905), su tío Leopold Czihaczek se hace cargo de él y, tras algunas reticencias, le permite que desarrolle y se dedique a la actividad artística y estudie diseño y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Viena; una institución que abandona debido a sus estrictos planteamientos conservadores en la cual se impartía una formación academicista.

 

Fotografía de Egon Schiele.

Fotografía de Egon Schiele.

 

Siguiendo la estela de su maestro Gustav Klimt, quien le presentó e introdujo en la adinerada sociedad vienesa, ingresa en el grupo denominado Secesión Vienesa; un año más tarde, en 1908, realiza su primera exposición individual y meses más tarde participa en la II Exposición Internacional de la Kunstschau en la que coincidió con el escultor Georges Minne y con Ferdinand Hodler quienes, junto a su amigo Klimt, dejaron su huella en el estilo expresionista de Schiele.

Agobiado por la sociedad vienesa, en 1911 se marcha a vivir al pueblo de su progenitora, Krumau, acompañado por su amante de 17 años, Valerie Neuzil. Una estancia breve ya que, al ser criticado por los habitantes de esta población por vivir con su modelo y retratar muchachas jóvenes, decide abandonarla.

El escándalo, sin embargo, persigue al artista y es acusado y arrestado, en Neulengbach, por corrupción por pintar desnudos y exhibir a sus modelos en poses obscenas. Tras quedar en libertad, Schiele regresa a Viena en donde vuelve a participar de los ambientes artísticos y a recibir numerosos encargos.

En 1915, abandona a su amante Wally y realiza un matrimonio de conveniencia con Edith Harms, hija de una familia burguesa; sin embargo, tras la muerte de la primera realiza la pintura autobiográfica “La muchacha y la muerte”, en la que aparecen ambos ex amantes en actitud distante.

ESTILO Y CARACTERISTICAS DE SU OBRA

La pérdida de su padre cuando era un niño, su relación de amistad con Gustav Klimt y su relación con las mujeres son las experiencias más determinantes en la trayectoria artística de este pintor, una trayectoria tiznada de melancolía y tristeza inmortalizadas en sus marrones, ocres, lánguidos amarillos y los rojos y negros que inundan sus cuadros.

Al contrario que otros artistas, en la producción pictórica de Schiele adquieren gran relevancia la numerosa cantidad de autorretratos que realizó, alrededor de cien, lo que denota una continua búsqueda y estudio interior y psicológico de si mismo. Son autrorretratos que, si bien al principio eran de tendencia naturalista, a medida que pasaban los añosos ofrecían una interesante composición gestual cargada de patetismo y despersonalización.

La extrema delgadez de su figura, el retorcimiento de su fisonomía… más que representarlo en una actitud exuberante y pletórico, denotan, una vez más, su conflicto interno y cierto sufrimiento psicológico con el que él mismo se identificaba.

Experto dibujante, los trazos rápidos y claros que aparecen en sus obras ponen de manifiesto una marcada energía y agresividad, manifiestos acompañantes de unas temáticas por medio de las cuales realiza una feroz crítica de la hipocresía social y que dejan constancia, además, de sus tensas relaciones sociales y las referentes a organismos institucionales.

A pesar de las críticas recibidas y de los desencuentros que su estilo, y sobre todo, las poses atrevidas de sus modelos ocasionaron, Schiele nunca renunció, quizás como un acto de rebeldía, a pintar la figura humana y, en particular, la de jóvenes modelos en actitudes sensuales, más que eróticas o pornográficas.

Otra de las características más representativas de la obra de Schiele radica en el trazado de líneas bruscas, que por sí mismas constituyen interesantes matices ornamentales y que transmiten con profundidad la degeneración y degradación moral y física de las figuras ejecutadas.

RETRATOS Y DESNUDOS

En relación a los conocidos desnudos del artista austríaco, y que tantas críticas y problemas le aportaron, hay que destacar el reflejo de un carisma decidido e implacable, un empeño de no abandonar esta temática mediante la cual se puede apreciar la determinación del artista de manifestar el lado más sensual de sus jóvenes modelos reflejado en diferentes y diversas posturas provocativas.

Su preferencia por la representación del cuerpo es una de las improntas de la trayectoria artística del artista vienés que sintió debilidad por imprimir, a sus retratos, una gran carga psicológica, representar la sensualidad humana sirviéndose de los desnudos; patente todo ellos, especialmente, en sus mujeres de gran fortaleza y seguras de sí mismas

PAISAJE

Influenciado por la formación institucional recibida en su juventud, los primeros paisajes realizados por Schiele están marcados por claros signos clásicos y academicistas que abandonará en épocas posteriores para pintar una naturaleza más subjetiva, basada en sus propios recuerdos. Es esta una característica, que tanto se puede explicar a través de sus paisajes sobre la naturaleza como mediante sus paisajes de carácter urbano.

 

OBRAS EXHIBIDAS

"La muerte y el hambre", (1911).

“La muerte y el hambre”, (1911).

 

 

"Girasol II", (1909).

“Girasol II”, (1909).

 

 

"Sol de Otoño", (1912).

“Sol de Otoño”, (1912).

 

 

"Ciudad a orillas del rio Azul II", (1911).

“Ciudad a orillas del rio Azul II”, (1911).

 

 

"Arboles otoñales", (1911).

“Arboles otoñales”, (1911).

 

 

"Autorretrato con mano en la mejilla".

“Autorretrato con mano en la mejilla”.

 

 

"Muchacha sentada", (1910).

“Muchacha sentada”, (1910).

 

 

"Retrato de mujer", (1912).

“Retrato de mujer”, (1912).

 

 

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

 

 

"Mujer de pie en rojo", (1913).

“Mujer de pie en rojo”, (1913).

 

 

"Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg", (1908).

“Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg”, (1908).

 

 

"Paisaje en la Baja Austria", (1907).

“Paisaje en la Baja Austria”, (1907).

 

 

"Pueblo montañés", (1907).

“Pueblo montañés”, (1907).

 

 

"Puerto de Trieste", (1907).

“Puerto de Trieste”, (1907).

 

 

"Desnudo femenino acostado con las piernas separadas", (1914).

“Desnudo femenino acostado con las piernas separadas”, (1914).

 

 

"Dos muchachas abrazándose", (1915).

“Dos muchachas abrazándose”, (1915).

 

 

"Dos chicas acostadas entrelazadas", (1915).

“Dos chicas acostadas entrelazadas”, (1915).

 

 

"Chica semidesnuda", (1911).

“Chica semidesnuda”, (1911).

 

 

"Semidesnudo femenino de rodillas", (1917).

“Semidesnudo femenino de rodillas”, (1917).

 

 

"Muchacha de pelo negro", (1911).

“Muchacha de pelo negro”, (1911).

 

 

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