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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Monthly Archives: junio 2010

El escultor y pintor, Aethan Blaisdale expone, en el MUSEO KARURA ART CENTRE,  parte de su obra pictórica. Bajo el título “ABSTRACTIONS AND EXPRESSIONS” el artista mostrará sus obras en los jardines del MKAC a partir del día 30 de junio, miércoles.

Cartel de la exposición del artista Aethan Blaisdale.

La inauguración de la exposición tendrá lugar a las 23, 30 h. de ese mismo día.

Aethan Blaisdale comienza su carrera artística en la fotografía y en la música.

Intrigado por el estilo y diseño de la Bauhaus, empieza a fijarse en las posibilidades artísticas que ofrece Second Life y comienza a construir y a indagar a través de las herramientas que ofrece este programa.

Aethan Blaisdale recibiendo, en la entrada del MKAC, a los asistentes a la inauguración.

El artista, aunque se siente atraido por esa faceta, sigue indagando en sobre las diferentes opciones culturales y artísticas que le ofrece las nuevas tecnologías virtuales.

Imagen del comienzo de la inauguración.

Aethan Blaisdale ha expuesto en diversas galerías de SL y participado en varios concursos de escultura y de otros medios de comunicación y artísticos.

Fotografía del recorrido por la exposición junto al artista Aethan Blaisdale.

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El músico Seba Sideways actúa en el MUSEO KARURA ART CENTRE el jueves, día 24 de junio a las 22,00 h., con motivo de la clausura de la exposición del fotógrafo Abso Zlatkis: “ConFusión”.

El músico nos deleita durante la primera hora con una sesión DJ y en la segunda con su propia actuación.

Fotografía de Seba Sideways comenzando su actuación.

Imagen de uno de los momentos del concierto.

Imagen del concierto.

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“TRANSIT” del pintor Ramón Trigo es la nueva sugerencia artística que os hace la Dirección del MKAC.

Ramón Trigo inaugura el día 18, viernes, esta exposición que se clausura el día 22 de julio, en la Galería JAMETE ubicada a pocos metros de la Plaza Mayor, Ayuntamiento y Catedral de la ciudad por lo que acercarse a la inauguración puede ser una buena forma de comenzar el fin de semana…

Cartel de la exposición.

Trigo es un tipo curioso en todos los sentidos de la palabra. Aunque suene a obviedad, es curioso porque muestra una curiosidad sin límites ante todo lo explorable, y eso aunque no lo hace único, si lo hace imprescindible. Sólo alguien en su insano juicio se encerraría durante cuatro meses en una antigua conservera abandonada y en ruinas, bajo unas condiciones de trabajo infrahumanas. La única razón sólo puede ser que el lugar es algo más que una excusa. Cuando la arquitectura de un espacio de trabajo se convierte en necesidad, ya forma parte intrínseca de la acción y ese es el caso indisoluble de la colección “Transit” ”. (Eduardo Berea Cruz, arquitecto).

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Xavier Magahlaes cruza “el charco” para irse al otra lado del Atlántico para inaugurar dos exposiciones.

Cartel de la exposición.

La primera de ellas tendrá lugar en Buenos Aires, (Argentina), en la prestigiosa Universidad Nacional de Lanús el miércoles, día 16, a las 13,00 h.

No todos podremos acompañarle en esos momentos, pero quienes esteis cerca o en la misma Buenos Aires podeis pasaros por esta Universidad y acompañar a Magahlaes en esos momentos!

No es la primera vez que el pintor cruza el océano y, la Dirección del MKAC está convencida que tampoco será la última.

La exposición, “Los Desheredados”, se realiza en las instalaciones de la Universidad Nacional de Lanús de Buenos Aires, (Argentina), que dirige la Dra. Ana Jaramillo, actual rectora, y es coordinada por la Dirección de Relaciones Institucionales y Culturales, (D.R.I.C.), regida por la Licenciada Cristina Enghel, con la curaduría del maestro Rubén Borré actual asesor de Artes Visuales de la Universidad.

La exposición consta de 50 trabajos, de los 180 trabajos realizados X. Magalhaes, que se ofrecen agrupadas en ocho bloques distintos y de una obra de grandes dimensiones que se realizará ex profeso en la ciudad de Buenos Aires, con motivo de la muestra.

Magalhaes emplea, en la ejecución de sus obras, una técnica mixta donde materia, papel y paño forman collages que configuran un todo dentro de una armonía donde el pintor no pierde su identidad en la fuerza de sus colores y de su línea tal y como ha definido siempre su trayectoria artística.

La muestra es un homenaje a “los desheredados”, pueblos y culturas autóctonos, cuyos retazos aún se pueden ver en cuevas, tocas y abrigos, y sobre los cuales hemos formado la arquitectura de posteriores movimientos artísticos, olvidándonos de la frescura de su síntesis.

La muestra será inaugurada el día 15 de junio del presente año, en la Sala Hernández Arregui, la más importante del complejo universitario.

Dicha Universidad cuenta, entre otras instalaciones, con tres grandes espacios dedicados al arte en todas sus manifestaciones artísticas.

Xavier Magahlaes expuso en el MKAC en el mes de abril de 2009 y fue el autor del cartel de la exposición “COMPARTIENDO ARTE” con la que se organizó la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE”. (Ver EXPOSICIONES ARTISTAS REALES).

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Un día como hoy, 6 de junio, de 1599 nace en Sevilla uno de los principales pintores barrocos españoles y universales: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.

Dado que una de las salas del MKAC lleva su nombre, la dirección del mismo ofrece, durante toda esta semana, a sus visitantes una obra, con su ficha técnica, del artista que podeis recoger en la Sala Velázquez.

"Las Hilanderas" de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.

“La Fábula de Aracné” , “El Sueño de Aracné” o, como es más conocida esta obra del pintor, “Las Hilanderas” fue realizado en el año 1657, en la etapa de mayor esplendor del artista.

En la actualidad es propiedad del Museo del Prado.

BIOGRAFÍA

Velázquez  nace en Sevilla, 6 de junio de 1599), de padre portugués y madre sevillana pertenecientes a una familia de hidalgos. Estudia en el taller de F. de Herrera el Viejo y, más tarde, en el de Antonio Pacheco, que ejerce sobre Velázquez una influencia pictórica y personal, hasta que a los dieciocho años se instala como pintor independiente.

Pintor de corte empieza a realizar encargos religiosos y costumbristas, desarrollando la técnica del claroscuro, y lleva una intensa vida sociocultural en Sevilla

Gracias a la recomendación de Pacheco y del Conde Duque de Olivares, consigue hacerle un retrato al rey Felipe IV, lo que lleva a éste a tenerlo a su servicio y nombrarlo, cuatro años más tarde, Ujier de Cámara.

En 1628, Velásquez conoce a Rubens que le insta a que visite Italia para completar su formación como pintor,  el pintor sevillano sigue su consejo y, un año más tarde inicia una gira por los principales estados italianos. Al regresar a España, años después, Velázquez cambia su estilo tenebrista por otro en el que la luz inunda los ambientes y el color se hace mas vivo e intenso.

Como Ayudante de Cámara se convierte en una de las personas más próximas al monarca pero, tras este nombramiento, se suceden una serie de desgracias en la corte y en la vida personal del pintor que provocan que éste vuelva de nuevo a Italia, en 1648, como embajador y artista español consagrado.

Dos años más tarde, regresa a España y es nombrado por Felipe IV Aposentador Real, cargo que le resta gran cantidad de tiempo para dedicarse a la pintura; aún así realiza en esta época sus obras maestras “La familia de Felipe IV”, (“Las Meninas”), 1656, y “La fábula de Aracné”, (“Las Hilanderas”).

Muere en Madrid tras una larga enfermedad, en el año 1660, y es enterrado con todos los honores de la Orden de Santiago de la cual era miembro.

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PRESENTACIÓN

“CON TRAZOS FIRMES” refleja, no únicamente los vigorosos trazos de la rúbrica del artista, sino, también, el vigor y la firmeza de cada una de las pinceladas con que el pintor Juan José Rodríguez se enfrenta a los lienzos vacíos.

Casi una treintena de obras, ubicadas en la Sala Van Gogh y en la Sala Rubens del MKAC, ponen de manifiesto la experiencia y el saber hacer de su amplía trayectoria artística.

Cartel de la exposición.

Con múltiples exposiciones, individuales y colectivas, realizadas en entidades públicas y privadas este arquitecto y docente que en su día decidió cambiar el hormigón y las aulas de docencia por la pintura artística, se atrevió a abandonar una existencia segura y tranquila por la característica incertidumbre del mundo del arte. Ello implica, en sí mismo, una fuerte personalidad y una gran vocación a la pintura.

Posiblemente, la arquitectura y la docencia hayan perdido gran arquitecto y profesor… pero el arte ha ganado un magnífico artista.

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HISTORIA DEL ARTE

El objetivo primero de esta monografía, es el de mostrar el arte de las distintas manifestaciones artísticas que se sucedieron a lo largo de la historia.

Los artistas, han utilizado sus obras para poner de manifiesto no sólo sus inquietudes, sensaciones y percepciones personales e individuales sino, también, para narrar los acontecimientos acaecidos en las diferentes épocas en las que vivieron, justificar o denunciar determinadas ideologías o reflejar las causa que provocaron unas u otras formas de pintar, unas u otras temáticas o unos u otros estilos.

Los mecenas, por otra parte, de todas los períodos históricos han dejado patente que el arte ha sido y es el vivo reflejo de su poder, gustos o preferencias.

No podemos omitir, tampoco, el importante papel desempeñado por monarcas y gobernantes, en general, que inclinaron las balanzas artísticas de sus distintos países o territorios en un sentido u otro; para ello sólo tenemos que pasearnos ante las colecciones artísticas de los grandes museos cuya procedencia es, su mayor parte, las colecciones reales.

Todos ellos han ocasionados que la Historia del Arte sea un magnífico filón didáctico para el estudio de la Historia de todas las épocas, los cambios e ideologías históricos, sociales, económicos y culturales de la Humanidad.

Esta monografía desea, también, despertar el interés y la curiosidad de los visitantes a esta web del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), y que ambos les lleve a investigar en otros medios de información mucho más amplios y completos.

Con este fin, se ha elaborado para cada estilo artístico, desde el arte rupestre hasta las últimas vanguardias, un pequeño texto y elegido una imagen, (hasta donde el derecho a la propiedad intelectual y copyright lo permiten), que pueden servir de guía para una mejor comprensión.

A la mente, intelecto y sensibilidad de cada uno de los lectores se deja total libertad para que buceen, indaguen y analicen, desde su propia experiencia y conocimiento, lo mencionado en los anteriores párrafos y que, por lo tanto, extraigan sus propias conclusiones.

Por último constatar que esta monografía es un pequeño resumen de la primera exposición del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MAKC), “Un Paseo por el Arte”, y con la que el museo se inauguró el 17 de septiembre de 2008.

PINTURA RUPESTRE

Las primeras pinturas del arte rupestre, realizadas sobre las paredes de las cuevas, corresponden al Paleolítico Superior y su apogeo se produce en el periodo Magdelaniense.

Los materiales utilizados están sacados de la naturaleza, (sangre, plantas, tierra y minerales), de ahí que los colores predominantes sean los rojos, ocres y negros.

“Agrupamiento de reses junto a los cobertizos”, (Anónimo)

Se ha comprobado que las técnicas usadas son múltiples. Los colores se aplicaban con los dedos impregnados de pintura, con pinceles y palos, soplando a través de tubos de hueso… y la temática va desde los conocidos “macarrones”, impresiones de manos en negativo, signos abstractos y representaciones de animales y hombres.

PINTURA EGIPCIA

La pintura del Antiguo Egipto fue, esencialmente, simbólica y ligada, en gran medida al mundo de los muertos, y a la ornamentación.

Su técnica fue un precedente de la pintura al fresco o témpera y realizada con pigmentos naturales mezclados con clara de huevo, agua y cal.

“Lotus, una ofrenda al dios Horus”, (Anónimo)

Los egipcios pintaban bajorrelieves que, por su escasa profundidad, propiciaban la identificación con la escultura y el arte pictórico.

Entre sus características cabe destacar el canon de perfil, en el rostro, brazos y piernas, y frontal el tronco y los ojos; la jerarquización, por medio de la cual, la pintura se reservaba a figuras de dioses y faraones y, con posterioridad, a los personajes notables;  la ausencia de perspectiva, con la que se dejaba patente la inferioridad de las figuras que aparecían más alejadas; la utilización de colores planos, es decir, sin gradaciones ni medios tonos; el color que estaba en función de la figura representada; así, el verde se reservaba para Osiris, el oro para el Sol, el ocre oscuro para los hombres y el ocre claro para las mujeres.

PINTURA ROMANA

Sus orígenes se confunden con los de la escultura y el arte helenista del que posteriormente se desvincula para tomar una esencia propia.

Su procedimiento esta asociado al encausto, el temple y el fresco mientras que sus géneros están enlazados al arte decorativo, en vajillas y muros, y al arte histórico en los cuadros murales.

“Retrato del panadero Paquia Próculo y su mujer”, (Anónimo)

En su temática predominan el paisaje, la caricatura, el retrato, los cuadros de costumbres, las imitaciones arquitectónicas  y las combinaciones fantásticas de objetos naturales; estas últimas dan origen al género, que los artistas renacentistas denominaron “grutesco”  y que inspiraron a Rafael la decoración de las Logias del Vaticano.

PINTURA BIZANTINA

La pintura bizantina fija su carácter desde el comienzo del siglo VI. Se caracteriza por la riqueza de materiales y por la representación de las figuras. Éstas se representan alargadas, en pie, con los brazos en actitud movida o portando algún objeto, los pliegues de las túnicas son rectos, paralelos y casi verticales.

El continente de las personas se perpetúa, en este estilo pictórico, con un porte majestuoso, tranquilo, honesto, con la mirada al frente o a la derecha del espectador, ojos grandes y abiertos y pies pequeños o estrechos terminados en punta.

“Personificación del mar”, (Anónimo)

Los elementos decorativos de los cuadros consisten, casi siempre, en joyas, cintas, guirnaldas, grecas y la presencia de plantas sueltas. Sobre el fondo, de oro, aparecen inscripciones verticales u horizontales que muestran el nombre y significado del personaje o de la escena que representa.

La temática suele ser bíblica y de representaciones de la corte imperial, tales como ángeles y santos.

PINTURA ROMÁNICA

Se desarrolla en Occidente y abarca el periodo que va desde la invasión de los bárbaros hasta mediados del siglo XIII.

Nace supeditada a la arquitectura, situándose  en el interior de los edificios, y su función, además de la estética, era pedagógica y didáctica.

Predomina en ella el dibujo con línea gruesas, colores planos y sin volumen y el espacio se crea por la distribución de las figuras en el espacio. Las imágenes son hieráticas, sin movimiento, bastante antinaturalistas, sin perspectiva y en las que la anatomía esta muy desproporcionada.

“Frontal de la Virgen de Aviá”, (Anónimo)

La técnica más utilizada es la del fresco aunque también se utilizó la tabla con el fin de decorar los altares.

La temática se basa, esencialmente, en asuntos religiosos asociados al fin del mundo, al Juicio Final y al castigo para los pecadores.

PINTURA GÓTICA

Es una de las expresiones del arte gótico, en general, que aparece alrededor del año 1200, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y escultura góticas.

Su mayor característica es un naturalismo, cada vez mayor, en oposición a las representaciones simplificadas e idealizadas de la pintura románica y se aproxima a la imitación de la naturaleza, dejándola plasmada en cuatro soportes primordiales: murales, vidrieras, miniaturas y tablas.

“Los desposorios de Maria” de Giotto di Bondone, (1267-1337)

Empieza con este estilo, una temática, diferente a las anteriores. Aunque los temas religiosos están presentes, comienzan a aparecer los profanos, los detalles narrativos, más frescura, color y luminosidad. Las figuras religiosas, (santos, ángeles, vírgenes…), se representan más humanos dejando asomar sus emociones y sentimientos rompiendo con el hieratismo y formalismo románicos.

PINTURA GÓTICA INTERNACIONAL

Este estilo fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal, (propio del Norte de Europa, con las de la pintura trecentista italiana.

Los artistas más influyentes comienzan a viajar por toda Europa lo que favorece que las ideas se combinen y divulguen.

La técnica pictórica es minuciosa, representando con gran detalle las anécdotas tratando de buscar la realidad con gran naturalismo pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras se estilizan y los plegados en los ropajes son abundantes.

“La Vierge á la Condeliére” de Andrea di Giusto, (1423-1450)

Los temas religiosos se interpretan como profanos, los santos son caballeros y damas distinguidas que se desenvuelven en majestuosos ambientes palaciegos.

PINTURA GÓTICA FLAMENCA

Surge en Flandes, durante el primer tercio del siglo XV, y se difunde por el resto de Europa, excepto en Italia en donde ya había aparecido el Renacimiento.

Su principal innovación es el uso de la técnica del óleo lo que permite un mayor colorido, sutilismo y detallismo en las creaciones pictóricas cargadas de simbolismo ya que, tras los objetos triviales, aparecen mensajes ocultos que las convierten en auténticas alegorías.

“El matrimonio Arnolfini” de Jan van Eych, (1390-1441)

La mayor parte de las obras son encargos privados, de la aristocracia y la nobleza, lo que hace que su temática tenga un fuerte contenido civil y profano y, aunque hay temas religiosos, se interpretan como sucesos cotidianos.

A esta última fase del gótico se la conoce, también, como prerrenacimiento o renacimiento nórdico por su avanzado tratamiento de la luz, su concepción de la perspectiva y su rico colorido que hace que se le considere una especie de primer renacimiento.

PINTURA GÓTICA/ RENACENTISTA

Ya ha finales del siglo XV, el gótico convive con el estilo renacentista siendo el primero la raíz pictórica del segundo.

En el gótico- renacentista, desaparece la elaboración de retablos y cada pintura es un mundo en si misma sin conexión alguna con el ámbito externo.

Los cuadros plasman temas de paisajes, de belleza idealizada de los desnudos y el volumen de las formas y el sentido espacial son dimensiones cardinales de la pintura renacentista.

“The School of Tagoste” de Benozzo di Lese di Sandro, “Gozzoli”, (1420-1497)

En este periodo, la luz se trabaja con más perfección con la intención de resaltar los diferentes planos, el paisaje se plasma con pasión y se encuadran en él figuras con efectos de profundidad y la consecución de ésta se convierte en una obsesión para el artista.

PINTURA RENACENTISTA

Cronológicamente se sitúa en el siglo XV, en Italia, y entrado el siglo XVI en los demás países, siendo los siglos XVI y XVII los de su máximo apogeo.

La pintura del Renacimiento está llena de religiosidad, de representaciones paisajísticas y de figuras a través del retrato, buscando cada artista su propio estilo.

“El prestamista y su mujer” de Quintín Massys, (1465-1530)

También son características propias de esta pintura la búsqueda de la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza e inspirándose en las obras escultóricas clásicas; la universalidad de la temática de los cuadros, (temas mitológicos, retratos y las historias); el procedimiento el cual abandona los realces y los dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción, casi en exclusiva, de la pintura al óleo.

El periodo de decadencia se caracteriza, entre otras características,  por la escasez de buenos maestros renacentistas, por la exageración del movimiento en las figuras , por la expresión poco natural que empiezan a surgir en los rostros.

PINTURA RENACENTISTA/ MANIERISTA

El manierismo es el estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento, año 1530), hasta comienzos del Barroco, (hacia el año 1600).

El origen etimológico proviene de la asignación a aquellos artistas que pintaban  “a la manera de…” Miguel Angel, Rafael o Leonardo da Vinci y a los que, más tarde, se les aplicó con connotaciones peyorativas cuando esa “manera” fue entendida como una fría técnica imitativa de los grandes maestros.

“Danea recibiendo la lluvia de oro” de Tiziano Vecellio di Gregorio, (1487-1576)

En la pintura manierista las figuras tienen, con frecuencia, extremidades pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado y posturas complicadas y artificiales.

Los colores utilizados son fríos, artificiales, extraños y enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en las gamas.

PINTURA BARROCA

La pintura barroca adquiere un papel predominante dentro de todas las manifestaciones artísticas del Barroco y desarrolla nuevos géneros como los bodegones, los paisajes, los retratos, los cuadros de género o costumbristas, la búsqueda del realismo y un enriquecimiento de la iconografía.

“Muchacha con turbante” de Jan Vermeer de Delft, (1632-1675)

Sus características más importantes son el dominio técnico absoluto de la pintura al óleo y de la pintura al fresco;  el predominio del color sobre la línea, de esta forma los efectos de profundidad se consiguen más con los contrastes de luz y las tonalidades que con las líneas definidas y nítidas del dibujo; la luz, convertida en un elemento fundamental, define el ambiente, difumina los contornos y matiza los colores; el movimiento y las composiciones complicadas con perspectivas insólitas y una distribución asimétrica de los volúmenes; el realismo puesto que el pintor barroco trata de imitar la realidad pero sin la idealización del siglo anterior y el gusto por la perspectiva ilusionista, con la que se intenta romper, visualmente, con el espacio arquitectónico real.

PINTURA BARROCA/ ROCOCÓ

Nacido en Francia se desarrolla entre los años 1730 y 1760 de forma progresiva y se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros y las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y, especialmente, en los remas amorosos y galantes.

“Amorcillos vendimiando” de copista anónimo de François Boucher

Pintura mundana, sin influencias religiosas, plasma temas de la vida diaria y de las relaciones humanas, buscando refleja lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Mientras la pintura barroca estaba al servicio del poder absolutistas, la pintura rococó está al servicio de la aristocracia y de la burguesía, retratando la comodidad, el lujo y la fiesta, lo que permite al artista trabajar con más libertad e iniciarse en el mercado del arte.

PINTURA CLASICISTA/ NEOCLASICISTA/ ROMÁNTICA

Es la tendencia pictórica que se desarrolló en el siglo XVII y que nace como alternativa a la pintura barroca, y de la que cabe destacar el predominio del dibujo sobre el color; la construcción del espacio a través de planos sucesivos, sin las bruscas diagonales barrocas; la distinción de la formas nítidamente y con independencia, a diferencia de la “subordinación al todo” de la pintura barroca; ausencia de contrastes y actitudes exageradas y la realización de obras cerradas, no abiertas, con las figuras colocadas en el centro de la composición.

“Campesinos en la taberna” de Mathieu Le Nain, (1607-1677)

PINTURA NEOCLASICISTA

Como una parte más de un movimiento artístico, el Neoclasicismo, la pintura trata de volver a los ideales clásicos tras los excesos del barroco y del rococó.

"El juramento de los Horacio" de Jacques-Louis David, (1748-1825)

El principal problemas de los pintores neoclásicos, a diferencia de los arquitectos y escultures, era la escasez de pinturas clásicas en las que inspirarse. Por ello los pintores neoclásicos deben recurrir a la observación de las esculturas griegas y romanas, de ahí su sobriedad y, una especie, de frialdad.

En consonancia con el racionalismo de la época, el predominio del dibujo es patente mientras que la importancia del color queda relegada; hasta el punto de poder decir de algunas pinturas neoclásicas que son pinturas “monocromas”.

PINTURA ROMANTICA

La pintura romántica sucede a la neoclásica de finales del siglo XVIII y apela al subjetivismo y la objetividad con la que se trata de dar a la figura un carácter realista.

Utiliza, con frecuencia, fuertes contrastes de luz y sombra, (el claoscuro), y el colorido es otro valor importante de la pintura romántica ya que prevalece al dibujo.

“Alegoría de la primavera” de Winterhalter, Franz, (1805-1873)

En cuanto a los temas preferidos por los artistas románticos destacan el paisaje, que deja de ser un elemento secundario y meramente decorativo, para pasar a ser una forma de expresar emociones humanas; la pintura animalista, es decir, la representación de animales, tanto salvajes como domésticos, y la pintura costumbrista, que refleja tipos y personajes populares.

Las técnicas utilizadas fueron varias, con predominio del óleo, pero los pintores románticas ingleses se inclinaron más por la acuarela y los nazarenos recuperaros la pintura al fresco.

PINTURA REALISTA

La pintura realista aparece tras la Revolución Francesa cuando el desencanto de los revolucionarios por los fracasos hace que se abandonen los temas políticos para centrarse en los temas sociales.

“El Estudio” de Jean-Baptiste-Camile Corot, (1796-1875)

Técnicamente no introdujo grandes novedades, pero revalorizó a los grandes maestros naturalistas del barroco, y su gran aportación fue la de introducir en su temática el mundo del trabajo de los obreros y de los campesinos ya que los artistas toman conciencia de los problemas de la clase obrera y cargan sus pinturas de contenido social, reaccionado, así, contra los temas mitológicos, históricos, religiosos tratados en el Romanticismo.

PINTURA IMPRESIONISTA

Nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX.

En la pintura impresionista el paisaje cobra una gran relevancia y, también, la vida cotidiana de la noche y el ocio

Las importantes evoluciones científicas y técnicas del momento, permitieron la creación de pigmentos nuevos con los que los pintores darían nuevos colores a sus pinturas, generalmente el óleo. Con la utilización de los colores puros, o saturados, consiguieron una pureza y saturación del color hasta el momento impensable.

“La barca en Giverny” de Claude Oscar Monet, (1840-1926)

Los impresionistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, (“todo color es relativo a los colores que le rodean”), y a la ley de colores complementarios,  (enriqueciendo el uso de los colores puros bajo contrastes, generalmente, fríos y cálidos). La firmeza del color, les permitió afinar el volumen a través de más matice lumínicos.

PINTURA POSTIMPRESIONISTA

La pintura postimpresionista engloba diversos estilos personales, planteándolos como una extensión del impresionismo y como un rechazo a las limitaciones de éste.

Los artistas postimpresionistas, como los impresionistas, utilizaron los colores vivos, la aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

“Cronching Worman Red Hair” de Henry Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, (1864-1901)

Algunos de ellos estuvieron interesados en resaltar las cualidades naturales de la pintura, por lo que plasmaron seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies.

En cuanto a los temas reflejados, intentan reflejar los reales pero presentaron una visión más subjetiva del mundo que los pintores impresionistas.

PINTURA SIMBÓLICA

La pintura simbolista es una tendencia artística que aglutina a pintores muy dispares y que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales, en la que el símbolo tiene un valor intrínseco y cuya lectura no es unitaria.

“Jarrón con flores” de Odilon Redon (1840-1916)

En este estilo pictórico la fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada y la espiritualidad sustituyen  a pretenciosa objetividad de los impresionistas y neo-impresionistas. Se busca la recuperación del sentimiento de las tendencias religiosas, la nostalgia del mundo idílico y aparece el tema de la mujer fatal, la unión entre el Eros y el Thanatos y una nueva relación entre los sexos.

Los simbolistas continúan con la expresión romántica de expresar a través del color y no quedarse sólo en la interpretación.

PINTURA PUNTILLISTA/ DIVISIONISTA

El puntillismo es el estilo pictórico, aparecido en el año 1888, consistente en poner puntos de colores que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.

Este movimiento parte, también, de la imagen de la naturaleza, del mismo motivo que los impresionistas, pero en este caso serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caracterizarán la esencia de la pintura.

“Bathers, Asnières” de George Pierre Senrat, (1859-1891)

El estudio de las interacciones de los colores y sus complementarios, lleva a algunos pintores puntillistas a confeccionar un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios.

El color blanco forma parte, indiscutible, de su paleta ya que les permitió obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro.

Algunos pintores puntillistas no aceptaron nunca la denominación de puntillismo, en cuanto a la técnica de este grupo, prefiriendo el término “divisionismo” ya que consideraban que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

PINTURA “LOS NABIS”

Con el vocablo Nabis, (del hebreo profeta), se designa a un grupo de artistas que, por sus diversas actividades, fueron de gran influencia en la pintura francesa a finales del siglo XIX y que entiende el arte como “la manera subjetiva de expresar las emociones”, por lo que los sentimientos se convierten en la base fundamental de la representación.

“Mujer al piano” de Felix Vallotton, (1865-1925)

El color se convierte, pues, en el elemento que va a transmitir determinados estados de ánimo y formas de sentir.

Entre sus más representativas se encuentran las de su interés por lo exótico y lo oriental, siendo las culturas lejanas y exóticas fuente de inspiración para crear sus obras; el ámbito burgués y doméstico como una de sus temáticas principales; la deformación de la realidad, tanto objetiva como subjetiva; el color como elemento prioritario en las composiciones artísticas, con predominio de la gama que va de los tonos pardos a los verdes; la utilización del cartón y el papel como soporte y la realización de litografías, el uso de todo tipo de materiales: vidrieras, litografías, grabados, dibujos…

PINTURA MODERNISTA

Surgida en la última década del siglo XIX y la primera del XX, la pintura modernista se manifiesta con un componente de esperanza que cree que lo industrial contribuye al avance en lo material y lo espiritual, al mismo tiempo que desea transmitir la idea de agilidad a través de líneas curvas, motivos inspirados en una naturaleza, tanto animal como vegetal, estilizada pudiendo llegar casi a la abstracción.

“Naturaleza muerta” (“Natura morts”) de Giovanni Sagantini, (1858-1899)

Las líneas generales de la pintura modernista son: abandono de lo cotidiano a favor de temas de contenido simbólico-conceptual; insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo; el deseo de superar el academicismo e impresionismo; las formas orgánicas; recreación de los temas de la mujer, la perversión y el erotismo; los formatos alargados y apaisados; excesivo decorativismo; la importancia de las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía; una pintura de carácter lineal y bidimensional y el uso de la línea independiente que avanza hacia el expresionismo posterior.

PINTURA FAUVISTA (Vanguardia Histórica)

Estilo pictórico de tintes expresionistas el fauvismo, o fovismo, destaca por el uso de colores intensos, en especial el verde, y por la búsqueda de la fuerza expresiva del color a través del juego con la teoría del color, basada en el conocimiento de los colores primarios, secundarios y complementarios.

Debido a la importancia que los fauvistas le dan al color, se olvidarán de otros aspectos tales como el modelado, la perspectiva, el claroscuro o la composición  y despreciarán la habilidad técnica para centrarse en los toques rápidos, vigorosos, toscos y discontinuos. El dibujo tendrá un valor secundario.

“Las damas” de Francisco Uturrino, (1864-1924)

La tmática fauvista es variada y diversa: el mundo rural, el ámbito urbano, el desnudo, los interiores, el aire libre, la alegría de vivir…; todo dependerá de la mano fauvista que sujete y mueva el pincel.

Su actitud rebelde les llevará a transgredir las normas respecto a la pintura, a buscar algo diferente que les haga avanzar artísticamente y, sobre todo, a expresar sentimientos lo que les hará percibir la naturaleza en función de estos.

PINTURA EXPRESIONISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura expresionista nace en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés, y plasma el deseo de los artistas de dar una visión de sus sentimientos.

Se entiende como una deformación y acentuación de la realidad con la finalidad de conseguir expresar adecuadamente los valores que pretende poner en evidencia.

“Ballet ruso II” de August Macke, (1887-1914)

Los elementos que caracterizan a este estilo son el color, el dinamismo y el sentimiento, el deseo de romper las formas, aunque ello conlleve un reflejo poco fiel y realista del mundo. Su principal objetivo es trasmitir las emociones y los sentimientos más profundos, intencionalidad que subyace en cualquiera de las obras de todos sus representantes.

PINTURA CUBISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura cubista se desarrolla en Francia, entre los años 1907 y 1914, y trata de representar la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.

A pesar de ser una pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos y abundan los retratos, los bodegones y los paisajes.

“El leñador” de Kazimir Malevich, (1878-1935)

Dos tendencias se dan cabida en este estilo: el cubismo analítico y el cubismo sintético. En el primero la pintura es casi monocroma ya que lo que interesa son los diversos puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo; dentro del cubismo analítico se incluye el cubismo hermético, con obras casi abstractas como consecuencia de la cantidad de puntos de vista representados.

Por miedo a llegar a la abstracción, el cubismo hermético se transformó en cubismo sintético con la introducción de papel pegado directamente en la pintura. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de cigarros, cajas de cerillas…

PINTURA FUTURISTA/ VORTICISTA/ RAYONISTA (Vanguardia Histórica)

Este estilo, desarrollado en Italia entre los años 1909 y 1916, se opone al academicismo y a la moral tradicional, su ideario fue la exaltación del mundo moderno: las máquinas, la velocidad, la energía…; es, además, un arte que se preocupa de estudiar el movimiento

El desprecio de lo imitativo; la exaltación de la originalidad; la negación del pasado y el academicismo; la representación plástica  del dinamismo y del movimiento basada en el “simultaneismo”, (multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo); la creación de ritmos mediante las formas y los colores; la temática figurativa de motores, guerras, deportes, vehículos en movimiento…; el color refulgente, tanto plano como modulado y las trasparencias… son algunos de los signos emblemáticos de la pintura futurista.

“Pintura. Máquina de escribir” de Amadeo Souza Cardoso, (1887-1918)

PINTURA VORTICISTA

La pintura vorticista fue un movimiento artístico británico surgido a finales del siglo XX que, a pesar de haber durado sólo apenas tres años, se le considera el único movimiento británico significativo de aquella época.

Nace del cubismo pero se relaciona más estrechamente con el futurismo ya que adopta de éste su dinamismo, la edad de las máquinas y todas las cosas modernas. Sin embargo, se aparta del futurismo en la forma de intentar captar el movimiento de una imagen a través de una disposición marcada de las líneas y de colores discordantes que llevan la mirada del espectador al centro del lienzo.

PINTURA RAYONISTA

Aparece en Rusia entre los años 1909 y 1914 y se la considera una pintura de caballete que pretende la abstracción dinámica y lineal en la luz y el color.

Estructura la composición siguiendo esquemas radiantes a base de estrías turbulentas o haces de color que cruzan y entrecruzan la superficie del lienzo e intenta expresar un nuevo concepto de espacio en el que quede reflejado el dinamismo, la energía de los cuerpos, la luz y el tiempo,

En la pintura rayonista el color es, en general limitado y austero y la comunicación de inestabilidad, el dinamismo y la energía son patentes.

PINTURA ABSTRACTA (Vanguardia Histórica)

Estilo pictórico trascendental para las segundas vanguardias, la abstracción es un lenguaje no figurativo en el que se toma de la realidad lo esencial y se abstrae lo secundario.

Surge en el año 1910 como reacción al realismo y ha sido influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. La representación figurativa es sustituida por un lenguaje visual autónomo, dotado de significaciones propias. Por lo tanto, enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales para resaltar su valor y fuerza expresiva. Este lenguaje se ha elaborado a partir de experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo.

PINTURA REALISTA (Vanguardia Histórica)

Frente al movimiento abstracto, se desarrolla el Realismo, un estilo nuevo sobre la representación de la realidad que aparece en el año 1960 y que se convierte en un paso de vanguardia.

Despunta en Italia con Y. Klein con su color exclusivo, el azul.

PINTURA DADAISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura dadá es un estilo pictórico que surge en Zurich, (Suiza), en el año 1916 y que se caracterizó por sentimientos de protesta contra lo convencional. Un ansiarte, una forma de vivir y sentir especial y de rechazo absoluto a toda tradición o esquema anterior.

Los pintores dadaístas se caracterizaron por manifestarse contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Los artistas, a través de sus obras, propugnan la libertad desenfrenada del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo actual, lo aleatorio y la contradicción. Defienden el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

PINTURA NAIF (Vanguardia Histórica)

La denominación de pintores naíf se aplica a aquellos artistas cuyas obras se caracterizan por la ingenuidad, la espontaneidad y el autodidactismo; por utilizar colores brillantes y antinaturalistas y por hacer uso de una perspectiva acientífica captada por intuición.

En muchos aspectos, la pintura naíf recuerda o se inspira en el arte infantil, ajeno al aprendizaje académico y por evitar rebuscamientos y sofisticaciones.

“El paseo por el bosque” de Henri Rousseau, (1844-1910)

Aunque el genuino naíf no puede, por definición, tener motivos predeterminados, debido al ambiente en que surge el dadaísmo, suelen darse temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las tradiciones y la religión pero representados siempre con gran imaginación, vivacidad e “ingenidad”.

PINTURA SURREALISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura surrealista, o superrealismo, aparece en Francia a partir del dadaísmo. En el primer cuarto del siglo XX.

Muchas fueron la técnica desarrolladas por los artistas que adoptaron este estilo ya que cada uno plasmó sus inquietudes a partir de sus propias experiencias. De esta forma aparecen las écnicas del automatismo, la de fijación de imágenes tomadas de los sueños, el frottage, la decalcomanía además de utilizar otros procedimientos que incluyen, igualmente, el azar como el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.

Hay quien dio al surrealismo una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Con  el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, abandonando algunos de ellos París para trasladarse a Estados Unidos en donde siembran el germen de futuros movimientos americanos artísticos de posguerra.

PINTURA METAFÍSICA

La pintura metafísica tiene su cuna en Italia y el movimiento metafísico, en general, se debe a Giorgio de Chirico y a Carlo Carrá.

Los representantes de esta opción pictórica usando un estilo realista pintaron imágenes oníricas de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas, así como las yuxtaposiciones, aparentemente, casuales de objetos. Su pintura representa un mundo visionario que conectaba de manera inmediata con el mundo del inconsciente, más allá de la realidad física.

La pintura metafísica surgió del deseo de explorar la vida interior imaginada de los objetos cotidianos cuando se los representa fuera de los contextos habituales que sirven para explicarlos: su solidez, su separación en el espacio que se les da, el diálogo secreto que podía tener lugar entre ellos.

En definitiva, en este estilo de pintura una realidad ilógica parece creíble.

PINTURA DE LA ESCUELA DE PARÍS

Se denomina de esta forma al conjunto de movimientos pictóricos artísticos que tuvieron su centro de actividad en la capital francesa, especialmente durante los primeros cuarenta años del siglo XX.

La importancia de París se explica porque acogió a numerosos extranjeros, judíos y europeos provenientes del este, quienes se sintieron libres en esta ciudad.

París perdió su fuerza con motivo de la persecución nazi durante la II Guerra Mundial y el centro artístico se traslado a Nueva York, ciudad a la que se dirigieron los artistas que debieron emigrar.

Se puede decir que no constituye una escuela homogénea ni siquiera que tuviera un programa colectivo, sino que se trata más bien de una agrupación cosmopolita de artistas cuyo núcleo vital era la ciudad de París, que actúa como incentivo artístico e intelectual.

PINTURA NUEVA OBJETIVIDAD

Surge en Alemania a comienzos de los años 1920, rechazando el expresionismo, y finaliza en el año 1933, tras la caída de la República de Weimar y la toma de poder por los nazis.

Los pintores pertenecientes a este movimiento artístico quieren provocar al público  por medio de una figuración distante, fría y con imágenes chocantes, para lo cual aprovechan los logros del fotomontaje dadaísta, algunos recursos del futurismo, la combinación simultánea de varias visiones y la fragmentación de formas del cubismo.

Aprovechan las aportaciones de la vanguardia pero, a diferencia de ella, no se quedan indiferentes ante la realidad social y política, tomando partido en ella.

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