Museo Karura Art Centre (MKAC)

III CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

«LABERINTOS DEL ARTE»

EXPOSICION

BEATRIZ ANSEDE BONOME

(Autora del cartel de la exposición)

Beatriz Ansede Bonome nace en Irixoa, (A Coruña, España), y, aunque en sus primeras épocas se la ha vinculado al postimpresionismo, la trayectoria artística de esta pintora gallega desemboca, en los últimos años, en una apuesta por la mancha y la textura en una abstracción que, aunque invita a traspasar sus lienzos, lo hace desde lo misterioso y enigmático.

La curiosidad y la pasión por la pintura de esta artista gallega, la inducen a introducirse en el mundo de la investigación y el estudio lo que, a su vez, origina su incursión en la experimentación de nuevas técnicas, recursos y soportes pictóricos; ello ocasiona que la carrera artística de esta pintora haya pasado por diferentes períodos y ciclos que quedan de manifiesto en esta muestra.

COMENTARIO

“Hay en el proceso creativo de Beatriz Ansede, un importante paso previo a la acción de pintar y éste se da a través de la emoción que le produce la contemplación de la naturaleza, empezando por la luz que modula los paisajes y los objetos.

La luz tamizada o vibrante, juega un papel decisivo en todos sus cuadros, recreando tiernas composiciones líricas, o definiendo paisajes fuertemente dramáticos…”

(Román Pereiro Alonso, crítico de arte).

ARGENTINA

VICTOR FLORIDO

Nace en la capital argentina, Buenos Aires, y estudia Pintura y Dibujo con Sergio Bazán e Historia del Arte con Laura Batkis. Poco tiempo después, consigue una beca para hacer una residencia en Rijksakademie van beeldende Kunsten, (Holanda), experiencia que le permite ampliar sus conocimientos y sus recursos técnicos.

Una de las características, de las obras de este artista, es la monotonía de su paleta con lo que consigue trasladar al espectador a un mundo de incertidumbre y de la presencia de sensaciones encontradas, provocadas por la comprensión e incomprensión de los que observa.

Imágenes creadas y escenas compuestas que manifiestan un hermetismo y una ambigüedad, una ruptura de los espacios en donde las representaciones aparecen y se mezclan con y sin contornos que definan los volúmenes.

COMENTARIO

“En algunas de sus obras Víctor Florido recupera ciertos aspectos propios del tiempo vivido por la generación de sus padres, surgen sus libros, una determinada relación con la naturaleza aparece en imágenes des-congeladas que son revisadas, con otra mirada. El respeto hacia las utopías irresueltas de la modernidad incluye la posibilidad de un distanciamiento crítico. Es el mundo que lo vio nacer y que él ha visto desdibujarse luego, hoy lo recupera merced a un ejercicio de memoria intervenida desde las entrañas mismas del deseo.” (Corinne Sacca Abdi, crítica, curadora y miembro de la Asociación Internacional de Crítica de Arte).

BOLIVIA

MAMANI MAMANI

Roberto Mamani Mamani nace en Bolivia, (Cochabamba), en el seno de una familia de origen quechua y aymara; orígenes que determinan el desarrollo artístico de este pintor y sin los cuales la comprensión y análisis de su obra sería incompleto.

Marcado, pues, por esta situación, en su obra se aprecia la importancia de los sentimientos y la visión que él tiene de estos dos pueblos que especifican una obra repleta de color, fuerza, energía y de texturas arraigadas en el sentir andino.

Su procedencia, también condiciona un discurso pictórico peculiar que lo diferencia del discurso contemporáneo reinante en su país y favorece, por medio de sus lienzos, una visión genuina del arte boliviano arraigado en la tierra.

La obra de Mamani Mamni, en especial sus acrílicos y pasteles, están invadidas de formas ondulantes, portadoras de equilibrio y armonía, y de un vibrante cromatismo, saturado de naranjas, rojos, turquesas y violetas, por medio de los cuales toman forma las características propias del pueblo aymara.

COMENTARIO

“En Bolivia somos casi el 60% de indígenas, es poca la gente de afuera. Por esta razón es importante que valoremos nuestra cultura, que la gente se sienta orgullosa de esta diferencia. Este es mi trabajo como artista y como hombre.” (R. Mamani Mamani).

CARLOS RIMASSA

Poeta, director de teatro, además de artista plástico, Carlos Rimassa, (Cochabamba, Bolivia), desarrolla una obra pictórica que está impregnada de influencias expresionistas, fauvistas y cubistas.

Sin embargo, y a pesar de esas influencias iniciales, la obra de Rimaza es enmarcada dentro del Neoexpresionismo, ello en gran parte a la energía con que realiza los trazos y a la gran expresividad que los acompaña.

Máximo exponente del espectro artístico y cultural boliviano, su obra está considerada un referente para los estudiosos del arte de su país para quienes su amplia producción plástica representa un punto de partida a ser considerado.

Cada una de sus obras puede ser considerada como una representación vívida en la que las líneas, que aplica a sus soportes, se convierten en una fidedigna traducción de emoción y lirismo, independientemente de que el estilo seleccionado, en cada caso, se ajuste a criterios figurativos o abstractos.

COMENTARIO

“Estamos ante el artista que profundiza en el paisaje y lo sintetiza para descubrírnoslo. La madurez del lenguaje plástico de Rimaza, se aprecia en la transición del paisaje externo como referencia a un paisaje interno y subjetivo. Viendo su obra global encontramos el hilo conductor que une las etapas del artista a una lógica interna de su arte.” (Rosse Marie Caballero, escritora).

BRASIL

 HERMELINDA ALMEIDA

Nacida en Fortaleza, (Brasil), vive en Sao Paulo y, más tarde, se afinca en Río de Janeiro, ciudades que marcan el camino artístico de esta pintora autodidacta.

La pintora brasileña llega a la esfera del arte por casualidad. De origen humilde, la dificultades de su existencia la inducen a caer en una depresión de la que consigue salir siguiendo el de consejo de una amiga que la invita a refugiarse en la pintura. Es así, como asiste a las clases de Tancredo de Araujo, quien se convierte en el punto de partida de la formación de la pintora y quien despierta su pasión por la pintura.

Su carrera despega cuando es invitada a realizar un lienzo para una exposición cuya temática es la Copa del Mundo de Fútbol, una invitación que ocasiona que la artista sea requerida para realizar exposiciones, individuales y colectivas, en galerías y centros artísticos.

Con un marcado estilo naïf, que define toda su producción, Almeida se enfrenta a las telas en blanco con una energía inusual, en la que el color azul predomina sobre cualquier otro, y en donde los acrílicos son su técnica preferida.

COMENTARIO

“Saber que uno puede llegar a otras personas por medio del arte, nos eleva hacia un mundo diferente, donde las tristezas se desvanecen en risas, lo que se toca se puede alcanzar, donde los sueños no existen porque todo es realidad… es como tomar el pincel y dar color a lo deseado o imaginado; dibujo con palabras al silencio, al amor al recuerdo y al olvido.” (Hermelinda de Almeida).

CHICO TUPYNAMBA

Nacido en la ciudad de Sao Paulo, este pintor brasileño se gradúa en Ingeniería Mecánica en la Universidad de Tecnología del municipio de Mavá.

Se inicia como pintor autodidacta arrastrado por su intensa afición al arte y aun vivo deseo de expresar, por medio de su producción artística, un entorno que lo envuelve y que él imagina y tamiza.

Chico Tupynambá utiliza sus conocimientos en programación informática, para desarrollar su labor como artista pero sin rechazar otros métodos más tradicionales o clásicos como, por ejemplo, el lienzo, el papel o el lápiz.

Los estudiosos de su obra destacan en su trayectoria tres etapas: la primera, en la que el surrealismo coincide con el inicio de su carrera; la segunda, iniciada en los albores de la década de los ochenta y, por ultimo, una tercera en la que, tras años de experimentación con abstracciones geométricas, se consolida como pintor abstracto en la primera década del siglo XXI.

CHILE

CRISTIAN AVILES

Nacido en Santiago de Chile, (1971), con tan sólo diecisiete años inicia su formación en el taller de la pintora Marcy Lanfranco al lado de la que descubre el óleo y las posibilidades que esta técnica proporciona.

En el año 1994, se licencia en Bellas Artes, con un distinguido expediente académico, y continúa su formación centrándose en la investigación de diferentes materiales, procedimientos pictóricos y técnicas; casi una década, (1991-1999), denominada de “Figuración Existencial” en la que tienen un papel relevante sus dibujos y pinturas de la figura humana.

Tras viajar a Europa, y sumergirse en el mundo de los grandes museos europeos, fija su residencia en España en el año 2010.

El año 2007 se convierte en un importante referente, en la trayectoria profesional de Cristián Avilés, al ser seleccionado para participar en la “Exposición Colectiva Antológica sobre Realismo Español Contemporáneo”, celebrada en Alemania; una exhibición que le lleva a ser considerado como un referente de la pintura Realista Contemporánea Española y Latinoamericana.

A pesar de ello, el propio artista se define como un pintor figurativo que traduce e interpreta una realidad de la que sustrae imágenes que, tras un exhaustivo análisis, le permiten mostrar su subjetividad perfectamente tamizada y depurada.

MARCELO VERGARA MARTINEZ

El artista chileno nace en la ciudad de Concepción, en cuya Universidad obtiene la Licenciatura en Artes Plásticas con una Mención Especial en Pintura.

Su obra se recrea en escenas familiares, arboledas y oleajes marinos utilizando la abstracción; una abstracción que configura la obra de Marcelo Vergara, un pintor que, a pesar de ser sujeto imparcial y objetivo de cuanto le rodea, inmortaliza en sus cuadros una realidad cribada con precisión en su interior antes de plasmarla en el lienzo.

 COMENTARIO

“Observar la pintura de Marcelo Vergara, es transitar por una fragmentación de recuerdos inalienables de espiritual paisaje interior, reflejadas en la paleta cromática fría de nápoles que invaden la espacialidad geométrica de azules, negros y que culmina con ardientes rojos, evidenciando su especial postura plástica contemporánea.” (Arnaldo Carrasco, Gestor Cultural).

COLOMBIA

DAVID MANZUR

Considerado un inevitable referente artístico del arte colombiano, latinoamericano e internacional, la trayectoria del maestro David Manzur se fundamenta en una total dedicación al mundo del arte y de la estética; intensos años de preparación y décadas de trabajo por las que su producción artística se desliza por diferentes etapas en  cuanto a técnicas y estilos.

Tras prestar atención e interés por las tendencias contemporáneas y el experimento, que sin duda dan a su obra posterior un bagaje conceptual y técnico muy definido, se desmarca de estos para iniciar un camino independiente y genuino más allá de modas y tendencias artísticas.

Del expresionismo y el cubismo, experimentados de manera muy personal, las obras de Manzur destilan un impresionismo abstracto claramente identificado por la precisión con la que este artista utiliza tanto los colores como las texturas.

Su amistad con Naum Gabo le lleva a un acercamiento al constructivismo, la precisión geométrica y las estructuras tridimensionales que se manifiestan en sus obras al lado de referencias a la música y La Luna, dos de los iconos permanentes en su trayectoria.

En los años setenta, regresa a la figuración, embebido de sus anteriores experiencias y con un estilo artístico propio en el que sus obras adquieren una nueva dimensión conceptual: la que otorga al arte, no sólo una forma de expresión, sino, también, la categoría de un vehículo de transmisión de personalidades sensibles, emociones compartidas y de comunicación de sus propias inquietudes.

COMENTARIO

“La obra del pintor colombiano David Manzur, (Neira, 1929), ha logrado un grado de excelencia difícil de igualar no sólo por el talento que hace manifiesto, sino por el bagaje técnico y conceptual que la respalda. Hace varias décadas su trabajo tomó un rumbo independiente, alejado de los presupuestos modernistas y de urgencias vanguardistas, internándose en un derrotero personal que hoy, cuando la modernidad es cuestionada por su exagerado énfasis en los imperativos estilísticos, le confieren una vigencia que hubiera sido difícil de prever hace algunos años.” (Eduardo Serrano, historiador y crítico de arte).

OSCAR ZAPATA

Arquitecto y artista contemporáneo Óscar Zapata, que nace en la ciudad colombiana de Chinchina, realiza estudios en la escuela de Arquitectura y Artes de la Universidad Nacional de Colombia y el Postgrado en Diseño Urbano en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá.

El conjunto de sus creaciones artísticas está definido, por los expertos, como integrante del Nuevo Expresionismo Contemporáneo con predominio de las técnicas acrílicas y digital.

Su obra ha sido mostrada, en exposiciones individuales y colectivas, dentro y fuera de su país.

COSTA RICA

GILBERTO AQUINO

Tras realizar exposiciones individuales y participar en exhibiciones colectivas, nacionales e internacionales, Gilberto Aquino se consolida como uno de los representantes artísticos del arte latinoamericano.

Junto a una esmerada técnica, este pintor y músico asentado en Costa Rica, destaca por una de sus señas identitarias de su producción pictórica: el manejo que hace del color, y de las diferentes tonalidades que cada uno posee y que, los pinceles de este pintor, hacen que en sus obras sobresalga un variado surtido de colores vivos.

Tras realizar estas consideraciones sobre la fuerza que el color tiene en sus cuadros, otro de los rasgos a destacar en ellos es la temática elegida. Una temática que se encarga de resaltar la cultura latinoamericana y, en especial, el arte popular mediante sus conocidos cuadros con imágenes de mujeres y pinturas de peces.

ANA BEATRIZ SANCHEZ

Licenciada en Artes Plásticas, con la especialidad en Pintura, en la Escuela de Artes Plásticas de Costa Rica, la artista perfecciona su formación al lado de los maestros costarricenses Cristina Fournier y Manuel de la Cruz González.

Su producción artística está marcada por la continua investigación en el campo de las artes visuales, con predominio de la fotografía, el diseño y la pintura, caracterizada por una estructuración conceptual que tiene como base una temática anexionada al patrimonio e identidad nacional y a la naturaleza.

La trayectoria profesional de Ana B. Sánchez, está vinculada a un peculiar estilo expresionista en donde los colores y el grafismo destacan, junto a un marcado énfasis en la luz, que son los que se encargan de dejar una impronta en el reflejo exacto de su entorno costarricense.

CUBA

YOVANI BAUTA

Yovani Bauta nace en Cuba, donde se gradúa como profesor de Pintura y Dibujo en la Escuela Nacional de Artes de La Habana y como licenciado en Derecho en la Universidad de Matanzas.

Estadounidense de adopción, Bauta está considerado un creador multidisciplinar cuya creatividad y ansias de experimentación e investigación le llevan a introducirse en disciplinas que, aunque ligadas al arte, no comparten plenamente las premisas de las artes plásticas tales como, por ejemplo, el teatro o el ensayo literario.

Sin embargo, estas experiencias contribuyen a dar a sus creaciones plásticas un sólido poso y otorgan al artista una solvencia difícil de rebatir.

Su obra ha sido exhibida en diversos museos nacionales e internacionales de Estados Unidos, Suiza, España y otros países, además, de aparecer reseñada en libros y revistas de arte.

ARTURO MONTOTO

De orígenes humildes, este artista nacido en Pinar del Río, (Cuba), consigue desarrollar, a lo largo de su trayectoria profesional, su faceta creativa no sólo en el ámbito de la pintura sino, también, en otros engarzados con las artes plásticas como el muralismo, la escultura, el dibujo, el grabado y la fotografía.

Su pintura, ligada a la poesía, tiene su punto de inflexión cuando, una vez graduado en la Escuela de Arte de Pinar del Río y en la Escuela Nacional de artes de La Habana, obtiene una beca para estudiar en Rusia. El dilema se instala en su alma, cuando se da cuenta que ha de elegir entre ajustarse al estricto academicismo ruso y el deseo de seguir su propio impulso creativo e imaginativo.

Optando, finalmente, por la primera opción, Montoto consigue imbuirse de una formación que le proporcionará en su futuro profesional un dominio absoluto del método, de recursos y técnicas que le permite, a su vez, una impecable ejecución de sus obras y consolidar su deseo de acercar el arte a la vida y a la realidad de otros.

COMENTARIO

“Su tratamiento de la luz se corresponde, contrariamente a lo que muchos creen, con una cuidadosa observación de la importancia de las sombras en un país donde todo parece luz, por la intensidad de los rayos del sol tropical. Montoto es un maestro de la oblicuidad en la entrada de la luz al espacio pictórico. En sus cuadros nunca es mediodía.” (Yolanda Word).

REPUBLICA DOMINICANA

AMADO MELO

Amado Melo nace en Bani, (República Dominicana), y está considerado como uno de los artistas más relevantes de su país.

Se le considera un experto en la toma de sus propias circunstancias, que le llevan a una introspección íntima y que, a su vez, revierte en la investigación y en el análisis plástico.

Partiendo de la observación de un entorno natural, en apariencia simple y sencillo, Melo lo transforma en formas ovoides, lanceadas y oblongas entrelazadas y sueltas que transcriben a sus lienzos calidez y sensualidad.

Su lenguaje pictórico, suave, sugiere formas corporales que el artista asocia a una metafísica que conduce a una reflexión marcada por el erotismo y la sutilidad; consiguiendo que ambas imbuyan al espectador en el dilema de la creación humana a través de la desbordante fantasía del artista.

AMAYA SALAZAR

Amaya Salazar nace en Santo Domingo, (República Dominicana), y realiza estudios de formación en la Academia Artium, (España), y en la Escuela de Bellas Artes de Boston, (E.E.U.U.).

Su obra se caracteriza por la luminosidad que infiere a sus cuadros en los que son referencias las diferentes tonalidades solares; incluso cuando la temática representada son paisajes nocturnos siempre asoma por algún resquicio una luz interior que los ilumina.

Otra singularidad de su producción, estriba en la trascendencia que da a la flora como parte de un entorno que abraza a sus personajes.

Pero si existe algún rasgo especial y único en sus óleos, son sus famosas y conocidas figuras de mujeres mediante las cuales, Salazar, nos acerca a la intimidad femenina.

Artista multidisciplinar, no se resigna a utilizar sólo el óleo para transmitirnos sus mensajes; el bronce, el mármol, el carboncillo, la acuarela, el acero o la tinta son canales de perfecta comunicación entre ella y el público.

ECUADOR

MIGUEL BETANCOURT

Nace, en el año 1958, en la capital ecuatoriana de Quito y realiza su incursión en el mundo del arte de la mano del pintor Oswaldo Moreno a la edad de 16 años.

Dos años más tarde continúa su formación en E.E.U.U. en el taller del Milwaukee Art Center y, en 1987, es invitado por el Departamento de Estado a realizar una gira cultural por este país y recibe una beca para realizar un postgraduado en la Academia Slade School of Fine en donde conoce a Jhon Hoyland con el que entabla amistad.

La totalidad de la obra de Betancourt está integrada por una interesante variedad de técnicas que aportan a su trayectoria una gran diversidad; técnicas que el artista maneja con total frescura, firmeza y dominio.

Acuarelas, óleos, técnica acrílica, dibujo y un extenso etcétera, combinados con otros materiales y presentados en diferentes soportes, dan a su obra un enriquecimiento artístico, no siempre fácil de conseguir, que le llevan a ser merecedor de premios y reconocimientos del calibre del Premio Pollock-Krasner, (E.E.U.U., 1993), Premio Trienal de Arte Andinoamericano, (Chile, 1994), o el Premio Diógenes Toborda, (Argentina, 2000).

OLMEDO QUIMBITA

Olmedo Quimbita nace en la ciudad ecuatoriana de Latacunga, capital de la provincia de Cotopaxi, y se acerca al arte por deseo de su padre que le envía a estudiar con su amigo Manuel Canqui y, años más tarde, ingresa en el “Taller de Pintura de Los Parra.”

A partir de 1986, el artista comienza un periplo por diferentes países del mundo que se convierte en uno de los centros formativos más exquito y elitista; un largo viaje que marcará su producción artística plagada de grises y de paisajes andinos.

Sus visitas a los grandes museos y centros culturales europeos dan a sus obras un sólido poso, consiguiendo que la dimensión plástica, de este pintor ecuatoriano, consiga una perfecta armonización de los colores y sus diferentes tonalidades a la vez que permite la sincronía entre estos y la luminosidad.

COMENTARIO

“En muchas de mis obras podríamos asociar algo a la libertad, pero cuando vemos en alguna obra mía, pájaros que vuelan, seres que vuelan, es decir, estoy expresando la gente que se va de un continente a otro…”, (Olmedo Quimbita).

EL SALVADOR

ALBERTO CERRITOS

Miembro de la Sociedad de Artistas Plásticos Mexicanos, (SOMART), y de la Sociedad Salvadoreña de Artistas y Escritores, (UNARTES), el pintor Alberto Cerritos se gradúa en la Escuela de Pintura de la Dirección General de Bellas Artes de su país, en el año 1967, y reside desde hace años en Canadá su país de adopción.

Artista multidisciplinar, no elude desarrollar su pasión por el arte en soportes diferentes al lienzo y con técnicas que son ajenas al óleo, una opción que le incita al dibujo, la escultura y al mural.

La totalidad de su obra muestra un gran simbolismo que pone de manifiesto un desmesurado lenguaje plástico consecuencia de su dilatada trayectoria profesional.

Desde el año 1995, Cerritos investiga y desarrolla su obra dentro del denominado arte digital a la vez que estudia los diferentes procesos y técnicas del siglo XXI, adelantándose a un pensamiento y desarrollo del arte de épocas venideras.

ROMEO GALDAMEZ

El artista nace, en 1956, en Cinquera, (Cabañas, República de El Salvador), y estudia el Bachillerato en Artes en el Centro Nacional de Artes de su país, (1974); años más tarde adquiere la Licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Federal de Río Grande del Sur, (Brasil).

Es miembro de varios organismos e instituciones artísticas de los que cabe destacar la Red Internacional de Arte Correo, un organismo que vincula el arte a la comunicación, del Colectivo de Artistas Visuales La Fábri-k y, también, de la Asociación de Artistas Plásticos de El Salvador.

Maestro durante 22 años de comunicación gráfica, en México, y docente en el Centro Nacional de Artes, la obra plástica de Romeo Galdámez  ha sido exhibida tanto en su país como en el extranjero, ya a través de exposiciones individuales como colectivas.

En su producción artística tiene un lugar preferente la técnica serigráfica, que utiliza para mostrar imágenes de la cultura popular, especialmente, latinoamericanas. Consigue con ella composiciones perfectas, en cuanto a lo visual y al detalle, a las que le da un marcado acento de identidad regional y local.

Es de destacar la filosofía, de este artista salvadoreño, sobre la importancia que tiene la comunicación del arte; comunicación que desea transmitir con sus obras para lo cual incorpora a la misma elementos del ámbito postal como, por ejemplos, sellos, estampillas y postales.

ESPAÑA

RICARDO GALAN URREJOLA

Nacido en la ciudad gaditana de San Fernando, Ricardo G. Urréjola inicia su camino en el mundo del arte desde muy temprana edad.

Realiza estudios en la Facultad de bellas Artes, “Santa Isabel de Hungría”, de Sevilla, y de grabado en la Escuela de Arte de Olot, (Girona).

Licenciado en Historia del Arte, que compagina su labor educativa con la de artista, se le considera el “pintor de ciudades” a pesar de que el artista no elude otro tipo de representaciones.

Su obra se caracteriza por un marcado acento realista, siendo uno de sus trabajos más relevantes el que realiza una comparación estética y conceptual entre las ciudades de Londres y Madrid.

La metodología de la producción, que fundamenta la obra de Urréjola, está ligada a la percepción de su entorno al que otorga matices genuinos de su propia percepción, utilizando como lenguaje de comunicación la pintura.

COMENTARIO

“Siento tendencia a la abstracción y uso parte de sus técnicas, por eso creo que tengo un estilo que concilia ambas corrientes, el realismo y la abstracción.” (Ricardo G. Urréjola).

ANGELES JORRETO

La pintura figurativa de frutas, bodegones y composiciones florales marcan los inicios de la carrera profesional de esta artista gallega que, con vigorosas y enérgicas pinceladas, enfatiza el color, sobre todo los azules, tanto en sus acrílicos como en sus óleos.

La evolución de Jorreto hacia la abstracción aparece por la necesidad de capturar la esencia, lo que casi provoca una producción pictórica en la que predomina lo neutro y la negación del color; en la que, a pesar de ser una magnífica dibujante, el dibujo llega a una mínima expresión y se transforma en sutiles líneas que dan paso a una presencia absolutamente colorista, ocasionando que la mancha adquiera una máxima relevancia.

Considerada una de las figuras más representativas de la pintura gallega, la artista comienza su andadura expositiva en el año 1986, alcanzando su cenit en 2008 con la realización de exposiciones en el extranjero que solidifican su trayectoria.

COMENTARIO

“Tal vez empezó con el paisaje y las flores pero se adentró, sorprendiendo a todos, en el mundo de la figuración con cuadros que pueden estar en la contemplación intimista porque son de pequeño formato, hasta tamaños inimaginables como si se tratase de murales, con el riesgo evidente que conlleva la composición, de lo que siempre sale airosa.”, (Pedro Solveira, pintor y escultor).

GUATEMALA

RODOLFO ABULARACH

Abularach nace en Guatemala y realiza estudios en California, (1953), en México y en otros países y, aunque ingresa en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Guatemala, se podría afirmar que es un artista autodidacta que ha logrado llegar a ser un punto de referencia imprescindible en el arte guatemalteco.

Residente en Nueva York, el realismo, que en sus comienzos impregna sus obras, está considerado como una clara manifestación de su yo interior.

Con el paso de los años, junta elementos del arte abstracto y del surrealismo que le lleva a experimentar y a adquirir un absoluto control de la textura. Son estos ciclos artísticos, los que caracterizan toda la obra de este pintor para quien la técnica jamás es un fin en sí mismo, sino que es un vehículo que utiliza para plantear, objetivamente, la problemática existencial a través de un ángulo conceptual.

Su realismo fantasmal esta determinado por el manejo de la luz y las diferentes tonalidades que captura con ella.

Intelectual paradigmático, con el limpio trazado que adquieren sus líneas, consigue el movimiento lineal, el dominio absoluto del espacio y el enérgico control mental que pone de manifiesto su obra.

Abularach, alcanza la cima de su trayectoria con la creación de sus características imágenes, aumentadas, del ojo humano que le llevan a ser conocido internacionalmente.

MYNOR ESCOBAR

Licenciado en Artes Visuales y Arquitectura, Mynor Escobar inicia su contacto con las artes plásticas hace más de treinta años, orientando su obra hacia una línea, claramente, figurativa.

Durante muchos años compagina su faceta de pintor con la de ilustrador infantil colaborando, con sus ilustraciones, en la revista “Chicos del Diario prensa Libre” y con su faceta de publicitario, diseñador gráfico y docente del “Programa de Diseño Gráfico” en la Universidad de San Carlos de Guatemala.

En el año 1984, se introduce en el movimiento artístico de su país gracias a su aportación creativa que es reconocida por el Ministerio de Cultura y Deportes, con la consideración de “Joven Valor de la Plástica Guatemalteca”, y, en 2007, con el nombramiento de “Artista Revelación del Año”, galardón que le concede la “Organización Artista del Año”.

Miembro del Sindicato Nacional Toral de Trabajadores y artistas de la Plástica Guatemalteca, Escobar ha expuesto sus obras en exposiciones, nacionales y extranjeras, colectivas e individuales.

HAITÍ

FRITZNER CEDON

Fritzner Cedon nace en Puerto Príncipe y realiza estudios en el Lyceé Toussaint Louverture y en el Athenee Art Studio.

Consumado artista, sus obras se fraguan mediante representaciones de las figuras humanas representadas, habitualmente, en grupos de trabajadores rurales y se caracterizan por su preocupación por el detalle.

Maestro del arte haitiano, en 1983, crea el estudio de arte “Los Primitivos” como punto de reunión de sus obras y como un espacio que permita exponer y difundir la obra de los artistas jóvenes haitianos. Posteriormente amplia este espacio para dar acogida, también en él, a pintores caribeños de Cuba y de la República Dominicana.

Su obra, en la que el color y el detalle ocupan un lugar de honor, ha sido mostrada en exposiciones y bienales, en su Haití natal y en el extranjero.

JEAN PHILIPPE MOISEAU

Jean Philippe Moiseau, nace en la ciudad de Pétion-Ville situada en las inmediaciones de la capital de Haití, Puerto Príncipe.

Desde muy joven son la curiosidad, la complicidad y la comunicación, unidas a la sensibilidad, el apego a la honestidad y la sinceridad lo que marca su obra artística; señas de identidad que el artista no considera compatibles con las simulaciones y la mediocridad.

Realizando estudios en la Escuela de Bellas Artes de su país, es cuando J.P. Moiseau reafirma su talento y su pasión por el arte.

Personalidades como las del pintor y escritor Stphen Frank, el artista Guayamasin o el pintor Guido Reni, son sólo algunas de las que marcan e influyen, definitivamente, en su trayectoria artística en el gran escenario del mundo del arte.

La obra de este artista haitiano nos adentra, en definitiva, en este fenómeno global y multicultural en el que se ha transformado el reciclaje creativo.

HONDURAS

FRANCISCO ALVARADO

Francisco Alvarado nace en Honduras aunque reside en Nueva York desde los 16 años; allí cursa estudios en el Stony Brook de la Universidad Estatal de la ciudad neoyorquina.

Tras aplicar su creatividad al mundo literario, en el año 1978 comienza una inusitada trayectoria como artista en donde destaca en la técnica pictórica y en las artes visuales.

Pronto realiza su incursión expositiva, en la muestra colectiva “36 Horas”, que para Alvarado significa su despegue profesional, un notable incentivo para su creatividad.

Sus cuadros, cuya temática se fundamenta primordialmente en la representación de la flora y la fauna, están modulados por una marcada sensualidad humana.

IVAN SOTO

Iván Soto nace en San Estaban(Olancho, Honduras), y realiza estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes.

Sus obras, en las que abunda la temática metafísica y espiritual, se caracterizan por la fusión del figurativismo y la abstracción.

La evolución artística, de este artista hondureño, estructura una línea creativa en la que presenta sus cuadros en base a una succión de la realidad, circunstancia que él mismo considera esencial y primordial atendiendo a su criterio filosófico del arte y que deja de manifiesto con las siguientes palabras: “Lo mínimo, lo principal, el núcleo e la idea que quiero expresar mediante las manchas, la esquematización y la geometrización de las formas.”

MÉXICO

HERMINIA PAVON

Nacida en la ciudad de México, Herminia Pavón adquiere la Licenciatura en Decoración de Interiores y estudia Artes Plásticas en la Universidad Iberoamericana.

Los maestros Manuel Arrieta, José Luis Cuevas, Manuel Felgueres y Alfredo Guati Roso, dejan en ella una impronta artística que la pintora se encargará de aprovechar a lo largo de toda su trayectoria.

En su tarea pictórica, uno de los particulares a destacar es la utilización de diferentes materiales con los que consigue dar a sus creaciones determinados efectos y transparencias, provocando que al espectador le sea imposible no introducirse en sus obras e integrarse en ellas.

Hojas de plata, acrílicos, pinturas y metales, son los colores, formas y espacios que ocasionan ingrávidos cuerpos yuxtapuestos, se transforman en sinuosas curvas y confieren a sus cuadros un ritmo y un compás que conviven en una excelente armonía.

COMENTARIO

“Quiero romper esquemas para que los colores se transformen en acordes que se mueven y bailan al ritmo de nuevas formas o de nuevos personajes, quiero ser maga para que, al mirar mis pinturas, puedan escuchar una nueva sinfonía cromática que los llene de la alegría de vivir.” (Herminia Pavón).

VICTOR RODRIGUEZ

El pintor mexicano, artista casi autodidacta afincado en Nueva York desde 1997, comienza su periplo artístico en la década de los noventa en unos instantes en que el arte buscaba nuevas formas de expresión y manifestación.

Fiel a si mismo y en contra de las modernidad conceptual de la época, Víctor Rodríguez mantiene su propia línea de experimentación en la representación pictórica y en la búsqueda de la estética a través del lienzo, los colores y las formas; poniendo su énfasis en una reflexión de la historia de la pintura de Occidente.

Caracterizan sus obras, producidas en la primera etapa de su trayectoria profesional, las referencias a la publicidad, el comic y a la cultura para, en los primeros años del siglo XXI, realizar un giro hacia una creación que resalta el malestar y en donde sus imágenes, especialmente los retratos, están plagados de actitudes, proporciones y gestos desconcertantes y contundentes.

NICARAGUA

ELOY MONDRAGON

Artista autodidacta, desarrolla su sensibilidad creativa desde su infancia y dentro de su entorno familiar. Un entorno en el que los recursos artísticos materiales escasean, una circunstancia que no es óbice para que el artista nicaragüense desarrolle su actividad pictórica.

Se inicia en el mundo del arte de la mano del dibujo al que pronto asocia la pintura, decantándose, en un principio y en ambas disciplinas, por la ejecución de pequeños y medianos formatos.

Mondragón realiza, muy pronto, su incursión en los ambientes expositivos en galerías de su país, Nicaragua, para con posterioridad hacerlo en otros lugares.

Aunque su obra acrílica es la más conocida, con su característico predominio de colores vivos e intensos, no se abstrae de la experimentación e investigación con otros materiales y técnicas como el grafito, la plumilla y el óleo.

JUAN RIVAS ALFARO

Juan Rivas Alfaro nace en Ciudad Darío, (Nicaragua), y realiza estudios de Bellas Artes en el Montgmery College, de Marylan; en el Centro de Enseñanza Gráfica de Caracas, (Venezuela), y Bellas Artes en Aix-en-Provence, (Francia).

Su obra está considerada, por el escritor y pintor Donaldo Altamirano, como “una propuesta de rigurosa arquitectura visual”, en la que el artista no se olvida de provocar una transmisión de emociones humanas y un análisis de los sentimientos, a través de su creatividad, y en la que la simbolismo y la metáfora son dos de sus señas de identidad.

El artista ha recibido premios y menciones por varios de sus trabajos y realizado exposiciones, colectivas e individuales, nacionales e internacionales.

PANAMA

MANUEL MONTILLA

Artista autodidacta, Manuel Montilla, desarrolla una vida profesional vinculada a la disciplina pictórica sin dejar al margen, de esta actividad, otros campos como, por ejemplo, el de investigador visual, comunicador, gestor cultural y curador; actividades estrechamente ligadas al mundo del arte.

Desarrolla, así mismo, diversas técnicas lo que le permite un amplio espectro creativo que evoluciona de la mano de óleos, collages, acuarelas, ensamblajes, instalaciones, acrílicos y técnicas mixtas que, a su vez, combina con la escultura, la cerámica, el muralismo o la fotografía.

En 1968, el artista comienza su aventura expositiva realizando, desde entonces, multitud de exhibiciones, individuales y colectivas, y asistiendo a alrededor de sesenta bienales.

COMENTARIO

“Manuel Montilla para los “Informados”, es un artista, que ha marcado pausas importantes dentro de la Pintura Panameña, dotado de gran genialidad ha sabido construir a través de sus continuos proyectos, una vigorosa atención, que le ha permitido desarrollar, allá en los extremos confines de la nación, una realidad vital y digna de apreciar.” (Arístides Ureña Ramos).

CESAREO YOUNG

Artista panameño, se inicia en el mundo del arte formándose a fondo en diferentes métodos y técnicas de pintura, dibujo y cerámica en los talleres artísticos privados de grades artistas como Carlos Arboleda y Olga Sánchez Borbón que le motivan a introducirse en la investigación de diferentes disciplinas.

En 1992, realiza su primera exposición,”Proposiciones”, lo cual significa el comienzo de una clara y constante trayectoria profesional a lo largo de la cual realiza exposiciones, colectivas e individuales, en su país y en el extranjero.

Co-fundador de la empresa cultural “Casa Cultural Huellas”, encaminada a acercar el arte a la comunidad, Young participa, en 2009, en el “Grupo de Estudios Peirceanos” de Panamá orientado hacia la investigación de la semiótica en las artes plásticas.

A finales de la primera década del siglo XXI, su interés se encamina hacia la utilización de elementos de decoración popular y la creación de objetos escultóricos que le conduce a una exploración de la cultura panameña teniendo en cuenta la aplicación de varias disciplinas, (collages, ensamblajes, fotografía digital, videos…).

COMENTARIO

“Creo que el trabajo debe ser una diversión, un método de contar algo o un proceso de crear, de desahogo.

Me gusta crear a partir del descubrimiento sin receta estricta, ni temática ni técnicamente.” (Cesáreo Young).

PARAGUAY

RICARDO MIGLIORISI

Este icono del arte guaraní, nace en la ciudad de Asunción, (Paraguay), y siente una irrefrenable atracción por el arte desde muy joven. Estudia pintura con la Maestra Cira Moscarda en cuyo taller, además de dar rienda suelta a su creatividad, Migliorisi aprende todas las técnicas posibles y adquiere unos amplios conocimientos sobre Historia del Arte.

Dado que en aquellos años no existían las Universidades de Arte y este artista tenía muy claro que quería dedicarse a las artes plásticas, estudia arquitectura como la opción que más vínculos de unión podía tener con sus inquietudes.

Vestuarista y, también, escenográfo, el artista enlaza sus creaciones con el mundo teatral; creaciones en donde las transparencias y las texturas dan vida a los objetos y se unen a la utilización de colores y contrastes que caracterizan su obra.

Con un universo onírico infinito, su producción artística está llena de magnetismo, fuerza, alegría y magia que invaden sus peculiares personajes definidos por la jocosidad y la fantasía.

COMENTARIO

“No creo que entre en algún estilo. Lo que pasa es que a mi me gusta reinventarme. Me aburro enseguida de las cosas y necesito estar siempre explorando otros caminos.” (Ricardo Migliorisi).

EUGENIA ORTIGOZA

Artista plástica nacida en San Estanislao, (Paraguay), Eugenia Ortigoza se siente atraída por la pintura desde muy pequeña; una afición que, con el paso de los años, convertirá en su profesión y la llevará a ser considerada uno de los puntos referenciales de la pintura guaraní.

Tras una formación académica, comienza a exponer a partir del año 1994 y, entre 1997 y 2011, imparte clases en seminarios de dibujo y pintura, diferentes talleres artísticos y en el Instituto Superior de Bellas Artes.

Realiza su obra, enmarcada en un estilo realista, a través del empleo del óleo y de la tiza pastel y con una temática indígena que Ortigoza ensalza por medio de sus bodegones, retratos, frutas y diversas escenas autóctonas.

El detalle y la textura cromática la llevan a conseguir una gran luminosidad, una composición espacial en la que los fondos, casi siempre abstractos, son determinantes y ponen de manifiesto la sensibilidad plástica de la artista.

Su preocupación por la minuciosidad, casi transforma su realismo en un hiperrealismo caracterizado por lo enigmático y lo misterioso.

COMENTARIO

“La obra de Eugenia Ortigoza se caracteriza por su perfección formal. Su técnica impecable es el resultado de su ardua dedicación al dominio del color y de los distintos medios de expresión pictórica: la pincelada, la textura, el tono exacto.” (Osvaldo González Real).

PERU

TEOBALDO NINA

Artista peruano que estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima, su obra destaca por la luminosidad de sus acuarelas, el trazo firme y consolidado que confieren a su técnica un total dominio.

Destacado acuarelista, que consigue su primer premio gracias al dibujo, sus obras, que suelen representar paisajes, destacan por su soltura en el empleo de los colores que despiertan en el observador un tendente sentimiento de melancolía y añoranza.

Sus trabajos al óleo, vinculan a Teobaldo Nina a un peculiar expresionismo en el que las composiciones, los personajes y el cromatismo producen una distorsión perturbadora y lacerante ausentes en sus acuarelas.

En el ritmo que Nina imprime a sus trabajos no hay lugar para lo decorativo, con lo que estos están cargados de una trascendente objetividad estética y un contrapunto claro-oscuro de contornos delimitados por trazos marcados; en donde se perciben las gamas “sordas” de tierras, blancos, negros y grises.

COMENTARIO

“La pintura y acuarela de Teobaldo Nina, ambas con sus propias cualidades, ambas reflejando la sensibilidad de un artista en su tránsito por matices tan valiosos y disímiles como la vida misma, pero hábilmente hilvanados con creativa prolijidad. Entrega el mensaje, es tarea del público descifrarlo sabiendo de antemano que cualquier interpretación es válida. Finalmente todos tenemos ola capacidad de sentir y eso ya es suficiente.” (Fernando Torres, director cultural de ICPNA).

VICTOR SALVO

Nacido en Lunahuaná, (Lima, Perú), se forma en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes de su país y realiza estudios de dibujo, pintura y grabado con los artistas Díaz Mori, Jorge Ara y Galdós Rivas.

La singularidad de la obra artística de Jesús V. Salvador Portuguez, que adopta el nombre artístico de Víctor SALVO, radica en un extenso repertorio visual que tiene como punto de partida iconografías y motivos del arte precolombino.

Los paisajes, las escenas, los personajes y los ambientes populares, que pueblan sus lienzos, no son otros que los que el artista tamiza de una realidad que configura su entorno más cercano.

Caracteriza sus primeras obras la plasmación de reminiscencias preincas, con temas de fuerte contenido estético para conferir a sus obras, de épocas posteriores, una temática en la que SALVO maneja la figura con cargas regionales de impronta mítica y suministrándoles una visión telúrica expresionista que dan a su producción un interesante aspecto de particularidad.y singularidad.

PORTUGAL

ANTONIO CARMO

El artista nace en Madragoa, uno de los barrios lisboetas más populares, y estudia pintura en la Escuela de Artes Decorativas “Antonio Arroyo” de Lisboa, (Portugal), y durante años ha ilustrado artículos de prensa escrita y libros de escritores portugueses.

Gran amante de la música, sus cuarenta años de actividad artística está avalada por gran cantidad de exposiciones, individuales y colectivas, realizadas en su país y, fuera de él, en los cinco continentes; por un gran palmarés de premios, menciones y reconocimientos y por la gran acogida que tienen sus inauguraciones.

La obra de Antonio Carmo se caracteriza, en su mayoría, por ser un canto a la vida y a la esperanza incluso cuando la temática tiende a caer en la melancolía y la añoranza. Es, entonces, cuando la vigorosidad cromática instalada en sus lienzos trasladan a los espectadores a un espacio en el que reina la alegría y en donde el dramatismo no tiene cabida.

Los temas más específicos de este artista portugués, son la escenas florales y las vegetaciones exuberantes que envuelven a parejas entrelazadas y, sobre todo, las figuras femeninas. Temática, esta última, con la que el pintor se siente especialmente cómodo; “sus” mujeres imaginarias y “sus” mujeres reales trabajadoras del campo, cantando o escribiendo pero, sobre todo, llenas de fortaleza y optimismo.

CRISTINA TROUFA

Licenciada en Pintura por la Universidad de Bellas Artes de Oporto, (Portugal, 1988), obtiene la maestría en esta especialidad, en el año 2012, y es co-fundadora de la Asociación de Escultura y Arte Contemporáneo.

A través de sus obras, y como si fuera el único camino posible, la artista explora el mundo interior y espiritual intentando llegar a un conocimiento personal e íntimo en el que los demás parecen no tener cabida.

Lo sutil y lo liviano de sus representaciones, nos sumergen en el complejo mundo de plasmar emociones y sentimientos, de una forma muy intimista, a través de representaciones de conductas cotidianas como puede ser, por ejemplo, el atarse unos zapatos, cortar un hilo o una mirada perdida en el infinito mientras la mente se refugia en pensamientos ajenos a ellas.

En sus acrílicos es frecuente ver la figura de la propia Cristina Troufa, como partícipe de esas escenas en las que la combinación de los detalles y los espacios vacíos son una constante en su obra y, también, una aparente contradicción. Una contradicción, que sólo puede ser comprendida si tenemos presente el constante interés de la pintora por llegar al conocimiento de lo más íntimo; inquietud de la que deja constancia con las siguientes palabras: “El tema de mi trabajo es mi vida, de mi misma y mis creencias. Exploro en mi trabajo la auto-comprensión en la búsqueda de mi yo interior, mi autorretrato”.

PUERTO RICO

LUIS HERNÁNDEZ CRUZ

El arte costumbrista, paisajista y figurativo realizado durante las primeras etapas pictóricas de este artista puertorriqueño, desembocan en la perfección abstracta que Luis Hernández Cruz alcanza en las últimas décadas y que le otorgan el merecido rol de Maestro de la abstracción, convirtiéndole en un icono del patrimonio artístico de la vanguardia de su país, Puerto Rico, de la segunda mitad del siglo XX.

Colores, pigmentos, formas, texturas y recursos se amalgaman bajo la creatividad y técnica del pintor hasta conseguir una estética que raya en la perfección.

50 años de experiencia profesional, confeccionan un amplio currículo vitae en su formación y en su trayectoria. Una trayectoria que comienza cuando realiza el Bachillerato en Artes de la Universidad de su país, la Maestría en Artes en la American University de Washington DC y durante el lustro, (1995-2000), en que fue Director del Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico y Director del Departamento de Bellas Artes.

Enamorado del color y de la vertiente abstracta del arte, Hernández Cruz, cristaliza la obra de su última década en la abstracción geométrica en la que la figura humana se visualiza tras un manto de celosías de fuertes colores, dejando intuir un sutil y sugerente erotismo.

La abstracción formalmente geométrica, que emanan sus pinceles, se caracteriza por líneas, cuadrados y rectángulos que configuran un conjunto, una estructura pictórica de gran calidad lírica.

FRANCES PICO

Frances Pico realiza estudios de dibujo y pintura en la Art Studes League con profesores de la notoriedad de Jimmy Shine, Ramiro Pazmiño y Mercedes Quiñónez, entre otros, quienes influyeron en la futura trayectoria de la artista y pintora puertorriqueña.

En el año 1998, ingresa en la Escuela de Artes Plásticas en donde coincide con Rafael Rivero Rosa, Ernesto Pujol, Julio Suárez y Luis Felipe López.

Tras años de formación, de paciente acumulación de conocimientos, es la década de los noventa la que determina su proyección profesional e internacional y que, además, coincide cuando toma la determinación de dedicarse exclusivamente a su trabajo artístico.

Sus obras, de aquella época, se caracterizan por formas que rozan la abstracción, por un lenguaje íntimo y espiritual que fraguarán en la abstracción pura posterior. En su última etapa el color y las formas adquieren una gran relevancia en sus cuadros, solamente superada por la obsesión de Pico por las texturas, como elementos visuales que invitan a penetrar en cada uno de sus lienzos.

URUGUAY

DAMIAN IBARGUREN

Pintor y muralista, el artista nace en Fray Bentos, (Uruguay), aunque la mayor parte de su infancia y adolescencia la vive en Argentina y en Suecia, país en el que empieza a recibir clases de dibujo y pintura de su padre, también pintor, y asiste a varios talleres artísticos de esta última disciplina.

De formación, prácticamente autodidáctica, su nexo con el arte, y en particular con la pintura, nace de la mano de una exquisita sensibilidad artística vinculada a su familia.

En 1985, tras la restauración democrática en su país, regresa a su ciudad natal y unos años más tarde ingresa en la Facultad de Arquitectura de Montevideo.

Su obra la realiza, fundamentalmente, sobre material que recicla y, en mayor medida, sobre telas y en cartón recogido de la calle.

De resaltar es, también, la faceta de muralista de Ibarguren; una faceta que es el máximo exponente del afán del artista de trasladar su creatividad a soportes más ambiciosos y a una búsqueda incansable de la perfección.

COMENTARIO

“… arranca el amor cuando pongo los primeros colores, creo las primeras imágenes. Es un impulso similar al conocer una novia nueva, todo romance y cariño, son días buenos de sol.

Luego… el tedio de tener que terminar el cuadro. Se pierde el romance, el afecto, la cosa empieza a complicarse…” (Damián Ibarguren).

ROSARIO DE MATTOS

Profesora de Física y Química, Rosario de Mattos nace en la ciudad uruguaya de Tacuarembó y, en 1965, comienza a inclinarse hacia el mundo artístico lo que le lleva a formarse en los ámbitos de la escultura y la pintura asistiendo a los talleres de grandes maestros como, por ejemplo, Leopoldo Correa, Olga Piria,, Cléver Lara o Sergio Viera.

Aunque su inspiración artística radica en los sentimientos, ello no la aparta de una técnica depurada como consecuencia de su afán por renovarse y estar en permanente experimentación.

La temática del primer periodo artístico de Mattos da especial importancia al paisaje urbano y rural.

Influencia por el impresionismo, en cuanto al color y la luz, en su última etapa apuesta por el arte abstracto por medio del cual pone de manifiesto su gran conocimiento del color, la luz y la forma.

Su obra, exhibida tanto en exposiciones individuales como colectivas, forma parte de colecciones privadas nacionales e internacionales.

Cabe destacar los tres referentes artísticos de esta pintora uruguaya: Rembrandt, Cézanne y Van Gogh.

VENEZUELA

EMILIANO BORGES

Arquitecto de profesión, Emiliano Borges exprime sus conocimientos sobre arquitectura y de diseño industrial y gráfico para emplear la pintura como un mecanismo investigativo, encaminado a utilizar la figura humana como parte primordial de su obra confiriéndole una importancia que va más allá de la que da a los rostros.

Docente y director de Arte en Barcelona, juega con los significados y los significantes dejando intuir más que mostrando y encaminando al público hacia interpretaciones personales.

Su producción artística se caracteriza por ser un estudio más sobre el artista que sobre el arte, en la que la tensión la consigue con las diferentes y diversas conjunciones cromáticas.

La utilización de grafismos informales determina la obra de este artista, para quien la realidad externa es una mera variable que provoca la representación emocional.

JOE PALMAR

El artista nace en la capital venezolana, Caracas, en donde estudia durante cinco años Diseño Gráfico e Industrial y en el Instituto de Diseño Perrera, de esta misma ciudad, en donde más tarde ejerce la docencia. En 2006, se traslada a Florida y estudia Fotografía en la Escuela de Arte de Boca Ratón.

Aunque en sus comienzos, Palmar trabaja como fotógrafo, la pintura pronto llama su atención y a ella decide aplicar sus conocimientos de aerografía.

Influenciadas por la arquitectura y la mecánica industrial, en sus obras tienen una vital importancia el color y sus diferentes tonalidades que permiten que en ellas esté presente la armonía, casi de manera obsesiva.

A través de los colores, los efectos emocionales y psicológicos que predominan en su producción son patentes y, al mismo tiempo, determinantes para poner de manifiesto su propio desarrollo emocional, personal y profesional.

COMENTARIO

“En la organización de la composición de mis obras se combinan la estética y la dinámica, lo que permite que el ojo fluya alrededor de mecanismos simulando movimiento continuo.” (Joe Palmar).

Etiquetas: (autora del cartel de la exposición), Alberto Cerritos, Amado Melo, Amaya Salazar, Ana Beatriz Sanchez, Angeles Jorreto, Antonio Carmo, arte, arte digital, artistas, Arturo Montoto, Beatriz Ansede Bonome, Carlos Rimassa, celebraciones, Cesáreo Young y Óscar Zapata, Chico Tupynamba, conmemoraciones, Cristian Aviles, Cristina Troufa, cultura, cultura digital, cumbre, Damián Ibarguren Gauthie, David Manzur, Día de la Hispanidad, Eloy Mondragon, Emiliano Borges, Ermelinda Almeida, Eugenia Ortigoza, Exposiciones, Frances Pico, Francisco Alvarado-Juárez, Fritzner Cedon, galerías, Gilberto Aquino, grabado, Guía, Herminia Pavon, III Cumbre de Arte Latinoamericana, Ivan Soto, Jean Philippe Moiseau, Joe Palmar, Juan Rivas Alfaro, Laberintos del Arte, Luis Hernandez Cruz, Mamani Mamani, Manuel Montilla, Marcelo Vergara Martínez, medios audiovisuales, Miguel Betancourt, muestras artísticas, MUSEO KARURA ART CENTRE, museos, Mynor Escobar, Olmedo Quimbita, pintoras, pintores, pintores latinoamericanos, pintura, Ricardo Galan Urrejola, Ricardo Migliorisi, Rodolfo Abularach, Romeo Galdamez, Rosario de Mattos, Second Life, Teobaldo Nina, vídeos, Victor Florido, Victor Rodriguez, Victor SALVO, Yovani Bauta