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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Monthly Archives: febrero 2009

En esta ocasión fue el “Salón Alegret” del MKAC quien acogió la obra de la artista Marion Nurmi.

Una exposición llena de color, fuerza y dinamismo.

Cartel de la exposición.

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“Arte y esclavitud: de la “A” a la Z” es la exposición que el Museo Karura Art Centre instala de forma temporal, con parte de su fondo artístico, en Domus Aurea y que ha sido posible gracias a la colaboración entre sus respectivos dueños.

Cartel de la exposición.

“Arte y esclavitud: de la “A” a la Z” es un paseo por la Historia del Arte y la interpretación que muchos artistas han realizado sobre el tema de la esclavitud.

Entre las 28 obras, una por cada letra del abecedario español, que forman la exposición se encuentran las siguientes obras de arte:

“Subasta de esclavos” de Jean-León Gèrôme.

“Escenas de la Masacre de Quíos” de Fedinand-Victor Eugene Delacroix.

“Odalisca con la esclava” de Jean-Auguste Dominique Ingres.

“Uno o dos elefantes llevan al adefesio seguido de sus mozos y esclavos" de Pere Viver Aymerich.

“L´Achat d´una esclave á Constantinopla” de Stanilas von Chlebowski.

“El examen de las esclavas” de Ettore Cercone.

“Olimpia” de Eduart Manet.

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El escultor Cai Denimore apuesta por el Museo Karura Art Centre al exponer en la “Sala Velázquez” y en los jardines del mismo su obra escultórica.

Cartel de la exposición

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Cai Demimore trabaja principalmente las técnicas del raku y métodos alternativos de baja cocción y humo. Su obra bebe del arte japonés y fusiona influencias de los indígenas americanos, y colabora en comunidades locales, proyectos de educación, causas benéficas.

Cartel de la exposición.

La obra de este artista ha sido publicada y llevada a talleres artísticos que sirven como enseñanza a los jóvenes aspirantes a artistas.

Lo asistentes a la inauguración, viendo las obras expuestas en los jardines del MKAC.

En SL, Cai Denimore experimenta con la luz, el movimiento, la textura de superficie, y el sonido. Muchas de las texturas de su trabajo RL se han importado a SL y aparecen en sus obras.

Contemplando las obras que del artista en la Sala Velázquez del museo.

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La pasión de Mariom Murni es la pintura y como la propia artista comenta “la belleza, los sentimientos estéticos y no sé si también un estado de animo, pero lo que más me anima a crear son las sensaciones que despiertan en las personas que los ven.

Cartel de la exposición.

Sus obras son como pequeños apuntes históricos y de momentos puntuales que la artista nos hace llegar a través de unas raíces en el pop-art, en el futurismo italiano o en lo abstracto.

Panorámica de la exposición "Arte Abstracto".

La fuerza del color que Mariom Murni utiliza para impactarnos, hace que quienes contemplen sus obras casi se olviden de las formas y se dejen seducir y llevar a emociones y sensaciones propias y ya olvidadas en el recuerdo de cada uno.

Visitando la exposición, ubicada en el Salón Alegret del museo, de Mariom Murni.

En definitiva es el propio color el que se manifiesta por sí mismo y lo que nos transmite el mensaje que la artista quiere dejar en los visitantes a su exposición.

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La exposición “Comic Girl”, ubicada en la Sala Goya, Sala Rousseau y Sala Coubert del MKAC, es cuanto menos curiosa ya no sólo por el efecto que produce en quienes la observa o por el magnífico y original montaje, sino también por el recorrido que nos obliga a hacer: desde los aspectos individuales de las mujeres hasta una introspección del “todo” de ellas para retornar a sus individualidades.

Cartel de la exposición, realizado por Noke Yuitza.

Porque “Comic Girl” nos presenta a la mujer fragmentada en sus peculiaridades femeninas: la duda, el amor, el enamoramiento, el ensueño, la ira, la inquietud, el deseo, la fragilidad, la reflexión… y multitud de aspectos. A los espectadores les queda la tarea de reconstruirla desde sus propias experiencias y, al mismo tiempo, desde la perspectiva de la experiencia de la artista.

"Comic Girl" en la Sala Goya del museo.

Las fotografías no son más que un vehículo que Noke Yuitza nos ofrece para esa reconstrucción tal vital para cada uno de nosotros y, más concretamente, para cada mujer que las contempla.

Vista de la Sala Rousseau.

Los contrastes de los tonos empleados, los claroscuros, la intensidad de los azules y la combinación de blancos y negros nos lleva a una sensación de misterio e intriga que provoca en nosotros el deseo de escudriñar cada fotografía intentando absorber de ellas las respuestas que, desde la quietud de las formas, esas mujeres fragmentadas nos formulan.

Panóramica de la Sala Coubert.

Con esta exposición, Noke Yuitza comienza su andadura artística en el mundo virtual; una andadura que, viendo esta muestra de arte, se vaticina larga y con un paso firme, tanto en términos creativos como vitales.

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A través de esta exposición, Noke Yuitza, nos invita a reflexionar sobre cómo viven y sienten el amor las mujeres. Deseo, pasión, ruptura, dolor, desgarro… esos y otros son los sentimientos que la artista ha querido mostrar y a la vez hacernos sentir a través de su obra.

“Comic Girl” es la primera exposición de la artista en Second Life a partir de ella Noke Yuitza empieza a despuntar con fuerza convirtiéndose en una artista referencial en SL.

La Dirección del Museo Karura Art Centre no se equivocó cuando quiso darle su primera oportunidad a Noke Yuitza.

Cartel de la exposición.

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Una falda ligeramente subida bajo la cual asoma un muslo de características perfectas; una ingenua y, a la vez, pícara sonrisa; una pose cándidamente provocativa; un bello rostro con unos ojos en los que descansan una mirada traviesa…

Así eran la chicas “pin-ups” de hace unas décadas y de las cuales una pequeña muestra llegan al Museo Karura Art Centre de la mano de Puknia Saenz y su exposición “PROVOCACIÓN” y del fondo del museo.

Cartel de la exposición.

¿Pero cual es su historia? ¿Por qué y para qué nacieron las chicas “pin-up”? ¿A qué se dedicaban exactamente? Y… ¿cuál es la imagen de “chica pink up” más representativa que ha traspasado la barrera de lo humano para ser inmortalizada en un dibujo que aún hoy en día sigue siendo un icono?

La expresión “pin-up” hace referencia a las fotografías o dibujos, acuarelas, cuadros, y otros tipos de ilustraciones, de chicas bonitas en actitudes sugerentes que se hicieron populares en los EE.UU. en los años 40 y que figuraban, esencialmente, en las portadas de las revistas y de los calendarios, que más tarde llegaron a influir en terrenos como el cine, la publicidad, los cómics o la televisión.

Imagen de la exposición.

Esta expresión se fue popularizando y ha llegado hasta nuestros días aplicándose a modelos de Alta Costura o Prêt-à-porter, aunque es poco frecuente que una chica “pin-up” se dedique solamente a eso.

Las “pin-ups” siguen un patrón: son mujeres bonitas, sensuales, normalmente pilladas en situaciones “comprometidas” y que destilan erotismo e ingenuidad por todos sus poros. No hace falta que estén desnudas, (de hecho casi nunca lo están). Su encanto reside en sus poses y sus miradas, en esa falda que enseña lo justo o en esa lencería que sugiere más que enseña. Recatadas al principio, descocadas al final, las chicas “pin-ups” revolucionaron el concepto de belleza y dieron cuerpo a un nuevo icono de la feminidad: la “cheesecake”, (pastel de queso), o “girl-next-door”.

Puknia Sainz ha reflejado, con gran acierto,  estas características  en su exposición “PROVOCATION”, que se ubica en la Sala Van Gogh del Museo Karura Art Centre.

Vista de la exposición "PROVOCACIÓN".

Sin embargo, la originalidad de Puknia Saenz radica en transportar a nuestros días, y al siglo XXI, estos cánones que marcaban, inexorablemente, a las chicas “pin up” de antaño. Puknia Saez sólo ha necesitado añadir a la imagen de las chicas una pincelada más actual, un monopatín, una moto, unos modernos patines… para hacernos viajar en una máquina del tiempo.

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La expresión “pin-up” hace referencia a las fotografías o dibujos, acuarelas, cuadros, y otros tipos de ilustraciones, de chicas bonitas en actitudes sugerentes que se hicieron populares en los EE.UU. en los años 40 y que figuraban, esencialmente, en las portadas de las revistas y de los calendarios, que más tarde llegaron a influir en terrenos como el cine, la publicidad, los cómics o la televisión.

Esta expresión se fue popularizando y ha llegado hasta nuestros días aplicándose a modelos de Alta Costura o Prêt-à-porter, aunque es poco frecuente que una chica “pin-up” se dedique solamente a eso.

Las “pin-ups” siguen un patrón: son mujeres bonitas, sensuales, normalmente pilladas en situaciones “comprometidas” y que destilan erotismo e ingenuidad por todos sus poros. No hace falta que estén desnudas, (de hecho casi nunca lo están). Su encanto reside en sus poses y sus miradas, en esa falda que enseña lo justo o en esa lencería que sugiere más que enseña. Recatadas al principio, descocadas al final, las chicas “pin-ups” revolucionaron el concepto de belleza y dieron cuerpo a un nuevo icono de la feminidad: la “cheesecake”, (pastel de queso), o “girl-next-door”.

La Dirección del Museo Karura Art Centre, ha querido rendir un pequeño homenaje a esta “chica pin up” tan especial y ha aprovechado la exposición “PROVOCATION”, de Punkina Saez, para hacerlo.

De las “pin-up” imaginarias, probablemente la más conocida es el dibujo animado Betty Boop, un personaje creado por Max Fleischer, y de donde arranca este tipo de estética.

Cartel de la exposición.

Fue el primer dibujo animado de una chica “flapper” y que debido a su abierta sexualidad tuvo mucho éxito en el cine. Su “nacimiento”, el 9 de agosto de 1930, fue obra de Grim Natwick, un veterano animador de los estudios Walt Disney que modeló su personaje en base a la figura de la cantante y actriz Helen Kane.

En 1932 es rediseñada por su creador que le adjudicó sus famosos pendientes de aro, su inconfundible corte de pelo y la personalidad de una chica “flapper” movida más por los dictámenes de su corazón que por su inteligencia.

Betty Boop es famosa por ser el primer personaje de dibujos animados que representa completamente una mujer sexual en contraposición a otros dibujos que, como Minnie Mouse, a pesar de mostrar su ropa interior no tenían forma completa de mujer.

Las sensibilidades adultas de Betty Boop la hicieron triunfar y ocasionaron un gran negocio de merchandising llegando a ganar aún más fama, en los años 1960, como uno de los símbolos del movimiento contracultural de esos años.

Vista de la exposición.

Así pues la exposición “Chicas pin up”, ubicada en la Sala Rubens del museo, ha pretendido poner una pincelada simpática utilizando a Betty Boop en doce poses insinuantes de chica coqueta y sensual.

Compensando, en la misma exposición, aparecen cuatro imágenes de chicas “pin up” de “carne y hueso” que tratan de aglutinar las funciones para las que en los años 50 se creía estaban capacitadas las mujeres, sin que perdieran su sensualidad y picardía: la chica “pin up” dedicada a las faenas domésticas, la chica “pin up” social y elegantemente vestida de fiesta, la chica “pin up” secretaria-seductora y la chica “pin up”deportista y emancipada pero… tonta y ridícula.

Panorámica de la exposición.

Resumiendo, que por muy seductoras, muy insinuantes, muy coquetas que fueran las chicas “pin up”, de hace más de medio siglo, no se escapaban de los “sambenitos” que acompañaban a todas las mujeres de la época. ¡Ni siquiera escapaba de ese cliché la propia Betty Boop!

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Sensuales, sugerentes, insinuantes… así nos muestra Punkia Saenz a las chicas “pin up” del siglo XX, a semejanza de las chicas “pin up” de los años 50.

Esta exposición se completa con una realizada con los fondos del MKAC que, aprovechando la ocasión, quiso rendir un pequeño homenaje a la “chica pin up” por excelencia: Betty Boop.

Cartel de la exposición.

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