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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

8 de marzo de 2011

EXPOSICIÓN

“MUJER, ARTE Y PODER”


Zenaida Cajahuaringa Rivera, Dora Castro Castro, Mª Xesús Díaz, Victoria Fontana, Irene Gomis, Mar González Pérez, Isabel Gutiérrez, Carmen Holgueras, Luz Letts, Mª Jesús Leza, Elisabeth López Avilés, Mónica Lowenberg, Lilia Lujan, Imma Merino, Eulalia Peñafiel, Roxanna Rignola, María Rubio García, Raquel Sarangello, Lea Steirensis, Ingrid Tusell y Natalia Velit.

Están en la vanguardia del arte contemporáneo; luchan por hacer lo que más le gusta; pelean por conciliar vida familiar, social y artística; sus relojes viven convulsionados por los caóticos horarios que ellas les imponen; se olvidan del cansancio y del sueño con tal de llevar a cabo lo que más desean: crear arte.

21 nombres de mujer que representan a otros muchos; 21 nombres que respondieron afirmativamente a la invitación de participar en esta exposición colectiva; 21 nombres femeninos que la Dirección del MUSEO KARURA ARTE CENTRE, (MKAC), eligió para organizar la exposición del “Día Internacional de la Mujer” de este año 2011; 21 nombres que, como sus predecesoras de los siglos XVI al XX, tienen cada uno una llave y, también, la quieren utilizar para convertirse en precursoras de futuras generaciones de mujeres artistas; 21 nombres que, en definitiva y lo más importante, han hecho posible la celebración de esta conmemoración en el museo y la exposición “MUJER, ARTE Y PODER”.

Por estas cinco razones, gracias a cada una de vosotras; gracias, así mismo, a Yolanda Carbajales, autora del cartel de la exposición.

YOLANDA CARBAJALES

Yolanda Carbajales, autora del cartel de la exposición.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, Yolanda Carbajales, elige la especialidad de Diseño y Audiovisuales y es miembro de la Asociación Nacional de Artistas Plásticos Gallegos, ARGA, y del Colectivo GRAPH.

La trayectoria artística de esta grabadora ha transcurrido entre la realización de gran cantidad de exposiciones nacionales e internacionales, (Italia, Polonia, Grecia, Argentina, Portugal, Suecia, Inglaterra…), y su obra ha sido seleccionada para participar en diversos eventos artísticos.

Recibe, asimismo, premios nacionales e internacionales en el mundo del grabado y del diseño gráfico.

Su obra forma parte de colecciones privadas e institucionales, entre las que se puede destacar el Archivo de Grabadores Contemporáneos de la Biblioteca Nacional, (Madrid) y el Museo del Grabado Castle Paleólogos of the Acqui Terme (Italy).

Yolanda Carbajales es la autora del cartel de la exposición “MUJER, ARTE Y PODER”


ZENAIDA CAJAHUARINGA RIVERA

Zenaida Cajahuaringa.

La artista peruana nace en Huarochirí, en el año 1963, y estudia Diseño Publicitario en el Instituto Superior de Lima.

Cuando Zenaida Cajahuaringa se pone ante un lienzo blanco, van surgiendo poco a poco en él, y por medio de los pinceles de la pintora, sentimientos que nos hablan de su historia y de su cultura, de los mitos y leyendas que escuchó en su niñez.

COMENTARIO

“Mi vocación artística lo voy descubriendo por casualidad es cuando voy a visitar  de mis abuelos en lima, la casa tenia varios cuadros y retratos pitados, la conversación sola era de artistas, pintores y viajes, yo no comprendía solo escuchaba  pero sentía una gran admiración.

Mi pintura comienza desarrollarse por el dibujo, acuarelas y tintas yo tenia mucho temor al  principio. Luego se  caracterizo por la búsqueda y observación no comprendía las tendencias pero descubrí que las figuras me encantaban y me explicaron que se llamaba   pintura figurativa o realismo mágico  y los libros me ayudaron  ha entender y comprender que todo es un  gran proceso  y  finalmente  determine lo que quería ser.

Cuando estoy pintando dejo que mis sentimientos hablen de mi historia,  de mi cultura. Los mitos  y leyendas, todo ese mundo fantástico que imagine y escuche cuando era niña, las líneas  los  colores nacen, crecen y se pierden con la libertad que se siente y  que se puede imaginar en cada obra. Es como un gran juego donde dejo mis sueños.

En mi pintura también he integrado el paisaje, el arte popular, color infinito del cielo, el sol del medio día y el arenal rojo que me permite lograr la textura necesaria para determinar las expectativas la belleza y  el encanto de  las formas y sobre todo para seguir desarrollándome como artista. Mi pintura es la versión hablada de los cuentos, mitos y leyendas de un pueblo llamado Huarochirí  “dioses y hombres de Huarochirí” (Zenaida Cajahuaringa Rivera).

DORA CASTRO CASTRO

Dora Castro Castro.

Dora Castro Castro nace en San Juan, (Argentina) en el año 1942 y se licencia en Arquitectura. Esta artista plástica se caracteriza por, entre otras características, por que sus obras son auténticas traducciones visuales del mundo en el que vive.

Realiza exposiciones, individuales y colectivas, nacionales e internacionales.

COMENTARIO

“Dora Castro, en estas obras, no dibuja, pinta. No delínea, embadurna. En sus cuadros prima la vívida mancha, el contagioso gozo de untar. Al desparramo, fervorosamente, con pastosas pinceladas, Dora empieza por el origen primordial de la imagen. Comienza por la colorida nebulosa, por esa confusa matriz generadora del movimiento que irá configurando, como agitado aflujo del magma, por ignición cromática, la imagen que nace desde adentro.
Así surgen esos rostros incandescentes que nos miran en los ojos. Apenas modelados, están como suspendidos en algún estado intermedio, oscilando entre la pasta difusa y el perfilamiento lineal. Intensamente, expresivos, emergen del fondo y vibran procurando comunicarnos su extraña carga de subjetividad.
Dora Castro no pinta el mundo. Más bien se autorrepresenta a través de estas figuraciones plásticas. Traduce conmovedoramente, mediante signos visuales, su sensible intercambio entre percepción íntima y mundo externo, objeto de enigmáticas solicitaciones y rechazos que de modo sugestivo se inscriben en estos cuadros.” (Saúl Yurkievich)

Mª XÉSUS DÍAZ

María Xesús Díaz.

La pintora gallega, Mª Xesús Díaz, es de esas artistas caprichosas a la que le apasiona, como ella misma afirma, pintar sin obligaciones y, tan sólo, por placer y capricho; esta actitud ante la acción de pintar sea, posiblemente, el quid que le permite establecer esa enigmática complicidad entre las ideas y los pinceles, entre su estado de genialidad creativa y el diluir de los colores sobre los lienzos desnudos.

Su trayectoria artística se inicia en 1987 cuando exponiendo por primera vez sus obras al juicio del público, participa en la I Muestra de Unión FENOSA de Arte Contemporáneo y, a continuación, en el Ayuntamiento de A Coruña. Es el comienzo de un camino hacia la búsqueda de una formación pictórica y de un estilo propio que ocupan, uno tras otro, todos los minutos de su reloj.

Hasta la actualidad, Mª Xésus Díaz no ha cesado en su empeño de perfeccionar, día a día, su “saber hacer”, mostrando el resultado de su estudio en las diversas exposiciones y eventos artísticos, (Ferias, Mercados del Arte…), en los que participa su pasión por el color, su experiencia en técnica mixta y la variedad de su temática.

COMENTARIO

“María Xesus Díaz domina la compasión, su expresión densa del cromatismo, la facilidad en profundizar en la densidad de la materia, su dibujo calculado y libre, produce una pintura llena de armonía, que apuesta por una realidad inventada pero sugerente, en la que no hay cabida para la negatividad, siendo estética en lo sutil sensual, para luego volverse plenamente intimista” (Joan Lluís Montané, de la Asociación Internacional de Críticos del Arte)

VICTORIA FONTANA

Victoria Fontana.

Victoria Fontana, artista nacida en Rochester, Nueva York, en 1972, se inspira sobre todo en el ser humano y sus particularidades, contradicciones y paradojas. Disfruta investigando los límites del comportamiento humano con el fin de destapar la belleza de una realidad cruda y reconocible en cada uno de nosotros.

Invita a los espectadores a interactuar con su obra. Cuenta con ellos y les ofrece los contrastes como un modo de juego para que sean sus propias experiencias las que desvelen la obra que tienen delante. Les proporciona las claves para que ellos las ordenen a su manera. Quiere que los ojos de los espectadores sean como un caleidoscopio y sus obras las piezas que formen una visión cada vez distinta del mundo.

Vive y trabaja en Madrid, España.

IRENE GOMIS GALÁN

Irene Gomis Galán.

Galardonada en múltiples ocasiones, con premios de gran calado artístico nacionales e internacionales, Irene Gomis nace en la capital catalana, (Barcelona), aunque reside desde hace más de dos décadas en Madrid.

A través de sus obras, la artista consigue seducir con su pintura claramente figurativa y esquematizada a la vez que transmite una serenidad y equilibrio, con los que logra una pauta extremadamente personal, que caracteriza al conjunto de su obra.

Irene Gomis nos hace el regalo, a quienes contemplamos sus pinturas, de disfrutar de una variada temática, (retratos, bodegones…), pero en las que indiscutiblemente sobresalen los paisajes; nos obsequia con recursos artísticos diversos, (óleos, técnicas, mixtas, acrílicos…), con los que la artista se siente siempre cómoda experimentando y con los que nos hace llegar un maremagnum de brillos y luces por medio de los cuales describe el mundo real o el imaginario.

MAR GONZÁLEZ PÉREZ

Mar González Pérez.

Mar González, (1960), se forma como artista en diversos talleres como, por ejemplo, el Aula de Cultura de “Mercedes Arteaga”, el estudio de pintura de José Carlos Lozano o el del retratista Miguel Enjuto.

No conforme con utilizar óleos, lienzos y pinceles para su propio deleite, la pintora comparte, desde 2000, sus creaciones con el público a través de exposiciones individuales y colectivas en diferentes centros públicos, (Arte Plásticas, Jornadas de América…), y participa en diversos certámenes en los que sus obras, realizadas en óleo y pastel, reciben menciones y premios.

ISABEL GUTIÉRREZ

Isabel Gutiérrez.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, desde 1975 Isabel Gutiérrez no ha perdido a lo largo de todos estos años ni su pasión ni su ilusión por trabajar, investigar, estudiar y aprender de los grandes maestros.

Esta especie de insatisfacción cultural le motiva a perfeccionarse realizando constantemente cursos de dibujo, pintura, diseño por ordenador y otras disciplinas artísticas. No olvidemos, tampoco, que esta insaciabilidad es la que le lleva a desarrollar diversos proyectos creativos, culturales e intelectuales que van desde dar conferencias, ser autora de cuatro libros de texto, escribir artículos sobre Arte a realizar exposiciones nacionales e internacionales.

Fascinada por el proceso creativo de una obra artística, cada etapa de su trayectoria como pintora, (quizás también cada obra), la inicia con las energías, ilusiones y motivaciones que sólo los artistas más exigentes consigo mismos saben, y asumen, que suelen ir acompañadas por dudas, frustraciones y sin sabores.

COMENTARIO

“Mi proceso creativo no se diferencia, imagino, del de otros pintores: seleccionar la vista, realizar algún boceto, dar las primeras aguadas sobre la superficie del cuadro e ir paso a paso encontrando las armonías precisas entre formas y colores.

Lo que diferencia a cada artista es la “mirada interior”, un sentimiento capaz de recrear la realidad y convertirla en una manifestación visual comparable a la música o a la poesía.” (Isabel Gutiérrez)

CARMEN HOLGUERAS

Carmen Holgueras.

Holgueras nace en Segovia, (España), en 1938 y tras estudiar en el Colegio de las Dominicas, decide hacer la carrera de Bellas Artes. Comienza su formación artística en la Escuela de la Escuela de San Carlos, (Valencia), y más tarde se traslada a Madrid.

Imparte clases en los Agustinos y crea su propio estudio en el que, en la actualidad, enseña pintura; crea la Asociación Nacional de Artistas Carmen Holgueras y el “Certamen Carmen Holgueras” que ha cumplido ya su XIX edición.

La trayectoria pictórica de la artista posee varias etapas que van de la académica a la figurativa y a la simbólica; siendo su temática variada, (flores, bodegones, retrato…), y, como ella misma afirma “según mi estado de ánimo cuando empiezo a pintar”.

LUZ LETTS

Luz Letts.

Luz Letts obtuvo la Licenciatura en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, en donde también ha ejercido la docencia.

Ganadora, junto a otros premios internacionales, de la II Bienal de Lima del año 2000, esta pintora peruana es una de las artistas más reconocidas de su país y en su obra la figura humana y la recreación de un mundo onírico y particular son unas constantes claramente significativas.

La trayectoria artística de Luz Letts se ve avalada por exposiciones individuales y colectivas e internacionales y nacionales: Alemania, Bélgica, España, Francia, Argentina, Uruguay, Chile, Venezuela y un amplio etcétera que la configuran como una creadora de necesaria referencia, sobre todo, en el mundo hispano.

COMENTARIO

“La intención en las obras de Luz Letts es la de capturar el momento en que una situación cotidiana se vuelve emblemática. Es como tratar de atrapar el momento justo en que dos fuerzas se quedan quietas por un control ilusorio. Son instantes hieráticos, como monumentos, que pretenden entender alguna lógica en la concepción de nuestra existencia, de nuestra vida cotidiana.

El humor se manifiesta de una manera muy sutil y las situaciones inverosímiles se convierten en metáforas que nos permiten mirarnos desde diferentes perspectivas como voyeristas de nosotros mismos.

La técnica de su pintura crea un contrapeso provocador al contener el equilibrio entre lo cuerdo y lo irracional a través de un planteamiento tan sólido como es la pintura figurativa.” (Luz Letts)

MARÍA JESÚS LEZA

María Jesús Leza.

Nacida en San Sebastián (Guipúzcoa), la pintora María Jesús Leza estudia dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de esta ciudad. En Madrid, cursa estudios de escenografía y decoración en la Escuela de Artes Decorativas y, a la vez, asiste a los talleres libres de pintura del Círculo de Bellas Artes.

En 1975, la Fundación de Arte Castellblanch le concede una beca para estudiar escenografía en Roma y Florencia y, a su regreso, realiza una exposición en Madrid de dibujos y acuarelas de estas dos ciudades.

A partir de entonces, participa en exposiciones individuales y colectivas, alternando la pintura con la ilustración y la escenografía teatral.

Como ilustradora, (para libros de texto, cuentos infantiles, narrativa para adultos y poesía), ha trabajado para Editorial Everest, Ediciones La Gaviota, Editorial Santillana, Ediciones Bruño, Editorial Escuela Española, Ediciones Paulinas y Editorial Alpuerto.

ELIZABETH LÓPEZ AVILÉS

Elizabeth López Avilés.

Elizabeth López Avilés, nacida en Lima en 1986, es una artista formada en restauración y con estudios de dibujo durante años en talleres del MALI, destacando su dominio en este difícil campo del arte. Además, ha cursado pintura al óleo bajo la instrucción de la reconocida artista Charo Noriega.

El 2009 realizó su primera individual “Tranquila Inquietud” con texto de Charo Noriega. El 2010 la segunda: “Alegre Melancolía” Galería de Arte Le Carré d’Art, Alianza Francesa de La Molina.

Elizabeth ha formado parte de exposiciones artísticas en salas como: Galería Dédalo, Centro Cultural de San Marcos, Galería Municipal Pancho Fierro, etc. y en el extranjero en ciudades como Londres (Pintura Peruana Joven, Embajada del Perú en el Reino Unido) Stuttgart (Galería El Pacifico) Valencia (Galería de la Editorial Aranya).

Asimismo, este año, ha realizado trabajos de ilustración tales como la portada de la novela “Días de Niebla” de Ángel Portella. Rentería Editores, Lima, 2010; portada y los dibujos de interiores de la novela “El Retorno” de Samuel Bendayán. Para el año 2011 participará, entre otras exposiciones, en la muestra “Pintura Peruana Hoy” en el Museum of Americas, Miami, USA.

MÓNICA LÖWENBERG

Mónica Lowenberg.

Mónica Löwenberg nace en la Ciudad de México.   La Pintura ha sido motivo esencial en su vida, descubriendo también aptitudes por la música y las letras. Hizo estudios en Diseño Gráfico, profesión que le sirvió como puente para adentrarse en el mundo de los colores y las formas, encontrando un lenguaje pictórico muy característico de su obra, su tema figurativo atrapa y logra plasmar los sentimientos más sublimes que guarda el Ser Humano, expresando la bondad de su espíritu con calidez y sencillez.

El afán por superarse la convirtió en una artista autodidacta, confirma el gusto por los óleos, dando paso a un estilo contemporáneo único. Ha logrando abrir exposiciones en lugares diversos, como  espacios culturales, galerías, universidades y museos,  como en en España, Nueva York,  México DF y en la Ciudad donde radica Cuernavaca en Morelos México.

Su obra forma parte de galerías y colecciones privadas en México y en el extranjero.

LILIA LUJÁN

Lilia Luján.

Esta artista mexicana cuenta con una trayectoria que abarca diferentes disciplinas artísticas. Pintura, escultura alternativa, diseño de joyería, de textiles, marcos, lámparas…., arteobjeto, art-rip, son algunos de los mundos creativos en los que Lilia Luján se encuentra cómoda.

Esta artista multidisciplinar y autodidacta, ha participado en más de un centenar de exposiciones, colectivas e individuales, en toda América y en España. Sus obras se encuentran en fundaciones, colecciones públicas y privadas, diseminadas por todo el mundo: E.E.U.U., Rusia, Japón, México, Holanda, Dinamarca, Inglaterra…

Además de colaborar con distintas publicaciones culturales de pintura, arquitectura, diseño y decoración Lilia Luján ha publicado dos libros: “luja-Arte Contemporáneo”, (2007), y “Arte Huichol Mexicano y sus Mandalas”. (2008).

IMMA MERINO

Imma Merino.

La artista nace en el año 1964 en Mataró, (Barcelona), y desde muy niña siente inclinación hacia el dibujo y la pintura.

Tras estudiar durante dos años en el taller de Ayné, continúa su formación en el estudio de los hermanos Jordi y Jaume Arenas i Cavell. En los comienzos de su carrera artística explora en distintos campos, materiales, recursos y técnicas para decidirse, finalmente y casi en exclusividad, por el óleo sin olvidarse del dibujo y las tintas.

Aunque la temática de su producción artística es amplia y la artista considera que cualquier motivo puede ser pintado,  la temática que le hace sentir más cómoda es la de la figura humana.

COMENTARIO

“El trabajo de Imma Merino es un goce para los sentidos y lo es más si cabe cuando sin prisas vamos entrando en la obra, permitiendo que sea parte de nosotros o nosotros de ella, para poder disfrutar de lo que la artista ha plasmado y poder percibir las emociones que la artista ha sentido en el momento de su creación. Es entonces cuando uno se da cuenta que el espacio pintado por Imma Merino es sólo una excusa que la artista ha utilizado para darnos a conocer un mundo de sensaciones y de sentimientos, un espacio que nos dice que la obra no acaba en los límites del lienzo, sino que estos sólo indican lo que la artista ha tomado para darnos a entender que más allá del cuadro, sigue habiendo belleza, sigue habiendo vida, sigue habiendo sentimientos y emociones.” (Pere Ventura Juliá, pintor)

EULALIA PEÑAFIEL

Eulalia Peñafiel.

Eulalia Peñafiel es una de esas artistas que vive para la pintura desde todas sus perspectivas.

Receptora de varios premios por sus obras, lo que más llama la atención en toda ella es la selección de las técnicas que elige y las temáticas por las que se decanta la pintora, prestando especial atención a la de las flores.

Gran amante del arte, la artista va más allá de promocionar únicamente sus trabajos y dedica parte de su tiempo a otros pintores a través de la dirección de la Asociación Nacional de Artistas Españoles.

ROXANNA RIGNOLA

Roxanna Rignola.

“Les presento estas obras para que disfruten, para que creen, imagine, sueñen, investiguen, muy dentro de ustedes, y dejen libres miles de pensamientos que, quizá, jamás se dieron cuenta que dormitaban, silenciosos, en sus almas.



Aquí están mis más profundas y sinceras ideas que, un día, decidieron salir a la luz, tomar un pincel y ser libres. Manejé el color con audacia, intenté expresar los diversos sentimientos con distintas tonalidades, formas, planos, objetos e imágenes.

Olvidé las  reglas, las estructuras acartonadas, los límites, los modelos perspectivos de antaño para marcar una tendencia, una diferencia, un estilo. De esta forma subsisto en este mundo complejo, competitivo, ciertas veces, incomprensible. Repleto de injusticias, crueldad, vorágine agresiva y consumista.



Quisiera que cada uno de ustedes, mis espectadores, se emocione ante cualquier minúsculo detalle que se encuentra plasmado en el lienzo. Mi meta es hacerlos volar por un rato, hacerlos sentir libres por un momento, transportarlos a un nuevo espacio y a un nuevo tiempo.

Porque el arte es una forma de vida, los invito a comprobarlo y a sentirlo como lo siento yo.” (Roxanna Rignola)

MARÍA RUBIO GARCÍA

María Rubio García.

La artista siente auténtica pasión por el arte ya desde sus primeros años de vida; hecho que le lleva, pasado el tiempo, a compaginar sus estudios profesionales con las Bellas Artes.

En Palma de Mallorca, la ciudad en la que transcurrió su infancia y adolescencia, simultaneó sus estudios de Profesorado con clases artísticas en la Escuela de Artes y Oficios y con clases magistrales particulares con el fallecido pintor Juan Miralles.

Ya instalada en Madrid, en donde se doctoró en Ciencias Económicas y Empresariales, María Rubio continúa su formación en la Academia Atrium en donde tiene como profesor al pintor Eduardo Peña y, también, en la escuela realista madrileña.

La obra de esta artista obtiene menciones y premios y se encuentra repartida, por España y el extranjero, en distintas colecciones.

RAQUEL SARANGELLO

Raquel Sarangello.

De nacionalidad argentina, Raquel Sarangello, es una artista plástica que tiene diseminada sus obras por gran parte del mundo, (España, E.E.U.U., Francia, Italia…), despertando una gran aceptación entre quienes la contemplan y quienes se dedican, por profesión, a evaluarla y analizarla.

La pasión que la artista siente por el arte, lleva a R. Sarangello a experimentar con nuevos recursos, nuevas técnicas y propician su incursión en el mundo de los acrílicos, tintas, óleos, de la escultura o del diseño en resina cristal…, que consiguen empujar la creación de la artista en la creación de obras, técnicas y materiales muy diferentes a los utilizados como pintora convencional; todo ello, quizás, propiciado por la creencia de la artista en que la pintar es siempre un acto sublime.

COMENTARIO

“El arte es para mi el espacio en el que la libertad es absoluta; en el que me encuentro con la esencia de las cosas y de los sentimientos más profundos del ser,  donde el único tiempo es el que marca el pincel o donde el barro decide en que lugar quedarán los vidrios con los que construyo mis esculturas.

Crear o recrear la vida en un lienzo, en un papel o en una escultura es el acto más sublime por los que he transitado en esta vida.

Gracias a la vida porque me ha dado el don del arte.” (Raquel Sarangello)

LEA STEIRENSIS

Lea Steirensis.

Lea Steirensis nace en la ciudad de Buenos Aires, (Argentina), y se licencia en Trabajo Social aunque también realiza estudios de filosofía, psicología, antropología y de análisis literario.

La artista comienza a formarse como pintora en el taller de Basia Kuperman y continua dicha formación en los talleres de Juan Doffo, Félix González Mora, Carlos Fels y Ariel Milnarzewicz.

La temática de las obras de la artista se centra, mayormente, en la pobreza, el desamparo de la niñez, la marginalidad y la exclusión social; temas con los que trata de dar a conocer este tipo de problemáticas sociales.

INGRID TUSELL

Ingrid Tusell.

Ingrid Tusell, nace en Barcelona y, en la actualidad, vive en Teruel; artista de formación autodidacta, su mayor interés se centra en la magia de la feminidad y en indagar y buscar lo que se esconde dentro de cada mujer.

Con esta búsqueda, la pintora intenta individualizar esa esencia y apartarla de todo aquello superfluo y superficial que la rodea para transformarla en algo único, original y sublime.

I. Tusell consigue, mirando desde sus óleos al alma femenina, retratar con precisión y éxito, la médula intimista y primordial que anida en el fondo de cada mujer y en el de todas a la vez.

En la obra de esta artista predominan los ocres y los violetas; tonalidades que van surgiendo, en ocasiones, en contra de su intencionalidad inicial y que “bailan” sobre un lienzo apoyado en el bastidor que les sirve de soporte; apareciendo, de esta singular forma, lo que la propia pintona denomina “su arte emocional”.

COMENTARIO

“Creo que mi pintura es, sobretodo ,emocional y me permito pintar sobre la  mujer, ya que es lo que más conozco, y todos sus estados: maternidad, pareja, relación con el entorno, soledad, intimidad, siendo el universo de lo femenino mi màxima inspiración.

Pinto al óleo sobre bastidor y acostumbro a utilizar texturas, papel y veladuras de óxido para ampliar la experimentación con otros materiales en los que estoy interesada.” (Ingrid Tusell)

NATALIA VELIT

Natalia Velit.

Nacida en Lima, (Perú), y de nacionalidad peruana y francesa, Natalia Velit vive en la Ciudad de la Luz desde el año 1981.

No es un tópico, pues, afirmar que en la trayectoria profesional de esta artista plástica se unen las mejores expresiones de dos continentes. Pintora abstracto-matierista y figurativa la pintora mezcla, también, pasado y presente con un técnica que deriva en una materia sensible a través del color.

Para explicar la obra pictórica de la artista Natalia Velit, no hay una forma más idónea de hacerlo que dejando que sea ella misma la que describa.

COMENTARIO

“Mi pintura se define como materia y abstracción con ligeros ecos del arte barroco. Todo esto podría parecer una muestra excesiva de terminologías, pero tiene su explicación lógica.

Abstracto, porque mis cuadros no representan nada reconocible. Una imagen abstracta puede tener un “tema” en la medida en que puede evocar a una persona un objeto o determinadas emociones. Los colores juegan, entonces, un papel más o menos simbólico.

Materia, ya que corresponde a una búsqueda exhaustiva de texturas pictóricas y volumen. Intento obtener efectos de relieve heterogéneos  recurriendo a toda clase de técnicas y “bricolages” expresivos. Cada materia tiene su propia identidad y es así como se realiza, se da, habla, ve, escucha, reacciona.” (Natalia Velit)

La Dirección del MKAC quiere agradecer a todas ellas y Yolanda Carbajales, (autora del cartel de la exposición), la confianza que han depositado en ella.

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