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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC)

“COMPARTIENDO ARTE”


TEXTO DEL PROYECTO PRESENTADO AL CONGRESO INTERNACIONAL SLACTIONS 2010

GÉNESIS

La decisión de organizar la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE” nace de la pregunta que se hace la Dirección del museo sobre cuantas personas conocen a los pintores latinoamericanos de la talla de Rufino Tamayo, Joaquín Torres García, o Tarsilia de Amaral y que están, sin lugar a dudas, al mismo nivel de Picasso, Magritte, Dalí o Pascin, Gaugin, pintores europeos de los que todos hemos oído hablar alguna vez.

Para aquellos que estamos relacionados con el mundo del arte, estos nombres nos son conocidos y sabemos de su biografía, su trayectoria artística y sus obras; para los que se mueven en la periferia del mundo artístico, lo son un poco; sin embargo gran parte del gran público los desconoce.

El arte latinoamericano es un gran desconocido para el público en general y esta realidad ha sido la génesis o punto de partida para que la Dirección MKAC organizara, con motivo del “Día de la Hispanidad”, (12 de octubre), la exposición “COMPARTIENDO ARTE” e intentar paliar, en la medida de sus posibilidades, esta gran laguna.

PRESENTACIÓN

“COMPARTIENDO ARTE” reúne a artistas de toda Latinoamérica en cuyo término se incluyen, obviamente, a los artistas españoles, además del artista español autor del cartel de la exposición.

Un total de 44 artistas, representando a toda Latinoamérica, (22 países), con dos obras por artista, (un total de 88 obras), y el cartel de la exposición realizado por el pintor español Xavier Magahlaes, en cuya selección se han tenido en cuenta varias variables, encabezadas por la de la calidad, que dieran a la exposición un cariz educativo, pedagógico y multidisciplinar que otorgaran a esta muestra artística una visión lo más completa posible del arte latinoamericano.

Para ello se han seleccionado tanto a artistas emergentes, que aportaran su frescor, nuevas técnicas y nuevos puntos de vista sobre pintura, y también a artistas con una trayectoria artística consolidada que aportaran su madurez y gran experiencia.

Otra variable en la selección, atiende a la variedad y diversidad de estilos artísticos que demostrarán, a quienes visitan la exposición, que Latinoamérica es tan rica en ellos como lo pueden ser otros continentes.

Con el mismo objetivo se tuvo en cuenta, en la selección previa, la variable de la técnica, (óleo, acuarela, aguafuerte, ilustración, acrílico…), para que todas ellas estuvieran representadas en esta exposición.

Por último, otra variable a tener en cuenta fue la de la temática de las obras, que igual que las anteriores, debía ser diferente y plural para constatar que la pintura latinoamericana va más allá de un realismo vistoso y lleno de colorido plasmado en una exuberante vegetación y que trasciende a los tópicos del folcklorismo y el localismo.

Imagen de los 3 edificios del MUSEO KARURA ART CENTRE que acogieron la exposición.

 OBJETIVOS.

Objetivos generales

– Conmemorar el “Día de la Hispanidad”.

– Promocionar y dar a conocer el arte latinoamericano.

– Poner de manifiesto la independencia, singularidad y la propia identidad del arte latinoamericano en relación a la adopción de modelos y arquetipos con respecto de la herencia artística europea.

– Promover el arte y la cultura latinoamericana.

– Establecer nexos entre estos y el arte y cultura españoles.

– Conexionar la pintura con otras manifestaciones artísticas, (cine, música…)

– Demostrar la importancia de las nuevas tecnologías de la información y de la comunicación en proyectos de esta índole.

– Evidenciar la transcendencia y la relevancia de las nuevas plataformas y programas  informáticos en el arte.

Objetivos específicos

– Informar al público sobre los distintos y diversos estilos, técnicas, temáticas y recursos artísticos del arte latinoamericano.

– Potenciar y promocionar a los artistas latinoamericanos, su obra y su trayectoria artística.

– Establecer lazos profesionales entre los artistas participantes en la exposición con independencia del país o continente al que pertenecen.

– Impulsar y divulgar el arte de todos los artistas través de las nuevas tecnologías.

– Demostrar a los propios artistas la trascendencia de las TICS en la difusión y expansión de sus trayectorias y obras.

PLANIFICACIÓN Y TEMPORIZACIÓN

La planificación y temporización, de la  exposición “COMPARTIENDO ARTE”, se realizan en función de los objetivos descritos y en del día en que ha de ser inaugurada: el 12 de Octubre de 2009.

La exposición se comienza a preparar en el mes de febrero y el primer contacto, vía e-mail, con un artista se produce el día 22 de abril de 2009.

La  secuencia y directrices se elaboran de la forma que se especifica a continuación:

a) Investigación, búsqueda e información sobre arte y artistas latinoamericanos en enciclopedias, monografías, nuevas tecnologías y otros recursos.

b) Selección de artistas: atendiendo a la diversidad y variedad programada por la Dirección del MKAC, (técnicas, estilos, temáticas y recursos).

c) Contacto: se establece vía e-mails con los artistas y, en su defecto, a embajadas, consulados, Ministerios de Cultura y Educación y otros organismos y asociaciones oficiales de carácter público y privado.

d) Presentación: en función del contenido, metodología y objetivos de la exposición.

e) Selección de obras: en primer lugar, se seleccionan en función de la calidad y, a continuación, en función de las variables mencionadas anteriormente.

f) Elaboración de textos: biografía, crítica, curriculum… de cada uno de los 44 artistas y fichas técnicas con los datos de cada una de las 88 obras presentadas, (título, autor, fecha, dimensiones, técnica, estilo, siglo y localización).

DESARROLLO Y METODOLOGÍA

UBICACIÓN

La exposición ocupa todas las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE: Edificio Principal, Edificio Schumann y AULARIUM.

En los dos primeros se ubican el nombre, fotografía, currículum y biografía de cada uno de los artistas; las obras con datos técnicos y la bandera y nombre del país con datos generales del mismo, (capital, idioma, superficie, sistema de gobierno, población, moneda, densidad demográfica y gentilicio).

Ejemplo de la exposición, correspondiente a Paraguay y a los artistas que participaron en la exposición representando a este país: Osvaldina Servian de Bulnes y Félix Toranzos.

En el AULARIUM se ubica, a fin de situar la exposición en un contexto geográfico, político y social e informar de ello a los visitantes, una muestra sobre Latinoamérica y España con paneles y textos informativos sobre sus aspectos generales: generalidades, etimología, educación, economía, población, religión, deportes, sanidad, literatura, música, defensa, cine, teatro, pintura, ciencia y tecnología.

Fotografía del AULARIUM.

PRESENTACIÓN

La presentación e inauguración de la exposición “COMPARTIENDO ARTE”, tiene lugar en el Salón Alegret del MKAC, el día 12 de octubre a las 23,30, (hora española).

La Directora del museo hace un pequeño esbozo sobre la preparación y los objetivos de la exposición y finaliza dando las gracias a todos los artistas y entidades con los que se puso en contacto; tras ello presenta a la persona que impartirá la conferencia de inauguración, “Arte Latinoamericano en la era digital”: WM Schumann.

Fotografía del momento de la inauguración y la conferencia “Arte Latinoamericano en la era digital”

La conferencia gira sobre la importancia de los nuevos programas informáticos, en concreto Second Life; en la conexión entre el mundo virtual y no virtual así como las líneas en los que ambos se funden, poniendo como ejemplo la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE”, para, a continuación, hacer un breve recorrido sobre la historia del arte latinoamericano y de diversos artistas.

Tras finalizar se establece un debate sobre esta iniciativa del MUSEO KARURA ART CENTRE; las posibilidades de Second Life en la realización de proyectos de carácter científico, pedagógico, cultural… y, a continuación, los asistentes visitan la exposición.

ACTIVIDADES Y EVENTOS

En los dos meses durante los que se exhibe la exposición colectiva “COMPARTIENDO ARTE”, se programan y realizan las siguientes actividades en torno a ella:

a) Vistas guiadas: se realizan 7 visitas guiadas, convenientemente programadas para grupos, (pequeños y grandes), e individuales y 5 visitas que surgen espontáneamente; un total de 12 visitas.

Imagen de una de las visitas guiadas.

b) “Día del Artista”: actividad consistente en dedicar un día a resaltar la trayectoria, obra, críticas, comentarios, blogs y webs personales de un artista concreto y resaltarlo sobre los demás a través de mensajes en foros, avisos a grupos de Second Life, tablones específicos en la Sala Velázquez del MKAC. Esta actividad se realiza durante 44 días consecutivos y dura desde el 22 de octubre hasta el 3 de diciembre de 2009.

Fotografía del panel del “Día del Artista”, ubicado en la Sala Velázquez; en este caso sobre el artista colombiano Mauricio Mayorga.

c) Mesas redondas: se realizan tres mesas redondas, en los jardines del museo, sobre los siguientes temas: “Proyección Mundial del Arte de Latinoamérica”, “Pintura y Cine latinoamericanos”, “Simbiosis e Influencia del Arte Europeo en el Arte Latinoamericano”.

d) Conciertos: con la finalidad de aunar música y pintura se realizan dos conciertos en las instalaciones del MKAC, (a cargo de Abso Zlatkis, 24 de noviembre, y de Kama Auer, 19 de diciembre).

e) Charlas: el artista puertorriqueño Orlando Castro Ortiz imparte dos charlas en el Salón Alegret del MKAC, una sobre su trayectoria artística y otra analizando las dos obras presentadas a la exposición.

El artista de Puerto Rico, Orlando Castro, explicando su obra.

f) Vídeos: se realizan dos vídeos sobre la exposición. Un vídeo inaugural presentando el cartel de la exposición y a los artistas (“Exposición de Arte Latinoamericana en Museo Karura Art Centre”: http://www.youtube.com/watch?v=Ra3qe5-V2EY&hl=es), y otro con el contenido de la misma, (“Muestra Latinoamericana en el Museo Karura Art Centre”: http://www.youtube.com/watch?v=l6cb0t_kBSY). Ambos vídeos son realizados por Ketk Petrov.

g) Comunicación y relaciones interpersonales: la dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE facilita a los 44 artistas participantes un listado con las direcciones de e-mail de todos éllos.

h) Divulgación: se presenta la exposición en diversas SIM y grupos de Secpond Life; en foros, webs y blogs y notas de prensa a periódicos, emisoras de radio y cadenas de televisión no virtuales.

MULTIMEDIA

Se complementan las anteriores actividades a torno a la exposición “COMPARTIENDO ARTE” con la emisión de vídeos sobre distintos aspectos de Latinoamérica, que se emiten en las pantallas del Edificio Principal y del Edificio Schumann.

a) Latinoamérica (Orografía, hidrografía, historia, cultura, arte….)

http://www.youtube.com/watch?v=6J-yl9Ba7zw&feature=fvw

b) Población

http://www.youtube.com/watch?v=Es0RAo5kyng&feature=channel

El poblamiento de América (II):

http://www.youtube.com/watch?v=NEUpjanPqCo&feature=channel

http://www.youtube.com/watch?v=db36E0UMHgU&feature=related

c) Literatura

http://www.youtube.com/watch?v=SWTStxfm6U4

http://www.youtube.com/watch?v=R-MqvoChVXM&NR=1

d) Cine Latino

http://www.youtube.com/watch?v=QDLxhKQflYI&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=pYyx_o1imro&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=Y8r-RaC3Q-I

e) Escultura

http://www.youtube.com/watch?v=ohg1HGNX8D8&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=-ukA2pbihbE

f) Pintura

http://www.youtube.com/watch?v=iimjJD2ct1w&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=cN3R2W2guHo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=cN3R2W2guHo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=vuAMqKtbKzU&feature=related

En la pantalla situada en el jardín del museo se emiten, los 70 días que dura la exposición “COMPARTIENDO ARTE”, los vídeos sobre la misma realizados por Ketk Petrov.

 “COMPARTIENDO ARTE” EN NÚMEROS

a) Datos generales:

Nº Artistas: 44

Nº Obras: 89, (dos por artista y cartel de la exposición)

Nº Países: 22

Duración de la exposición: 70 días, (10 semanas)

Nº e-mails enviados: 3.089

Nº e-mails recibidos: 547

b) Visitas:

– Al museo:

Edificio Principal: 3.014

Edificio Schumann: 2.911

AULARIUM: 581

– A webs y foros

Foro de Secondspain: 4.816 visitas.

Foro Irene Nurmi: 2.351 visitas.

Foro de mundosl.com: 628 visitas.

DIVULGACIÓN Y PUBLICIDAD

a) Foros:

https://mkac.wordpress.com/

http://www.flickr.com/photos/museo_karura/

http://www.facebook.com/home.php?#/home.php?ref=home

http://foros.secondspain.es/component/option,com_joomlaboard/Itemid,100/func,showcat/catid,27/

http://www.irenemuni.com/foro/museo-karura-art-centre-eventos-y-actividades-vt1582.html

b) Avisos internos de Second Life.

c) Notas de prensa: a medios de comunicación virtuales y no virtuales, (periódicos, revistas, radio…).

d) Webs y blogs personales de los artistas participantes.

INCIDENCIA E INTERACCIÓN VIRTUAL – NO VIRTUAL

La incidencia objetiva de la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA” en Second Life queda reflejada por el número de visitas que los usuarios realizaron a las instalaciones del museo, para ver la exposición “COMPARTIENDO ARTE”, y en los diversos foros utilizados para divulgarla y anunciar los distintos eventos programados.

En el mundo no virtual ha tenido una incidencia fuerte, sobre todo entre los artistas participantes en la cumbre, que se refleja de manera ecuánime e imparcial en los siguientes ejemplos: muchos de los pintores pusieron en sus páginas webs información sobre la exposición; lo mismo ocurrió con los gestores de otras webs, (de artistas, de asociaciones…), no relacionadas y totalmente ajenas al museo que recomendaron y publicitaron, por propia decisión, la exposición; 6 de los artistas participantes se hicieron usuarios de Second Life; algunos de los artistas contactaron entre ellos y en la actualidad mantienen contacto a través de sus correos electrónicos; algunos se han conocido personalmente y han asistido a exposiciones reales de sus compañeros de exposición;  el artista español autor del cartel, Xavier Magahlaes, realiza una exposición en la ciudad de Buenos Aires, (junio de 2010), e invita a las artistas de este país, Mariela Montes y Mercedes Naveiro, a la inauguración.

Corroborando todo ello, se destaca el hecho de que la Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE mantiene, en la actualidad contacto frecuente, con un 91% de los 44 artistas participantes a través de e-mail y ha conocido personalmente a 5 de ellos o el hecho de que varios de ellos han realizado, a partir de esta exposición colectiva, exposiciones individuales en el MKAC y otros están pendiente de realizarlas.

Queda, por otra parte, patente con lo expuesto en los párrafos anteriores la importancia de las nuevas tecnologías en áreas educativas, científicas, culturas, artísticas… y en la de las relaciones personales que se pueden desarrollar a través de ellas, en un proceso de retroalimentación entre el mundo virtual y el no virtual.

EVALUACIÓN

Coordinar a 44 artistas de 22 países diferentes para organizar la exposición “COMPARTIENDO ARTE” ha sido una tarea tan complicada, ardua, minuciosa y laboriosa como productiva y satisfactoria.

Este proyecto ha necesitado de una meticulosa y escrupula programación, con unos objetivos, un contenido y una metodología bien claros y muy definidos, a priori, que impidieran dejar algún detalle al azar.

El análisis evaluativo de la importancia y trascendencia de la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE”, lo realiza la dirección del museo a través de los hechos subjetivos pero, sobre todo, objetivos y, por lo tanto, cuantificablemente recabados.

CONCLUSIÓN

En función de los primeros, esta evaluación se realiza en aras de las felicitaciones recibidas, tanto por personas cercanas y como por personas ajenas al museo, con las que la Dirección no tiene ralación alguna; por los e-mails recibidos en el correo electrónico del MKAC de los artistas participantes y de organismos e instituciones o del ofrecimiento de artistas, que no participaron en esta cumbre, para participar en la siguiente que realice el museo.

Sin embargo, aunque estas reacciones favorables animan a seguir organizando eventos de esta magnitud, es costumbre de la Dirección del museo prestar más atención a los datos verificables, cuantificables y objetivos, tales como el número de e-mail recibidos, el de visitas realizadas a la exposición y número de visitas a los distintos foros entre otros.

Panel con los nombres de los 44 artistas participantes encabezados por el nombre del pintor que elaboró el cartel de la exposición “COMPARTIENDO ARTE”: Xavier Magahlaes.

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“BAUHAUS.  ESCUELA DE CREATIVIDAD”

TEXTO DEL PROYECTO PRESENTADO AL CONGRESO INTERNACIONAL SLACTIONS 2010

 

Cartel de la exposición.

 

1.- CONTEXTUALIZACIÓN HISTÓRICA DE LA ESCUELA DE LA BAUHAUS

En el mundo del arte, la Escuela de la BAUHAUS ha dejado su huella en las áreas del diseño y de la arquitectura, de forma indiscutible, no sólo por crear una nueva forma estética sino, también, por ajustar ésta a la realidad histórica en la que se fundó, por representar una nueva visión del arte y por el fuerte influjo que sus principios estéticos y funcionales tuvieron en generaciones artísticas posteriores.

En el año de su fundación, 1919, por Walter Gropius, Europa acababa de salir de la Gran Guerra, (1914-1918), y los efectos devastadores de la misma se dejaron sentir en la sociedad, sobre todo en la europea, y más, concretamente, en el área económica del continente. De esta circunstancia nace el concepto bauhausiano de diseñar objetos que posean una funcionalidad y se adapten, también, a las pequeñas dimensiones de las viviendas de aquellos momentos.

Surge así el planteamiento de que el arte no está sólo para contemplarlo sino que, también, puede servir para utilizarlo y que esta utilización no tiene porque menguar la estética y el diseño de los objetos creados.

En lo que se refiere a la realidad histórica en la que nace la Escuela, ésta influye en su desarrollo y estabilidad y fortalece el criterio de la funcionalidad del arte. El presupuesto de la Escuela se sostenía de las subvenciones que recibía de los diferentes gobiernos de las ciudades en las que tuvo sus sedes, (Weimar, Dessau y Berlín), que debido a la situación económica del momento no se recibían con la fluidez en que debían producirse y llevó a la decisión de que la Escuela debía de vender sus productos paraayudar a su financiación; lo que provoca alguna que otra divergencia de opinión entre el profesorado.

Esta deficiente situación económica se recrudeció a medida que el partido nacionalsocialista iba ocupando los gobiernos de las ciudades sedes de la BAUHAUS, al ser tachada ésta de revolucionaria y comunista; presión que motivó los distintos traslados y su cierre definitivo en 1933.

Finalmente, con la clausura definitiva de la Escuela, profesores y alumnos comenzaron su diáspora por Europa y, principalmente, por Estados Unidos, dedicándose a proyectos privados o a la docencia en prestigiosas universidades estadounidenses. De esta forma, su filosofía y arte se difunden llegando a crear la Nueva Bauhaus y consiguiendo, directa o indirectamente, lo contrario de lo que el nazismo quiso erradicar en la Alemania de la posguerra: la expansión y divulgación del arte y el diseño de aquellos “revolucionarios y comunistas”.

2.- “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”

“BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD” es el nombre elegido por la Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), para esta exposición, que conmemora el 90ª aniversario de la fundación de la Escuela de la BAUHAUS, aunando tres conceptos que engloban la filosofía de la misma: arte, (BAUHAUS), formación y pedagogía, (escuela) y génesis, (creatividad).

El título reúne los conceptos artísticos, pedagógicos y filosóficos que fueron las piedras angulares y que sustentaron a la Escuela de la Bauhaus:

“BAUHAUS”: porque, nada más leerlo, asociamos este término al arte y a un movimiento artístico que revolucionó la arquitectura y el diseño.

“ESCUELA”: porque fue, además de un punto de encuentro de artistas y creadores, un centro de transmisión de arte y enseñanza de destrezas y mecanismos para que sus alumnos pudieran plasmar sus inquietudes artísticas en creaciones concretas.

“CREATIVIDAD”: porque rebosó inventiva e imaginación encauzándola hacia la funcionalidad y ajustándola a la vida cotidiana de las personas.

3.- GÉNESIS Y OBJETIVOS DE LA EXPOSICIÓN

“BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD” se planifica recogiendo los testigos de las exposiciones realizadas por la Fundación BAUHAUS, (Berlín), y el The Museum of Modern Art, MOMA, (Nueva York), en 2009 para conmemorar el 90º Aniversario de la Escuela.

Tras ponerse en contacto con la Fundación BAUHAUS, para solicitar el correspondiente permiso sobre la utilización de imágenes y recibir el beneplácito de esta entidad, la Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE, MKAC, organiza en Second Life esta exposición monográfica persiguiendo los siguientes objetivos:

–  Difundir el arte en general.

– Acercar al gran público la obra artística y pedagógica de su fundador Walter Gropius.

– Divulgar las creaciones y planteamientos artísticos de todos aquellos que secundaron  la iniciativa de su fundador, (Paul Klee, George Muche, Otti Berger…).

– Transmitir los fundamentos educativos de la Escúela de la BAUHAUS.

– Propagar la trayectoria  artistas menos conocidos  que colaboraron en este proyecto.

– Transmitir los principios básicos del diseño de la BAUHAUS, (ruptura con lo tradicional y estilos establecidos, estética agradable, predomio de la función sobre la forma, la unión de lo artesano y las bellas artes…).

– Demostrar las potencialidades de los medios y programas informáticos y tecnológicos en la divulgación de proyectos educativos, formativos y creativos.

– Constatar el relieve y la repercusión de que las Teconologías de la Información y la Comunicación, (TICS), tienen en la transmisión del conocimiento.

– Dejar de manifiesto la interrelación entre el mundo no virtual y el virtual.

– Verificar la retroalimentación objetiva entre ambas esferas de la vida.

– Reafirmar las ventajas de la intersección mutua entre las TICS, el mundo virtual y el no virtual.

4.- PLANIFICACIÓN Y ESRUCTURACIÓN

En función de la consecución de los anteriores objetivos, la Dirección del MKAC planifica y programa la exposición en dos partes o exposiciones.

La primera, con sede en la recreación para Second Life del famoso edificio de la Escuela de la BAUHAUS en Dessau, es el centro neurálgico de esta exposición. Se caracteriza por ofrecer información sobre conceptos teóricos, documentales, imágenes ilustrativas, emisión de vídeos… que muestran a los visitantes el contexto político, social, geográfico de la Escuela, su propia historia y diferentes épocas, su funcionamiento interno, sus relaciones con el entorno, las trayectorias artísticas y creaciones de los creadores de la BAUHAUS…

Edificio de la Escuela de la BAUHAUS, sede principal la exposión.

La segunda, “Exposición Comparativa: BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, con sede en el Edicficio Schumann del MKAC.

Vista del Edificio Schumann, sede de la Exposición Comparativa.

5.- CONTENIDO

En su objetivo de acercar la Escuela de la BAUHAUS al público, la Dirección del MKAC realiza objetos y mobiliario y, también, textos sencillos y legibles para los visitantes a la exposición sobre cada uno de los aspectos que rigieron su funcionamiento y el desarrollo de su la vida cotidiana; todos los textos se elaboran en tres idiomas: ingles, español y alemán.

Los contenidos a mostrar se pueden englobar en las siguientes categorías o grupos:

– Conocimiento de las ciudades-sedes: Wiemar, Dessau y Berlín, ayer y hoy, (que permiten establecer una comparación entre ambas épocas).

– Conocimiento histórico y del entorno y proyección futura: contextualización de la vida y el arte de la Escuela, (Historia y épocas; BAUHAUS y nazismo; BAUHAUS: patrimonio de la Humanidad; la BAUHAUS en América. La Nueva Bauhaus y la Fundación BAUHAUS).

– Conocimiento del funcionamiento interno de la Escuela: organización y desarrollo de la vida cotidiana y artística, (Manifiesto de la BAUHAUS, de W. Gopius, 1919; Principios Fundamentales de la BAUHAUS; Directores; Profesores; Las mujeres de la BAUHAUS; Curso preliminar; Las fiestas).

Fotografía de la exposición "BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD"

-Conocimiento de la proyección exterior: la divulgación de su imagen como centro de formación y artístico, (Logotipo, Sello y Tipografía).

-Conocimiento del arte, diseño y arquitectura de la BAUHAUS: desarrollo personal y artístico de creadores y diseñadores, (Talleres: cerámica, pintura mural, publicidad, teatro, encuadernación, carpintería, escultura y talla, fotografía, impresión, tejidos, del metal; La Arquitectura de la BAUHAUS. Edificios; La Pintura de la BAUHAUS…)

6.- METODOLOGÍA

La presentación y estructuración de la exposición se ha planificado de forma que al público le resulte comprensible lo que observa y lee, que despierte su curiosidad para seguir examinando y analizando su contenido, (imágenes, vídeos y textos), y se sienta motivado para profundizar en otros canales de información.

La disposición de paneles e imágenes se presenta de forma secuencial, de lo general a lo específico y de lo interno a lo externo; ello permite ir introduciendo, paulatinamente, a los visitantes en el mundo y conceptos de la BAUHAUS.

Para conseguir este objetivo, en la planta baja se presenta, a modo de introducción, los logotipos e información sobre las tres exposiciones realizadas en este 90º aniversario de la fundación de la escuela, (Fundación BAUHAUS, The Museum Modern Art y MUSEO KARURA ART CENTRE), los carteles publicitarios diseñados en la BAUHAUS y una sala de conferencias y proyección de vídeos, transparencias y diapositivas.

Fotografía de carteles.

En la primera planta se presenta la documentación relativa al contexto geográfico, social y político en el que es fundada la Escuela; paneles sobre el ayer y hoy de las ciudades sedes; las diferentes épocas de la BAUHAUS y las bases sobre las que se asienta ésta y, en consecuencia, esta exposición: los principios básicos de su arte y diseño.

La segunda planta del edificio posiciona al visitante en el funcionamiento interno de la escuela mediante el Manifiesto de Walter Gropius, el profesorado, la tarea didáctica, artística y organizativa de sus directores, el curso preliminar…

En la última y tercera planta, se explica la parte productiva, creativa y artística de la Escuela de la BAUHAUS a través de las biografías y detallamiento de la trayectoria artística de pintores, (Lyonel Feiniger, Johannes Itten, Georg Muche, Paul Klee, Oskar Scheemmer, Wassily Kandinsky…), los arquitectos, (L.Mies van der Rohe, Marcel Breuer, W, Gropius…); e información sobre los distintos talleres.

El área central del edificio aglutina la documentación sobre la BAUHAUS y su entorno mostrando, los recursos de la Escuela para difundir y publicitar su imagen, (logotipo, sellos, tipografía…), sus relaciones extramuros y su proyección internacional, (la Nueva BAUHAUS, la Fundación…).

El recorrido por la exposición finaliza ofreciendo, una bibliografía condensada en 10 libros sobre la Escuela; lo que interrelaciona el mundo virtual con el no virtual. Cada uno de estos 10 libros se muestra con todos sus datos bibliográficos: título, autor, editorial, fecha de publicación, ISBN…

Imagen del material bibliográfico expuesto.

La metodología incluye la elaboración de todos los textos en tres idiomas, (inglés, español y alemán), y la producción y recreación, para esta exposición, de objetos y mobiliario diseñados en la BAUHAUS con los que el visitante puede interaccionar. A modo de ejemplo, éste puede sentarse en la silla Barcelona o en uno de los famosos bancos de L. M. van der Rohe o en un sofá de W. Gropius; coger un libro de una estantería de Marcel Breuer; descansar sobre uno de los tapices, utilizados a modo de alfombras, de Gunta Schölzl, Benita Koch-Otte… acciones todas ellas que hacen patente el principio de la BAUHAUS: la funcionalidad de sus objetos y creaciones.

La “Exposición Complementaria: BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, ubicada en el Edificio Schumann del MKAC, complementa esta metodología al permitir establecer una comparación directa entre el edificio de la Escuela de la BAUHAUS y los objetos creados en ella y los elaborados para esta exposición en Second Life mediante la muestra de paneles comparativos, dejando que el público realice un análisis que desemboque en sus propias y particulares conclusiones.

7.- ACTIVIDADES PROGRAMAS EN TORNO A LA EXPOSICIÓN

Con el objetivo de difundir y divulgar la filosofía, el diseño y arte de la Escuela de la BAUHAUS, se programan y organizan los siguientes eventos y actividades:

a) Visitas guiadas: individuales, (de 1-2 personas); pequeño grupo, (de 3-6 personas); grupos grandes, (de 7 personas en adelante). Se programan y realizan 13 vistas, a las que hay que añadir las realizadas de manera espontánea.

b) Conferencias:

– “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, realizada por la Directora del MKAC, (27 de enero de 2010).

–  “Las Mujeres de la BAUHAUS”, de Noke Yuitza, (25 de abril de 2010).

Imagen de la conferencia sobre las mujeres de la BAUHAUS.

c) Tertulias: se programan 5 encuentros artísticos en lo que la conversación gira en torno a la vida en la BAUHAUS, su proyección internacional, su relación con el entorno y su historia y la trayectoria artística de sus pintores, escultores y arquitectos.

d) Eventos lúdicos: se realiza la fiesta, “Noche Berlinesa en la BAUHAUS”, con un concierto a cargo de Karma Auer, con el objetivo de emular las realizadas en la Escuela y transmitir la importancia que estas fiestas tenían en ella; la Dirección del MKAC ofrece a los asistentes vestuario berlinés de las décadas 20 y 30.

e) Concurso de Escultura BAUHAUS

Imagen de algunas de las esculturas, expuestas en los jardines de la Escuela de la BAUHAUS.

f) Multimedias:

– emisión de vídeos: a lo largo del tiempo que dura la exposición, se emiten 9 vídeos sobre distintos aspectos de la BAUHAUS, (pintura, arquitectura…). Su emisión se realiza de forma simultánea, y rotatoria en los tres edificios del MUSEO KARURA ART CENTRE: la Escuela de la BAUHAUS en Dessau, (sede de la exposición), el Edificio Schumann, (sede de la exposición comparativa), y el Edificio Principal.

– realización de vídeos: se graba el vídeo de la exposición, realizado por Ketk Petrov, “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD-MUSEO KARURA ART CENTRE”, (http://www.youtube.com/watch?v=bGcE7F2fcTs).

8.- DIFUSIÓN DE LA EXPOSICIÓN

La difusión y publicidad de la exposición “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD” se realiza a través de los siguientes canales:

a) Foros:

https://mkac.wordpress.com/

http://www.flickr.com/photos/museo_karura/

http://www.facebook.com/home.php?#/home.php?ref=home

http://foros.secondspain.es/component/option,com_joomlaboard/Itemid,100/func,showcat/catid,27/

http://www.irenemuni.com/foro/museo-karura-art-centre-eventos-y-actividades-vt1582.html

b) Avisos internos de Second Life.

c) Notas de prensa a medios de comunicación virtuales y no virtuales, (periódicos, revistas, radio…)

9.- INCIDENCIA E INTERACIÓN REAL – VIRTUAL

Por las reacciones observadas y comentarios recibidos, se puede decir que “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, ha provocado un gran impacto entre los usuarios, pertenecientes a diversos estratos sociales, de la comunidad de Second Life. Tanto por su organización, presentación y desarrollo como por su contenido, la acogida de la exposición fue muy positiva y favorable, superando las previsiones que sobre su incidencia preveía la Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE.

Sin embargo, aunque reconfortantes estas reacciones, la Dirección del museo siempre evalúa sus proyectos en aras de datos objetivos exentos de posibles afectos, simpatías y valoraciones subjetivas de otras personas.

En este sentido, se evalúan las peticiones, desde fuera de Second Life, de información sobre bibliografía u otras fuentes sobre la Escuela de la BAUHAUS, el desarrollo de la exposición y la petición de permisos para utilizar datos que figuran en ella; todo ello a través de los 67 e-mails que se reciben en el correo electrónico del MKAC.

Uno de los datos que manifiesta este interés, es la petición para que se posponga la clausura de la exposición, programada para el 31 de marzo, (petición que es aceptada posponiéndose la clausura hasta el 30 de abril), y el número de visitas recibidas: 3.254

Otro dato objetivo es la elección y recomendación, por personas y gestores de webs, ajenas y desconocidas a la Dirección del MKAC, de la monografía “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, mostrada en la WordPress del museo.

Otra referencia que avala lo anterior, es la relación establecida y mantenida entre la Fundación BAUHAUS, (de Berlín) y el MUSEO KARURA ART CENTRE, (Second Life), por medio de e-mails y del envío de información sobre la programación, desarrollo, evaluación y el informe final.

Todo ello verifica, además, que la esfera no virtual y la esfera virtual están intrínsecamente relacionadas y ocasiona una retroalimentación favorable para la realización, desarrollo y divulgación de proyectos e iniciativas de diversa índole y que queda de manifiesto en un proyecto editorial que sobre la BAUHAUS ya ha puesto en marcha la Dirección del MKAC.

10.- EVALUACIÓN

El análisis, la síntesis y la evaluación final que realiza la Dirección del MKAC, es ampliamente positivo como lo constatan las argumentaciones expuestas en el apartado anterior, aún a sabiendas de que en posteriores proyectos la capacidad de superación no sólo debe persistir sino, también, cuidarse y alimentarse.

Los objetivos, tanto generales como específicos, definidos en la programación de la exposición “BAUHAUS. ESCUELA DE CREATIVIDAD”, se consideran alcanzados en su totalidad cuando no superados.

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EXPOSICIÓN UNIVERSAL

SHANGHAI 2010

Logotipo de la Exposición Universal de Shanghai 2010.

La exposición Universal de Shanghai 2010 cierra sus puertas tras ser, durante ocho meses, la ventana que acercó “el mundo al mundo.”

Con la participación de 189 países y con una infraestructura de, aproximadamente, 43.550 millones de euros.

“Haibao, la mascota oficial de este acontecimiento internacional se despide hoy, 31 de octubre de 2010, y el lema “Mejor vida, mejor ciudad” ha pretendido concienciar al mundo de la necesidad de hacer de las ciudades núcleos de población que proporciones una vida moderna ligada al bienestar y al desarrollo sostenible basados en la convivencia multicultural en la ciudad, la prosperidad económica en las ciudades, la remodelación de las comunidades en los centros urbanos, la interacción entre las áreas urbanas y las rurales y la innovación científica y tecnológica en la ciudad.

"Haibao", mascota de la Exposición Universal de Shanghai 2010.

El Pabellón de España, diseñado por la arquitecta italiana afincada en Barcelona, Benedetta Tagliabue, conocido como “el cesto de mimbre” ha sido la sede de la divulgación de la idiosincrasia de este país a través de decenas de actos culturales, comerciales, artísticos… que han sido potenciado, mayormente, a través de la Semana de las Comunidades Autónomas y del “Día de Honor” de cada una de las que participaron.

COMUNIDADES AUTÓNOMAS PARTICIPANTES EN LA EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE SHANGHAI 2010


COMUNIDAD AUTÓNOMA DE GALICIA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Galicia.

Semana de Honor: 17 – 23 mayo de 2010

Día de Honor: 20 de mayo de 2010

La bandera gallega ondea con más fuerza, en el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shanghai, el 20 de mayo en el “Día de Honor” dedicado a la Comunidad Autónoma de Galicia, (España)

Tras el izado de la bandera ante las autoridades españolas y gallegas, suena el himno gallego y el conselleiro de Cultura Roberto Varela, quien aprovecha la ocasión excepcional para presentar el Xacobeo, firma en el libro de honor ante las miradas del embajador español en Pekín, Carlos Blasco, y la directora del pabellón español, Cecilia Pereira.

Tras visitar los pabellones de Madrid, Portugal, la UE y China tuvo lugar la inauguración de la exposición “Abstrac Speech”, del pintor coruñés Fernando Pereira, compuesta por 21 obras de gran formato.

Hasta el día 23 de este mes se celebran diversos actos relacionados con la idiosincrasia de la Comunidad Autónoma de Galicia, entre los que se encuentran: actuaciones de Xosé Manuel Budiño, Nova Galega de Danza y Real Banda de Gaitas de la Diputación de Orense.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE CATALUÑA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Cataluna.

Semana de Honor: 24 – 30 mayo de 2010

Día de Honor: 30 de mayo de 2010

La bandera catalana ondea, el día 30 de mayo, en el pabellón español de la Exposición Universal de Shanghai en su “Día de Honor”

Durante esta semana, más de 200 personas participan, en distintas ubicaciones de, los castellers; una celebración que se remonta al siglo XVIII y en la que las personas escalan unas sobre otras hasta formar una torre.

Asimismo se presenta la “Beca Ferrán Adriá”, que incentivará la colaboración e intercambio de conocimientos y experiencias entre escuelas de cocina catalanas y chinas y, también, se realizan en esta fecha, en el Auditorio del Pabellón de España, diversas actuaciones, conferencias y talleres.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE CANTABRIA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Cantabria.

Semana de Honor: 7 – 13 junio de 2010

Día de Honor: 9 de junio de 2010

El día 9 de junio amanece, en el Pabellón de España en la Exposición Universal de Shanghai, dedicado a la Comunidad Autónoma de Cantabria y luciendo la bandera de dicha comunidad en su “Día de Honor” y ante la presencia del director de Turismo de Cantabria, José C. Campos Regalado.

Desde el día 7 y hasta el domingo día 13 se celebra en la Exposición Universal de Shanghai, la Semana de Cantabria y los representantes de esta comunidad dan a conocer las peculiaridades de esta parte de España y difunden y promueven su idiosincrasia en múltiples facetas.

Comienza esta Semana de Cantabria con una presentación gastronómica  del chef cántabro, Óscar Calleja, quien se caracteriza por una cocina de fusión con raíz tradicional, que se “bate en duelo” con el japonés Toshiro Koniski, en el hotel chino-cubano Gran Meliá de Shanghai, en donde ambos restauradores muestran sus habilidades.

Cata de vinos, muestras de moda, presentaciones de marcas y empresas cántabras, proyecciones audiovisuales, teatro, cine… son solo algunas de las actividades que se desarrollan, en torno a Cantabria, hasta el domingo.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE ASTURIAS

 

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Asturias.

Semana de Honor: 21 – 26 junio de 2010

Día de Honor: 22 de junio de 2010

En el Pabellón de España en Shanghai 2010 es la bandera asturiana la que luce al ser elegido por el SEEI el día de hoy para celebrar el “Día de Honor de Asturias”

La Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, (SEEI), en la programación de su agenda cultural para esta Exposición Universal, dedica la semana del 21 al 26 de junio a la comunidad asturiana.

Ello significa un programa especial de actividades en torno a ella en la que se incluye, además de la actuación diaria del grupo Keltiché, actividades relacionadas con el mundo de la cinematografía, el teatro, la danza, la gastronomía, ublicaciones, las conferencias, las artes visuales…

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE ARAGÓN

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Aragón.

Semana de Honor: 28 junio – 4 julio de 2010

Día de Honor: 4 de julio de 2010

La semana del 28 de junio al 4 de julio, se dedica en la Exposición Universal de Shanghai 2010, y en el Pabellón de España, a la Comunidad de Aragón siendo su “Día de Honor” el 30 de junio.

Entre los actos protocolarios programados figuran la visita del Consejero de Presidencia de esta Autonomía a la exposición, encuentros entre empresarios chinos y aragoneses, un recorrido por los pabellones de China y España en compañía del embajador español en Pekín, Carlos Blasco, y  de la Comisaria del Pabellón de España, María Tena así como un encuentro en la embajada española con la colonia aragonesa en Shanghai.

Entre los actos culturales previstos, se lleva a cabo la representación diaria del espectáculo audiovisual “Fantasía de Aragón”, realizado por Ad Hoc Gestión Cultural, y un espectáculo de música y danza protagonizado por los bailarines Alex Aldea y Sandra Aragón.

Aragón ofrece, también, a todas las personas que visiten esta semana el pabellón español una muestra de su artesanía, cerámica, tejidos, indumentarias… Todo ello presidido por un busto de Goya realizado por el artista Óscar Sanmartín.

En el exterior del pabellón de España se sitúa una pantalla que promociona la candidatura a los Juegos de Invierno Zaragoza-Pirineos 2022.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE LA RIOJA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de La Rioja.

Semana de Honor: 5 – 10 julio de 2010

Día de Honor: 8 de julio de 2010.

Todos los visitantes que acuden al Pabellón de España, de la Exposición Universal de Shanghai 2010, pueden ser partícipes de los diferentes eventos sobre la Comunidad Autónoma de La Rioja en su “Día de Honor.”

Actividades culturas, turísticas y gastronómicas de la Comunidad de La Rioja, estarán presentes a lo largo de toda esta semana, mucho más el 8 de julio de 2010, con el objetivo de promocionar esta región española.

La Consejera de Turismo, Medio Ambiente y Política Territorial, Aránzazu Vallejo, presenta en China la “Semana de La Rioja” con una magnífica oferta vinícola y gastronómica de los prestigiosos cocineros: Pedro Larumbe y Francis Paniego.

Además, durante estos días, lengua de esta comunidad tiene su expresión en la Exposición Universal y su importancia como cuna del castellano; así como la emisión e vídeos que, sin duda, ayudarán a la difusión del paisaje riojano; presentaciones empresariales y actuaciones teatrales.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE VALENCIA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Valencia.

Semana de Honor: 12 – 18 julio de 2010

El día 12 de julio, ondea en el Pabellón de España de la Exposición Universal de Shnaghai 2010, la bandera de la Comunidad Autónoma de Valencia, en la semana dedicada a esta comunidad.

Siete días en los que se realizan diferentes actos protocolarios presididos por autoridades valencianas y españolas. Los actos culturales marcan la pauta en la que es, sin duda alguna, el mejor escaparate en el que Valencia promociona a sus artistas, su folklore, su gastronomía, su artesanía y su mundo empresarial.

Dedicación especial tendrá la promoción del turismo valenciano, una de sus mayores fuentes de ingresos,  en este marco tan universal.

Los medios audiovisuales están encabezados por la elaboración y emisión de un DVD sobre Valencia que pretende atraer la atención, de todos los visitantes al pabellón español, sobre esta ciudad que se presenta bajo el lema “Valencia, la ciudad de las ciudades. La mejor ciudad, la mejor vida”.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE MADRID

 

Bandera de la Comunidad Autónoma deMadrid.

Semana de Honor: 19 – 25 julio de 2010

Día de Honor: 20 de julio de 2010

El Pabellón de España, en  la Exposición Universal de Shanghai 2010, celebra durante estos días la Semana de la Comunidad de Madrid y el “Día de Honor”, 20 de julio, asignado a esta comunidad española.

Desde el lunes y hasta el próximo domingo, día 25,  la Comunidad de Madrid es el centro de la Exposición Universal y se aprovechan estos días para exponer las potencialidades turísticas, económicas y comerciales de esta comunidad.

En el Pabellón de España se ha instalado un gabinete fotográfico especial a través del cual los visitantes pueden observar los encantos de la capital española, en particular, y de la comunidad, en general, y pueden fotografiarse ante distintos emplazamientos arquitectónicos y culturales.

Juntos a diferentes actos culturales y artísticos, se realizan seminarios, emisiones de videos y muestras gastronómicas a cargo de uno de los mejores cocineros del país y de la comunidad, Paco Roncero.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE ANDALUCIA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Andalucía.

Semana de Honor: 26 julio – 1 agosto de 2010

Día de Honor: 27 de julio de 2010

Del 23 de julio al 1 de agosto se celebra la Semana de Andalucía en el Pabellón de España, en la Exposición Universal de Shanghai 2010, y su “Día de Honor” es el día 27.

Andalucía muestra en estas fechas lo mejor de su patrimonio, cultura, desarrollo tecnológico, riqueza natural, oferta turística, gastronomía y desarrollo empresarial, de forma comprometida, siendo el centro de atención de todos los visitantes que acudan a la exposición y, más concretamente, al Pabellón de España.

Para ello, llega a la exposición el Galeón Andalucía que actúa de embajada, trasladando a quienes lo visiten a épocas en las que España dominaba las rutas comerciales en el Pacífico y en el Atlántico.

Durante esta semana se organizan, durante todos los días, talleres de flamenco y palmas, catas de vino y aceite, proyecciones…, presidido todo ello por el artista flamenco El Junco.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE CANARIAS

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Canarias.

Semana de Honor: 13 – 19 septiembre de 2010

Día de Honor: 16 de septiembre de 2010

El Pabellón de España en la Exposición Universal de Shanghai 2010, retoma la Semana, y, por lo tanto, el “Día de Honor” dedicado a las diferentes Comunidades Autónomas tras el impasse del verano.

La semana del 13 al 19 de septiembre, se dedica a la Comunidad Autónoma de Canarias, a lo largo de la cual se proyectan diariamente audiovisuales en el pabellón.

El miércoles, “Día de Honor” de Canarias, se celebran actos que están presididos por el Viceconsejero de Cultura del Gobierno Autónomo de Canarias, D. Alberto Delgado, que ofrece al público una pequeña muestra de su cultura con un espectáculo musical protagonizado por el grupo Terekitetap, que combina tradición y vanguardia, y la proyección de un documental de promoción sobre la Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE NAVARRA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Navarra.

Semana de Honor: 20 – 26 septiembre de 2010

Día de Honor: 21 de septiembre de 2010

La bandera de la Comunidad de Navarra ondea, desde el día 20 hasta el 26 de octubre, en el Pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghai 2010.

En su “Día de Honor”, la Comunidad Foral está representada por el consejero de Innovación, Empresa y Empleo, José M. Roig Aldasoro, que firma en el libro de honor para, a continuación, participar en diferentes actos institucionales y culturales.

Miguel Jiménez y Lea Linster realizan una demostración culinaria, con productos navarros, los hermanos Aznárez ofrecen un recital de violín con obras de Pablo Sarasate y se proyectan los audiovisuales “Navarra, pasión por el rojo” y “El encierro”

COMUNIDAD AUTÓNOMA DEL PAIS VASCO

 

 

Bandera de la Comunidad Autónoma del País Vasco.


Semana de Honor: 27 septiembre – 3 octubre de 2010

Día de Honor: 30 de septiembre 2010

Ante unos 300 invitados, el lehendakari, Patxi López, junto al consejero vasco de Industria, Innovación, Comercio y Turismo, Bernabé Unda, inaugura la Semana de Euskadi en el Pabellón de España de la Exposición Universal de Shanghai 2010 el día 27 de septiembre.

El lehendakari apoya con su presencia los distintos actos culturales, gastronómicos, turísticos, musicales, de moda… acompañado de un centenar de empresarios vascos y ante una quincena de periodistas chinos.

La Semana de Euskadi cuenta con la presencia en Shanghai de los grandes cocineros vascos Juan Mari Arzak, Pedro Subijana, Martín Berasategui, Eneko Atxa y Andoni Luis Aduriz.

El “aurresku”, el baile vasco solemne y elegante, y las actuaciones de los “txalapartaris”, intérpretes, de la “txalaparta” instrumento de percusión vasco, formarán parte de los eventos organizados para festejar esta semana y el 30 de septiembre, “Día de Honor” de Euskadi.

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE CASTILLA Y LEÓN


Bandera de la Comunidad Autónoma de Castilla y León.


Semana de Honor: 4 – 10 octubre de 2010

Día de Honor: 3 de octubre de 2010

El Pabellón de España en la exposición Universal de Shanghai acoge, desde el 4 al 10 de octubre, la “Semana de la Castilla y León”

Las líneas  de actuación que se han marcado las autoridades de esta comunidad con la consejera de Cultura, María José Salgueiro, al frente durante esta semana serán tres: «La actividad que desplegará Castilla y León se hará en tres frentes: promoción de la comunidad como destino de aprendizaje del español, actividades para proyectar la oferta turística, gastronómica, enológica, patrimonial y cultural, y la divulgación de los yacimientos de Atapuerca», explicó la consejera.

Se firmará un acuerdo de hermanamiento entre los museos del Hombre, de Pekín, y el de la Evolución Humana, de Burgos y un convenio con el Instituto Cervantes de Pekín sobre becas para el estudio del español.

Actividades empresariales, culturales, comerciales, turísticas, gastronómicas, artísticas… están programadas para realizarlas durante todos estos día y, en especial, en el jueves, día 7, fecha en que se celebra el “DÍA DE HONOR DE CASTILLA Y LEÓN”

COMUNIDAD AUTÓNOMA DE EXTREMADURA

 

Bandera de la Comunidad Autónoma de Extremadura.

Semana de Honor: 11 – 17 octubre de 2010

Desde hoy, día 11 al 17 de octubre, la bandea que ondea en el Pabellón de España,  en la Exposición Universal de Shanghai y en el MKAC, es la de la Comunidad de Extremadura en su Semana y “DÍA DE HONOR”

Durante esta semana el chef extremeño, Antonio Granero, pondrá el final al programa gastronómico que se ha desarrollado en el pabellón español a lo largo de todos estos meses.

Por otra parte, la Junta de Extremadura aprovechará esta semana para promocionar sus productos y marcas comerciales, a través de la Shanghai 2010, en los mercados internacionales y nacionales. Con esta postura, el gobierno extremeño pretende impulsar y apoyar a las empresas extremeñas, de cualquier sector, y llamar la atención y captar el interés del mundo entero sobre ellas.

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PRESENTACIÓN

“CON TRAZOS FIRMES” refleja, no únicamente los vigorosos trazos de la rúbrica del artista, sino, también, el vigor y la firmeza de cada una de las pinceladas con que el pintor Juan José Rodríguez se enfrenta a los lienzos vacíos.

Casi una treintena de obras, ubicadas en la Sala Van Gogh y en la Sala Rubens del MKAC, ponen de manifiesto la experiencia y el saber hacer de su amplía trayectoria artística.

Cartel de la exposición.

Con múltiples exposiciones, individuales y colectivas, realizadas en entidades públicas y privadas este arquitecto y docente que en su día decidió cambiar el hormigón y las aulas de docencia por la pintura artística, se atrevió a abandonar una existencia segura y tranquila por la característica incertidumbre del mundo del arte. Ello implica, en sí mismo, una fuerte personalidad y una gran vocación a la pintura.

Posiblemente, la arquitectura y la docencia hayan perdido gran arquitecto y profesor… pero el arte ha ganado un magnífico artista.

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HISTORIA DEL ARTE

El objetivo primero de esta monografía, es el de mostrar el arte de las distintas manifestaciones artísticas que se sucedieron a lo largo de la historia.

Los artistas, han utilizado sus obras para poner de manifiesto no sólo sus inquietudes, sensaciones y percepciones personales e individuales sino, también, para narrar los acontecimientos acaecidos en las diferentes épocas en las que vivieron, justificar o denunciar determinadas ideologías o reflejar las causa que provocaron unas u otras formas de pintar, unas u otras temáticas o unos u otros estilos.

Los mecenas, por otra parte, de todas los períodos históricos han dejado patente que el arte ha sido y es el vivo reflejo de su poder, gustos o preferencias.

No podemos omitir, tampoco, el importante papel desempeñado por monarcas y gobernantes, en general, que inclinaron las balanzas artísticas de sus distintos países o territorios en un sentido u otro; para ello sólo tenemos que pasearnos ante las colecciones artísticas de los grandes museos cuya procedencia es, su mayor parte, las colecciones reales.

Todos ellos han ocasionados que la Historia del Arte sea un magnífico filón didáctico para el estudio de la Historia de todas las épocas, los cambios e ideologías históricos, sociales, económicos y culturales de la Humanidad.

Esta monografía desea, también, despertar el interés y la curiosidad de los visitantes a esta web del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), y que ambos les lleve a investigar en otros medios de información mucho más amplios y completos.

Con este fin, se ha elaborado para cada estilo artístico, desde el arte rupestre hasta las últimas vanguardias, un pequeño texto y elegido una imagen, (hasta donde el derecho a la propiedad intelectual y copyright lo permiten), que pueden servir de guía para una mejor comprensión.

A la mente, intelecto y sensibilidad de cada uno de los lectores se deja total libertad para que buceen, indaguen y analicen, desde su propia experiencia y conocimiento, lo mencionado en los anteriores párrafos y que, por lo tanto, extraigan sus propias conclusiones.

Por último constatar que esta monografía es un pequeño resumen de la primera exposición del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MAKC), “Un Paseo por el Arte”, y con la que el museo se inauguró el 17 de septiembre de 2008.

PINTURA RUPESTRE

Las primeras pinturas del arte rupestre, realizadas sobre las paredes de las cuevas, corresponden al Paleolítico Superior y su apogeo se produce en el periodo Magdelaniense.

Los materiales utilizados están sacados de la naturaleza, (sangre, plantas, tierra y minerales), de ahí que los colores predominantes sean los rojos, ocres y negros.

“Agrupamiento de reses junto a los cobertizos”, (Anónimo)

Se ha comprobado que las técnicas usadas son múltiples. Los colores se aplicaban con los dedos impregnados de pintura, con pinceles y palos, soplando a través de tubos de hueso… y la temática va desde los conocidos “macarrones”, impresiones de manos en negativo, signos abstractos y representaciones de animales y hombres.

PINTURA EGIPCIA

La pintura del Antiguo Egipto fue, esencialmente, simbólica y ligada, en gran medida al mundo de los muertos, y a la ornamentación.

Su técnica fue un precedente de la pintura al fresco o témpera y realizada con pigmentos naturales mezclados con clara de huevo, agua y cal.

“Lotus, una ofrenda al dios Horus”, (Anónimo)

Los egipcios pintaban bajorrelieves que, por su escasa profundidad, propiciaban la identificación con la escultura y el arte pictórico.

Entre sus características cabe destacar el canon de perfil, en el rostro, brazos y piernas, y frontal el tronco y los ojos; la jerarquización, por medio de la cual, la pintura se reservaba a figuras de dioses y faraones y, con posterioridad, a los personajes notables;  la ausencia de perspectiva, con la que se dejaba patente la inferioridad de las figuras que aparecían más alejadas; la utilización de colores planos, es decir, sin gradaciones ni medios tonos; el color que estaba en función de la figura representada; así, el verde se reservaba para Osiris, el oro para el Sol, el ocre oscuro para los hombres y el ocre claro para las mujeres.

PINTURA ROMANA

Sus orígenes se confunden con los de la escultura y el arte helenista del que posteriormente se desvincula para tomar una esencia propia.

Su procedimiento esta asociado al encausto, el temple y el fresco mientras que sus géneros están enlazados al arte decorativo, en vajillas y muros, y al arte histórico en los cuadros murales.

“Retrato del panadero Paquia Próculo y su mujer”, (Anónimo)

En su temática predominan el paisaje, la caricatura, el retrato, los cuadros de costumbres, las imitaciones arquitectónicas  y las combinaciones fantásticas de objetos naturales; estas últimas dan origen al género, que los artistas renacentistas denominaron “grutesco”  y que inspiraron a Rafael la decoración de las Logias del Vaticano.

PINTURA BIZANTINA

La pintura bizantina fija su carácter desde el comienzo del siglo VI. Se caracteriza por la riqueza de materiales y por la representación de las figuras. Éstas se representan alargadas, en pie, con los brazos en actitud movida o portando algún objeto, los pliegues de las túnicas son rectos, paralelos y casi verticales.

El continente de las personas se perpetúa, en este estilo pictórico, con un porte majestuoso, tranquilo, honesto, con la mirada al frente o a la derecha del espectador, ojos grandes y abiertos y pies pequeños o estrechos terminados en punta.

“Personificación del mar”, (Anónimo)

Los elementos decorativos de los cuadros consisten, casi siempre, en joyas, cintas, guirnaldas, grecas y la presencia de plantas sueltas. Sobre el fondo, de oro, aparecen inscripciones verticales u horizontales que muestran el nombre y significado del personaje o de la escena que representa.

La temática suele ser bíblica y de representaciones de la corte imperial, tales como ángeles y santos.

PINTURA ROMÁNICA

Se desarrolla en Occidente y abarca el periodo que va desde la invasión de los bárbaros hasta mediados del siglo XIII.

Nace supeditada a la arquitectura, situándose  en el interior de los edificios, y su función, además de la estética, era pedagógica y didáctica.

Predomina en ella el dibujo con línea gruesas, colores planos y sin volumen y el espacio se crea por la distribución de las figuras en el espacio. Las imágenes son hieráticas, sin movimiento, bastante antinaturalistas, sin perspectiva y en las que la anatomía esta muy desproporcionada.

“Frontal de la Virgen de Aviá”, (Anónimo)

La técnica más utilizada es la del fresco aunque también se utilizó la tabla con el fin de decorar los altares.

La temática se basa, esencialmente, en asuntos religiosos asociados al fin del mundo, al Juicio Final y al castigo para los pecadores.

PINTURA GÓTICA

Es una de las expresiones del arte gótico, en general, que aparece alrededor del año 1200, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y escultura góticas.

Su mayor característica es un naturalismo, cada vez mayor, en oposición a las representaciones simplificadas e idealizadas de la pintura románica y se aproxima a la imitación de la naturaleza, dejándola plasmada en cuatro soportes primordiales: murales, vidrieras, miniaturas y tablas.

“Los desposorios de Maria” de Giotto di Bondone, (1267-1337)

Empieza con este estilo, una temática, diferente a las anteriores. Aunque los temas religiosos están presentes, comienzan a aparecer los profanos, los detalles narrativos, más frescura, color y luminosidad. Las figuras religiosas, (santos, ángeles, vírgenes…), se representan más humanos dejando asomar sus emociones y sentimientos rompiendo con el hieratismo y formalismo románicos.

PINTURA GÓTICA INTERNACIONAL

Este estilo fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal, (propio del Norte de Europa, con las de la pintura trecentista italiana.

Los artistas más influyentes comienzan a viajar por toda Europa lo que favorece que las ideas se combinen y divulguen.

La técnica pictórica es minuciosa, representando con gran detalle las anécdotas tratando de buscar la realidad con gran naturalismo pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa. Las figuras se estilizan y los plegados en los ropajes son abundantes.

“La Vierge á la Condeliére” de Andrea di Giusto, (1423-1450)

Los temas religiosos se interpretan como profanos, los santos son caballeros y damas distinguidas que se desenvuelven en majestuosos ambientes palaciegos.

PINTURA GÓTICA FLAMENCA

Surge en Flandes, durante el primer tercio del siglo XV, y se difunde por el resto de Europa, excepto en Italia en donde ya había aparecido el Renacimiento.

Su principal innovación es el uso de la técnica del óleo lo que permite un mayor colorido, sutilismo y detallismo en las creaciones pictóricas cargadas de simbolismo ya que, tras los objetos triviales, aparecen mensajes ocultos que las convierten en auténticas alegorías.

“El matrimonio Arnolfini” de Jan van Eych, (1390-1441)

La mayor parte de las obras son encargos privados, de la aristocracia y la nobleza, lo que hace que su temática tenga un fuerte contenido civil y profano y, aunque hay temas religiosos, se interpretan como sucesos cotidianos.

A esta última fase del gótico se la conoce, también, como prerrenacimiento o renacimiento nórdico por su avanzado tratamiento de la luz, su concepción de la perspectiva y su rico colorido que hace que se le considere una especie de primer renacimiento.

PINTURA GÓTICA/ RENACENTISTA

Ya ha finales del siglo XV, el gótico convive con el estilo renacentista siendo el primero la raíz pictórica del segundo.

En el gótico- renacentista, desaparece la elaboración de retablos y cada pintura es un mundo en si misma sin conexión alguna con el ámbito externo.

Los cuadros plasman temas de paisajes, de belleza idealizada de los desnudos y el volumen de las formas y el sentido espacial son dimensiones cardinales de la pintura renacentista.

“The School of Tagoste” de Benozzo di Lese di Sandro, “Gozzoli”, (1420-1497)

En este periodo, la luz se trabaja con más perfección con la intención de resaltar los diferentes planos, el paisaje se plasma con pasión y se encuadran en él figuras con efectos de profundidad y la consecución de ésta se convierte en una obsesión para el artista.

PINTURA RENACENTISTA

Cronológicamente se sitúa en el siglo XV, en Italia, y entrado el siglo XVI en los demás países, siendo los siglos XVI y XVII los de su máximo apogeo.

La pintura del Renacimiento está llena de religiosidad, de representaciones paisajísticas y de figuras a través del retrato, buscando cada artista su propio estilo.

“El prestamista y su mujer” de Quintín Massys, (1465-1530)

También son características propias de esta pintura la búsqueda de la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza e inspirándose en las obras escultóricas clásicas; la universalidad de la temática de los cuadros, (temas mitológicos, retratos y las historias); el procedimiento el cual abandona los realces y los dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción, casi en exclusiva, de la pintura al óleo.

El periodo de decadencia se caracteriza, entre otras características,  por la escasez de buenos maestros renacentistas, por la exageración del movimiento en las figuras , por la expresión poco natural que empiezan a surgir en los rostros.

PINTURA RENACENTISTA/ MANIERISTA

El manierismo es el estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento, año 1530), hasta comienzos del Barroco, (hacia el año 1600).

El origen etimológico proviene de la asignación a aquellos artistas que pintaban  “a la manera de…” Miguel Angel, Rafael o Leonardo da Vinci y a los que, más tarde, se les aplicó con connotaciones peyorativas cuando esa “manera” fue entendida como una fría técnica imitativa de los grandes maestros.

“Danea recibiendo la lluvia de oro” de Tiziano Vecellio di Gregorio, (1487-1576)

En la pintura manierista las figuras tienen, con frecuencia, extremidades pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado y posturas complicadas y artificiales.

Los colores utilizados son fríos, artificiales, extraños y enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en las gamas.

PINTURA BARROCA

La pintura barroca adquiere un papel predominante dentro de todas las manifestaciones artísticas del Barroco y desarrolla nuevos géneros como los bodegones, los paisajes, los retratos, los cuadros de género o costumbristas, la búsqueda del realismo y un enriquecimiento de la iconografía.

“Muchacha con turbante” de Jan Vermeer de Delft, (1632-1675)

Sus características más importantes son el dominio técnico absoluto de la pintura al óleo y de la pintura al fresco;  el predominio del color sobre la línea, de esta forma los efectos de profundidad se consiguen más con los contrastes de luz y las tonalidades que con las líneas definidas y nítidas del dibujo; la luz, convertida en un elemento fundamental, define el ambiente, difumina los contornos y matiza los colores; el movimiento y las composiciones complicadas con perspectivas insólitas y una distribución asimétrica de los volúmenes; el realismo puesto que el pintor barroco trata de imitar la realidad pero sin la idealización del siglo anterior y el gusto por la perspectiva ilusionista, con la que se intenta romper, visualmente, con el espacio arquitectónico real.

PINTURA BARROCA/ ROCOCÓ

Nacido en Francia se desarrolla entre los años 1730 y 1760 de forma progresiva y se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros y las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y, especialmente, en los remas amorosos y galantes.

“Amorcillos vendimiando” de copista anónimo de François Boucher

Pintura mundana, sin influencias religiosas, plasma temas de la vida diaria y de las relaciones humanas, buscando refleja lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Mientras la pintura barroca estaba al servicio del poder absolutistas, la pintura rococó está al servicio de la aristocracia y de la burguesía, retratando la comodidad, el lujo y la fiesta, lo que permite al artista trabajar con más libertad e iniciarse en el mercado del arte.

PINTURA CLASICISTA/ NEOCLASICISTA/ ROMÁNTICA

Es la tendencia pictórica que se desarrolló en el siglo XVII y que nace como alternativa a la pintura barroca, y de la que cabe destacar el predominio del dibujo sobre el color; la construcción del espacio a través de planos sucesivos, sin las bruscas diagonales barrocas; la distinción de la formas nítidamente y con independencia, a diferencia de la “subordinación al todo” de la pintura barroca; ausencia de contrastes y actitudes exageradas y la realización de obras cerradas, no abiertas, con las figuras colocadas en el centro de la composición.

“Campesinos en la taberna” de Mathieu Le Nain, (1607-1677)

PINTURA NEOCLASICISTA

Como una parte más de un movimiento artístico, el Neoclasicismo, la pintura trata de volver a los ideales clásicos tras los excesos del barroco y del rococó.

"El juramento de los Horacio" de Jacques-Louis David, (1748-1825)

El principal problemas de los pintores neoclásicos, a diferencia de los arquitectos y escultures, era la escasez de pinturas clásicas en las que inspirarse. Por ello los pintores neoclásicos deben recurrir a la observación de las esculturas griegas y romanas, de ahí su sobriedad y, una especie, de frialdad.

En consonancia con el racionalismo de la época, el predominio del dibujo es patente mientras que la importancia del color queda relegada; hasta el punto de poder decir de algunas pinturas neoclásicas que son pinturas “monocromas”.

PINTURA ROMANTICA

La pintura romántica sucede a la neoclásica de finales del siglo XVIII y apela al subjetivismo y la objetividad con la que se trata de dar a la figura un carácter realista.

Utiliza, con frecuencia, fuertes contrastes de luz y sombra, (el claoscuro), y el colorido es otro valor importante de la pintura romántica ya que prevalece al dibujo.

“Alegoría de la primavera” de Winterhalter, Franz, (1805-1873)

En cuanto a los temas preferidos por los artistas románticos destacan el paisaje, que deja de ser un elemento secundario y meramente decorativo, para pasar a ser una forma de expresar emociones humanas; la pintura animalista, es decir, la representación de animales, tanto salvajes como domésticos, y la pintura costumbrista, que refleja tipos y personajes populares.

Las técnicas utilizadas fueron varias, con predominio del óleo, pero los pintores románticas ingleses se inclinaron más por la acuarela y los nazarenos recuperaros la pintura al fresco.

PINTURA REALISTA

La pintura realista aparece tras la Revolución Francesa cuando el desencanto de los revolucionarios por los fracasos hace que se abandonen los temas políticos para centrarse en los temas sociales.

“El Estudio” de Jean-Baptiste-Camile Corot, (1796-1875)

Técnicamente no introdujo grandes novedades, pero revalorizó a los grandes maestros naturalistas del barroco, y su gran aportación fue la de introducir en su temática el mundo del trabajo de los obreros y de los campesinos ya que los artistas toman conciencia de los problemas de la clase obrera y cargan sus pinturas de contenido social, reaccionado, así, contra los temas mitológicos, históricos, religiosos tratados en el Romanticismo.

PINTURA IMPRESIONISTA

Nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa de finales del siglo XIX.

En la pintura impresionista el paisaje cobra una gran relevancia y, también, la vida cotidiana de la noche y el ocio

Las importantes evoluciones científicas y técnicas del momento, permitieron la creación de pigmentos nuevos con los que los pintores darían nuevos colores a sus pinturas, generalmente el óleo. Con la utilización de los colores puros, o saturados, consiguieron una pureza y saturación del color hasta el momento impensable.

“La barca en Giverny” de Claude Oscar Monet, (1840-1926)

Los impresionistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, (“todo color es relativo a los colores que le rodean”), y a la ley de colores complementarios,  (enriqueciendo el uso de los colores puros bajo contrastes, generalmente, fríos y cálidos). La firmeza del color, les permitió afinar el volumen a través de más matice lumínicos.

PINTURA POSTIMPRESIONISTA

La pintura postimpresionista engloba diversos estilos personales, planteándolos como una extensión del impresionismo y como un rechazo a las limitaciones de éste.

Los artistas postimpresionistas, como los impresionistas, utilizaron los colores vivos, la aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

“Cronching Worman Red Hair” de Henry Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, (1864-1901)

Algunos de ellos estuvieron interesados en resaltar las cualidades naturales de la pintura, por lo que plasmaron seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies.

En cuanto a los temas reflejados, intentan reflejar los reales pero presentaron una visión más subjetiva del mundo que los pintores impresionistas.

PINTURA SIMBÓLICA

La pintura simbolista es una tendencia artística que aglutina a pintores muy dispares y que supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales, en la que el símbolo tiene un valor intrínseco y cuya lectura no es unitaria.

“Jarrón con flores” de Odilon Redon (1840-1916)

En este estilo pictórico la fantasía, la intimidad, la subjetividad exaltada y la espiritualidad sustituyen  a pretenciosa objetividad de los impresionistas y neo-impresionistas. Se busca la recuperación del sentimiento de las tendencias religiosas, la nostalgia del mundo idílico y aparece el tema de la mujer fatal, la unión entre el Eros y el Thanatos y una nueva relación entre los sexos.

Los simbolistas continúan con la expresión romántica de expresar a través del color y no quedarse sólo en la interpretación.

PINTURA PUNTILLISTA/ DIVISIONISTA

El puntillismo es el estilo pictórico, aparecido en el año 1888, consistente en poner puntos de colores que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas.

Este movimiento parte, también, de la imagen de la naturaleza, del mismo motivo que los impresionistas, pero en este caso serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caracterizarán la esencia de la pintura.

“Bathers, Asnières” de George Pierre Senrat, (1859-1891)

El estudio de las interacciones de los colores y sus complementarios, lleva a algunos pintores puntillistas a confeccionar un disco en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios.

El color blanco forma parte, indiscutible, de su paleta ya que les permitió obtener una multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un blanco casi puro.

Algunos pintores puntillistas no aceptaron nunca la denominación de puntillismo, en cuanto a la técnica de este grupo, prefiriendo el término “divisionismo” ya que consideraban que abarcaba mejor todas sus innovaciones.

PINTURA “LOS NABIS”

Con el vocablo Nabis, (del hebreo profeta), se designa a un grupo de artistas que, por sus diversas actividades, fueron de gran influencia en la pintura francesa a finales del siglo XIX y que entiende el arte como “la manera subjetiva de expresar las emociones”, por lo que los sentimientos se convierten en la base fundamental de la representación.

“Mujer al piano” de Felix Vallotton, (1865-1925)

El color se convierte, pues, en el elemento que va a transmitir determinados estados de ánimo y formas de sentir.

Entre sus más representativas se encuentran las de su interés por lo exótico y lo oriental, siendo las culturas lejanas y exóticas fuente de inspiración para crear sus obras; el ámbito burgués y doméstico como una de sus temáticas principales; la deformación de la realidad, tanto objetiva como subjetiva; el color como elemento prioritario en las composiciones artísticas, con predominio de la gama que va de los tonos pardos a los verdes; la utilización del cartón y el papel como soporte y la realización de litografías, el uso de todo tipo de materiales: vidrieras, litografías, grabados, dibujos…

PINTURA MODERNISTA

Surgida en la última década del siglo XIX y la primera del XX, la pintura modernista se manifiesta con un componente de esperanza que cree que lo industrial contribuye al avance en lo material y lo espiritual, al mismo tiempo que desea transmitir la idea de agilidad a través de líneas curvas, motivos inspirados en una naturaleza, tanto animal como vegetal, estilizada pudiendo llegar casi a la abstracción.

“Naturaleza muerta” (“Natura morts”) de Giovanni Sagantini, (1858-1899)

Las líneas generales de la pintura modernista son: abandono de lo cotidiano a favor de temas de contenido simbólico-conceptual; insistencia en la línea y en el dibujo muy expresivo; el deseo de superar el academicismo e impresionismo; las formas orgánicas; recreación de los temas de la mujer, la perversión y el erotismo; los formatos alargados y apaisados; excesivo decorativismo; la importancia de las ilustraciones gráficas, el cartel y la litografía; una pintura de carácter lineal y bidimensional y el uso de la línea independiente que avanza hacia el expresionismo posterior.

PINTURA FAUVISTA (Vanguardia Histórica)

Estilo pictórico de tintes expresionistas el fauvismo, o fovismo, destaca por el uso de colores intensos, en especial el verde, y por la búsqueda de la fuerza expresiva del color a través del juego con la teoría del color, basada en el conocimiento de los colores primarios, secundarios y complementarios.

Debido a la importancia que los fauvistas le dan al color, se olvidarán de otros aspectos tales como el modelado, la perspectiva, el claroscuro o la composición  y despreciarán la habilidad técnica para centrarse en los toques rápidos, vigorosos, toscos y discontinuos. El dibujo tendrá un valor secundario.

“Las damas” de Francisco Uturrino, (1864-1924)

La tmática fauvista es variada y diversa: el mundo rural, el ámbito urbano, el desnudo, los interiores, el aire libre, la alegría de vivir…; todo dependerá de la mano fauvista que sujete y mueva el pincel.

Su actitud rebelde les llevará a transgredir las normas respecto a la pintura, a buscar algo diferente que les haga avanzar artísticamente y, sobre todo, a expresar sentimientos lo que les hará percibir la naturaleza en función de estos.

PINTURA EXPRESIONISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura expresionista nace en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés, y plasma el deseo de los artistas de dar una visión de sus sentimientos.

Se entiende como una deformación y acentuación de la realidad con la finalidad de conseguir expresar adecuadamente los valores que pretende poner en evidencia.

“Ballet ruso II” de August Macke, (1887-1914)

Los elementos que caracterizan a este estilo son el color, el dinamismo y el sentimiento, el deseo de romper las formas, aunque ello conlleve un reflejo poco fiel y realista del mundo. Su principal objetivo es trasmitir las emociones y los sentimientos más profundos, intencionalidad que subyace en cualquiera de las obras de todos sus representantes.

PINTURA CUBISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura cubista se desarrolla en Francia, entre los años 1907 y 1914, y trata de representar la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.

A pesar de ser una pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son nuevos y abundan los retratos, los bodegones y los paisajes.

“El leñador” de Kazimir Malevich, (1878-1935)

Dos tendencias se dan cabida en este estilo: el cubismo analítico y el cubismo sintético. En el primero la pintura es casi monocroma ya que lo que interesa son los diversos puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo; dentro del cubismo analítico se incluye el cubismo hermético, con obras casi abstractas como consecuencia de la cantidad de puntos de vista representados.

Por miedo a llegar a la abstracción, el cubismo hermético se transformó en cubismo sintético con la introducción de papel pegado directamente en la pintura. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como tiras de papel de periódico, cajetillas de cigarros, cajas de cerillas…

PINTURA FUTURISTA/ VORTICISTA/ RAYONISTA (Vanguardia Histórica)

Este estilo, desarrollado en Italia entre los años 1909 y 1916, se opone al academicismo y a la moral tradicional, su ideario fue la exaltación del mundo moderno: las máquinas, la velocidad, la energía…; es, además, un arte que se preocupa de estudiar el movimiento

El desprecio de lo imitativo; la exaltación de la originalidad; la negación del pasado y el academicismo; la representación plástica  del dinamismo y del movimiento basada en el “simultaneismo”, (multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo); la creación de ritmos mediante las formas y los colores; la temática figurativa de motores, guerras, deportes, vehículos en movimiento…; el color refulgente, tanto plano como modulado y las trasparencias… son algunos de los signos emblemáticos de la pintura futurista.

“Pintura. Máquina de escribir” de Amadeo Souza Cardoso, (1887-1918)

PINTURA VORTICISTA

La pintura vorticista fue un movimiento artístico británico surgido a finales del siglo XX que, a pesar de haber durado sólo apenas tres años, se le considera el único movimiento británico significativo de aquella época.

Nace del cubismo pero se relaciona más estrechamente con el futurismo ya que adopta de éste su dinamismo, la edad de las máquinas y todas las cosas modernas. Sin embargo, se aparta del futurismo en la forma de intentar captar el movimiento de una imagen a través de una disposición marcada de las líneas y de colores discordantes que llevan la mirada del espectador al centro del lienzo.

PINTURA RAYONISTA

Aparece en Rusia entre los años 1909 y 1914 y se la considera una pintura de caballete que pretende la abstracción dinámica y lineal en la luz y el color.

Estructura la composición siguiendo esquemas radiantes a base de estrías turbulentas o haces de color que cruzan y entrecruzan la superficie del lienzo e intenta expresar un nuevo concepto de espacio en el que quede reflejado el dinamismo, la energía de los cuerpos, la luz y el tiempo,

En la pintura rayonista el color es, en general limitado y austero y la comunicación de inestabilidad, el dinamismo y la energía son patentes.

PINTURA ABSTRACTA (Vanguardia Histórica)

Estilo pictórico trascendental para las segundas vanguardias, la abstracción es un lenguaje no figurativo en el que se toma de la realidad lo esencial y se abstrae lo secundario.

Surge en el año 1910 como reacción al realismo y ha sido influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. La representación figurativa es sustituida por un lenguaje visual autónomo, dotado de significaciones propias. Por lo tanto, enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales para resaltar su valor y fuerza expresiva. Este lenguaje se ha elaborado a partir de experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo.

PINTURA REALISTA (Vanguardia Histórica)

Frente al movimiento abstracto, se desarrolla el Realismo, un estilo nuevo sobre la representación de la realidad que aparece en el año 1960 y que se convierte en un paso de vanguardia.

Despunta en Italia con Y. Klein con su color exclusivo, el azul.

PINTURA DADAISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura dadá es un estilo pictórico que surge en Zurich, (Suiza), en el año 1916 y que se caracterizó por sentimientos de protesta contra lo convencional. Un ansiarte, una forma de vivir y sentir especial y de rechazo absoluto a toda tradición o esquema anterior.

Los pintores dadaístas se caracterizaron por manifestarse contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Los artistas, a través de sus obras, propugnan la libertad desenfrenada del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo actual, lo aleatorio y la contradicción. Defienden el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.

PINTURA NAIF (Vanguardia Histórica)

La denominación de pintores naíf se aplica a aquellos artistas cuyas obras se caracterizan por la ingenuidad, la espontaneidad y el autodidactismo; por utilizar colores brillantes y antinaturalistas y por hacer uso de una perspectiva acientífica captada por intuición.

En muchos aspectos, la pintura naíf recuerda o se inspira en el arte infantil, ajeno al aprendizaje académico y por evitar rebuscamientos y sofisticaciones.

“El paseo por el bosque” de Henri Rousseau, (1844-1910)

Aunque el genuino naíf no puede, por definición, tener motivos predeterminados, debido al ambiente en que surge el dadaísmo, suelen darse temáticas relacionadas con la vida campesina, la vida familiar, las tradiciones y la religión pero representados siempre con gran imaginación, vivacidad e “ingenidad”.

PINTURA SURREALISTA (Vanguardia Histórica)

La pintura surrealista, o superrealismo, aparece en Francia a partir del dadaísmo. En el primer cuarto del siglo XX.

Muchas fueron la técnica desarrolladas por los artistas que adoptaron este estilo ya que cada uno plasmó sus inquietudes a partir de sus propias experiencias. De esta forma aparecen las écnicas del automatismo, la de fijación de imágenes tomadas de los sueños, el frottage, la decalcomanía además de utilizar otros procedimientos que incluyen, igualmente, el azar como el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.

Hay quien dio al surrealismo una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Con  el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, abandonando algunos de ellos París para trasladarse a Estados Unidos en donde siembran el germen de futuros movimientos americanos artísticos de posguerra.

PINTURA METAFÍSICA

La pintura metafísica tiene su cuna en Italia y el movimiento metafísico, en general, se debe a Giorgio de Chirico y a Carlo Carrá.

Los representantes de esta opción pictórica usando un estilo realista pintaron imágenes oníricas de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas, así como las yuxtaposiciones, aparentemente, casuales de objetos. Su pintura representa un mundo visionario que conectaba de manera inmediata con el mundo del inconsciente, más allá de la realidad física.

La pintura metafísica surgió del deseo de explorar la vida interior imaginada de los objetos cotidianos cuando se los representa fuera de los contextos habituales que sirven para explicarlos: su solidez, su separación en el espacio que se les da, el diálogo secreto que podía tener lugar entre ellos.

En definitiva, en este estilo de pintura una realidad ilógica parece creíble.

PINTURA DE LA ESCUELA DE PARÍS

Se denomina de esta forma al conjunto de movimientos pictóricos artísticos que tuvieron su centro de actividad en la capital francesa, especialmente durante los primeros cuarenta años del siglo XX.

La importancia de París se explica porque acogió a numerosos extranjeros, judíos y europeos provenientes del este, quienes se sintieron libres en esta ciudad.

París perdió su fuerza con motivo de la persecución nazi durante la II Guerra Mundial y el centro artístico se traslado a Nueva York, ciudad a la que se dirigieron los artistas que debieron emigrar.

Se puede decir que no constituye una escuela homogénea ni siquiera que tuviera un programa colectivo, sino que se trata más bien de una agrupación cosmopolita de artistas cuyo núcleo vital era la ciudad de París, que actúa como incentivo artístico e intelectual.

PINTURA NUEVA OBJETIVIDAD

Surge en Alemania a comienzos de los años 1920, rechazando el expresionismo, y finaliza en el año 1933, tras la caída de la República de Weimar y la toma de poder por los nazis.

Los pintores pertenecientes a este movimiento artístico quieren provocar al público  por medio de una figuración distante, fría y con imágenes chocantes, para lo cual aprovechan los logros del fotomontaje dadaísta, algunos recursos del futurismo, la combinación simultánea de varias visiones y la fragmentación de formas del cubismo.

Aprovechan las aportaciones de la vanguardia pero, a diferencia de ella, no se quedan indiferentes ante la realidad social y política, tomando partido en ella.

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DÍA DE LA MUJER TRABAJADORA

Título: “NosotrAs también existismos”

Conferenciante: Directora del Museo

Fecha: 8 de marzo de 2009

Hora: 23,30 h.

Lugar: Salón Alegret: (MUSEO KARURA ART CENTRE)

“Como ya anuncia el título de esta nueva exposición, el 50% de la Humanidad también existe en un mundo creado, regido y enfocado hacia el otro 50%: el masculino.

Aunque por suerte para todos, mujeres y hombres, los avances hacia la igualdad son cada día más notorios, el camino no está todo realizado y la igualdad total de ambos sexos aún no se ha conseguido.

Cartel de la exposición.

Según la opinión de tres sociólogos consultados por la Dirección del MKAC, un baremo indicativo del momento en que la total igualdad entre mujeres y hombres se ha logrado llegará cuando una mujer ocupe la Presidencia de los EE.UU. de América.

La actualidad ha puesto de manifiesto que las mujeres están cerca de conseguir ese objetivo, por lo que por un lado deben estar satisfechas de los resultados de sus reivindicaciones y luchas pero, por otro, no deben cejen en su empeño y continuar solicitando y exigiendo el papel que les corresponde en la sociedad.

La exposición “NosotrAs También Existimos” que desde hoy, día 6 de marzo de 2009, podeis contemplar en la Sala Van Gohg y Sala Rubens del Museo Karura Art Centre pretende varios objetivos y por eso se ha desglosado en dos secciones: una de fotografías y otra de pintura.

Uno de ellos, el elemental y principal, rendir un pequeño homenaje a las mujeres; a todas ellas. A las que existieron hace años y que con su conducta y determinación marcaron hitos en una sociedad más hostil contra la emancipación femenina y a las que existen ahora en estos momentos y que continúan con la labor de las anteriores.

Otro de ellos el mostrar la importancia de las mujeres en el mundo pictórico aunque sólo sea como modelos de artistas masculinos. Sin embargo, esa aparente intrascendencia de su papel de modelos debe llevarnos a una reflexión: ¿quién perdería su tiempo y dedicaría el más mínimo esfuerzo a pintar sobre aquello que no admira o sobre lo que no reconoce su mérito, aunque sólo sea de una forma inconsciente?

Un objetivo más es contestar a la anterior pregunta con un recorrido sobre distintas actividades realizadas por las mujeres a lo largo de los siglos y que, si bien pueden parecer insignificantes si ahondamos un poco en su conjunto no lo son tanto. ¿Podrían los hombres disponer de tiempo suficiente para pintarlas a todas ellas o para realizar un trabajo, en un alto porcentaje meramente creativo, si sus modelos no se hubieran ocupado de las tareas en el campo, los hijos, las labores domésticas, el mantenimiento de las relaciones sociales…?

Y esa es otra finalidad más de la exposición “NosotrAs También existimos”´: mostrar a las mujeres en todas sus facetas. En las que la sociedad les ha obligado a desempeñar y en las que ellas han decidido realizar para no dejar de ser ellas mismas ni tener que renunciar del todo a sus derechos.

De ahí que la exposición haga hincapié en todas esas áreas en que las mujeres han sido esenciales, mostrándolas en todas sus facetas, (la mujer madre, la mujer amante, la mujer campesina, la mujer costurera, la mujer prostituta, la mujer autoritaria, la mujer independiente, la mujer persona que duda entre dos amores, la mujer que piensa, la mujer culta…); la mujer como representante de distintas clases sociales, (la mujer adinerada, la mujer criada, la mujer campesina, la mujer que se busca la vida en las esquinas de las calles…) y, por último, la mujer en todas sus edades, (la mujer bebé, la mujer niña, la mujer adolescente, la mujer adulta,…).

“Existimos”, engloba y remarca la importancia de las mujeres en tiempos pasados y presentes de ahí que se haya elegido ese tiempo verbal.

Sirva, también, esta exposición como recordatorio y agradecimiento a los integrantes del sexo masculino.

De recordatorio para todos aquellos que han minimizado e infravalorado a las mujeres en sí mismas y la importancia de su existencia en la suya propia. De agradecimiento para aquellos varones que, ya sea por necesidad o por convencimiento, estuvieron, están y estarán luchando junto a ellas por la igualdad de los dos sexos y que avanzan a su lado compartiendo un mismo camino.”

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“60º ANIVERSARIO DE LA DECLARACIÓN DE LOS DERECHOS HUMANOS”


Título: Presentación Conferencia “60º Aniversario de la Declaración de los Derechos Humanos”

Conferenciante: Directora del Museo.

Fecha: 10 de diciembre de 2008

Hora: 23,30 h.

Lugar: Salón Alegret, (MUSEO KARURA ART CENTRE)

“10 de diciembre de 1948.

 

Logotipo de Naciones Unidas.


Esta fue la fecha elegida por las Asamblea General de Naciones Unidas para realizar su Declaración de Derechos Humanos después de que los Estados miembros se comprometieran a defender y a hacer efectivo el respeto universal, las libertades y los derechos fundamentales del hombre, es decir, de todos nosotros.

Con esta iniciativa, un día como hoy de hace seis décadas, Naciones Unidas aunaba el compromiso de todos sus Estados a considerar esos derechos como de plena importancia para la individualidad de cada ser humano, en particular, y para una óptima convivencia social, en general, con la dedicación y esfuerzo realizados, durante siglos, por diversas sociedades, pueblos y personas en pro de la dignidad humana y de una convivencia asentada en la libertad y en el mutuo respeto.

Tras esta Declaración no faltaron quienes, por motivos personales o colectivos, alzaron sus voces para minimizar la importancia de esta decisión e incluso poner trabas a este paso dado por Naciones Unidas. Como lo obvio nunca puede ser cuestionable o al menos es complicado de disputar, basaron sus críticas en el simple hecho de que en dicha Declaración no se mencionaban, junto a los derechos de los ciudadanos, sus deberes con la sociedad.

La presidenta de la comisión preparatoria del texto de la Declaración, Eleanor Roosevelt, no se anduvo con ambigüedades a la hora de acallar esas voces y declarar, tajantemente, que de lo que se trataba era de la redacción de una declaración de los derechos del ser humano y no de sus obligaciones.

Pienso, y esto ya es una opinión personal, que cada uno de nosotros debemos ser igual de tajantes que Eleanor Roosevelt, a la hora de frenar a todos aquellos que tratan, de diversas maneras y con las más surrealistas triquiñuelas, de frenar la consecución de los Derechos Humanos y, en definitiva, de la posibilidad de alcanzar una sociedad mejor.

Soy consciente de que aún queda mucho camino que recorrer para que un día esta Declaración quede obsoleta y sea como papel mojado porque sus 30 objetivos ya se hayan conseguido; pero también se que, gracias al empeño de muchos, hoy estamos muchos más cerca de alcanzarlos que hace sesenta años y un día.

La Dirección del MKAC ha considerado oportuno, desde este ínfimo rincón virtual, sumarse a esta conmemoración desde el espacio que le corresponde, el del arte y la cultura, organizando una serie de actividades que contribuyan a recordarnos que la Declaración de Derechos Humanos aún está vigente a fecha de hoy: 10 de diciembre de 2008.”

Título: “60º Aniversario de la Declaración de los derechos humanos”

Conferenciante: Alba Drevnerussky

Fecha: 10 de diciembre de 2008

Hora: 23,30 h.

Lugar: Salón Alegret, (MUSEO KARURA ART CENTRE)


“Buenas noches a todos, en esta exposición sobre Arte y Derechos Humanos, voy a presentar una comparativa entre las realidades patentes y latentes que subyacen en el Arte, en concreto en la pintura, y en la propia Declaración Universal de 1948.

Comenzaré con un brevísimo recorrido sobre los momentos históricos que dieron lugar a la actual Declaración de la ONU. A continuación, seguiré con el cambio en la concepción del Arte clásico al Arte actual.

Observaremos cómo tanto la denuncia del artista mediante la Pintura como la Declaración universal no son vinculantes, no obligan a nada, pero se verá también cómo la Forma enriquece los contenidos hasta convertirlos en momentos privilegiados de denuncia en el colectivo humano.

Toda la información de esta exposición se halla en Internet. Lo que pretendo comunicar ya ha sido escrito y presentado con anterioridad. Tan solo copio y uno ideas y textos con el objeto de presentar lo que deseo relacionar.

En el transcurso de la historia, los conflictos, ya sean guerras ya sean levantamientos populares, han surgido, por regla general, como reacción frente al tratamiento inhumano y a la injusticia. La Declaración inglesa de los Derechos de 1689, redactada tras las guerras civiles que tuvieron lugar en el país, supuso la plasmación de la aspiración del pueblo a una democracia.

Exactamente un siglo más tarde, la Revolución francesa dio lugar a la Declaración de los Derechos del hombre y del ciudadano que proclamaba la igualdad universal. Pero fue el Cilindro de Ciro, redactado en el 539 AC por Ciro el Grande, del imperio de Persia, tras la conquista de Babilonia, al que se considera primer documento de los derechos del hombre. El Pacto de los Virtuosos, entre tribus árabes, hacia el 590 AC, fue una de las primeras alianzas por los derechos del hombre.

Tras la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de un organismo internacional que promoviera relaciones internacionales más justas y menos conflictivas era patente. El resultado fue la creación de la Organización de las Naciones Unidas (heredera de la antigua Sociedad de Naciones, fundada en 1919, al final de la Primera Guerra Mundial). Con la firma de la Carta de las Naciones Unidas por parte de 51 estados en San Francisco en 1945, la nueva organización inició su singladura.

En la medida que uno de los objetivos fundacionales de las Naciones Unidas era fomentar el respeto de los derechos humanos, en 1946 se creó  la Comisión de Derechos Humanos (dentro del Consejo Económico y Social).

El primer trabajo de la Comisión fue el encargo de un proyecto de Declaración sobre Derechos Humanos, a un equipo formada por ocho personas, presidido por Eleanor Roosevelt (Estados Unidos) y con René Cassin (Francia) como vicepresidente.

Además de los contenidos, uno de los grandes motivos de debate fue que incluyera o no instrumentos que obligaran a su cumplimiento, un debate que finalmente perdieron los partidarios de que tuviera un carácter vinculante a través de una Convención que contemplara medidas para la aplicación real de los principios proclamados en la Declaración (el Pacto Internacional de Derechos Civiles y Políticos y el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales no se firmaron hasta 1966, y no entraron en vigor hasta 1976).

En las largas negociaciones hacia el texto final, los representantes de los países capitalistas insistían en la importancia de los derechos y libertades individuales, mientras que las delegaciones de los países comunistas incidían sobre los derechos de tipo social y económico.

Tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial, el enfrentamiento ideológico entre capitalismo y comunismo (conocido como la Guerra Fría) estaba en una fase creciente y dificultaba el consenso.

Cartel de Naciones Unidas, conmemorativo del 60º Aniversario de la Declaración de los Derechos Humanos".

Otros focos de oposición fueron las posturas de Sudáfrica, en la medida que su sistema de segregación racial era incompatible con distintos artículos de la Declaración, y la de Arabia Saudita, que argumentaba que la Declaración se basaba en modelos culturales occidentales, en ocasiones de difícil conjugación con la Ley Islámica.

Tras dos años de propuestas y modificaciones, el 10 de diciembre de 1948 se presentó el texto definitivo para su aprobación a la Asamblea General de las Naciones Unidas. La Unión Soviética y algunos países de su área de influencia (más Arabia Saudita y Sudáfrica) se abstuvieron durante la votación, y el texto fue aprobado por gran mayoría (48 votos a favor, 8 abstenciones y ningún voto en contra).

Si pasamos ahora al estudio del arte, comprobamos que la idea central de la estética clásica apelaba tanto a la sensibilidad como a la racionalidad del hombre, el Principio de Placer y el Principio de Realidad: la obra de arte invoca a los sentidos, se orienta a la satisfacción de las necesidades sensuales pero de manera altamente sublimada.

El Arte posee una función reconciliadora, apaciguadora y cognitiva: la de ser bella y verdadera.  La belleza llevará a la verdad: se supone que en la belleza aparecerá una verdad que no había aparecido ni podía aparecer de ninguna otra forma.

La armonización de lo bello y de lo verdadero. Eso que se creía plasmación de la unidad esencial de la obra de arte se tornó una identidad de los opuestos cada vez más imposible porque la verdad se ha revelado como algo cada vez más incompatible con la belleza. La vida, la condición humana han militado cada vez más en contra de la sublimación de la realidad bajo la Forma del Arte.

Esta sublimación requiere una organización de los materiales para conformar la unidad y la persistente estabilidad de la obra, y es esta organización la que parecería “sucumbir” a la idea de la Belleza.

Es como si esta idea se impusiera sobre los materiales mediante la energía creativa del artista (aunque de ninguna manera como intención consciente de éste). El resultado es más evidente en aquellas obras que son una acusación intransigente, “directa”, a la realidad.

Veamos un ejemplo concreto:  el 2 de julio de 1816, la fragata francesa Medusa naufragó al chocar con un banco de arena a 40 leguas de la costa de Senegal. La nave llevaba militares y clérigos a las posesiones coloniales en África y era comandada por un noble incompetente, que obtuvo el puesto por influencias políticas.

Tras el naufragio, él y los oficiales usaron las barcas salvavidas dejando a su suerte a la tripulación: 149 hombres y una mujer que lograron armar una balsa de 20 metros por 7. Podía haber sido remolcada, pero la oficialidad nada hizo por seres a los que consideraba inferiores.

Durante trece desesperados días, el hambre y la sed enloqueció a los náufragos y se dieron casos de canibalismo. Cuando fueron rescatados, sólo quince habían sobrevivido. De ellos, cinco fallecieron poco después. Este drama escandalizó a Francia y el proceso posterior a los oficiales inspiró dos grandes obras: “La Salamandra”, de Eugenio Sue, y “La balsa de la Medusa”, de Géricault.

Visto como un manifiesto del arte romántico y un “Yo Acuso” que lo llevó al terreno de la protesta política, el cuadro de Géricault recrea el momento en que los supervivientes avistan la nave salvadora y traza un camino nunca transitado: el del lienzo como denuncia.

Géricault, que se hizo relatar la tragedia por cada uno de ellos, viajó a la costa normanda para estudiar las mareas; en los hospitales y en la morgue hizo minuciosos bocetos de moribundos y de miembros cercenados.  El hacha ensangrentada que se ve a un costado del cuadro alude al canibalismo que hizo de la balsa un infierno. Y la presencia de un náufrago negro se entendió como un alegato contra la esclavitud.

A pesar del impacto que produjo, Géricault era consciente de los límites de su obra: “Ni la poesía ni la pintura podrán hacer justicia al horror y la angustia de esos hombres”, escribió.

El artista condena, pero su veredicto anestesia el terror. Así, la brutalidad, la estupidez, el horror de la guerra están siempre presentes en la obra de Goya, aunque como “cuadros”; se los captura en la dinámica de la transfiguración estética, pueden ser admirados a la par de los retratos gloriosos del rey que impera sobre el horror. La Forma contradice el contenido y triunfa sobre el contenido al precio de anestesiarlo.

Lo que aquí se halla en juego es la visión, la experiencia de una realidad que es tan fundamentalmente diferente, tan antagónica con la realidad dominante, que cualquier transmisión a través de los medios convencionales parece reducir la diferencia o viciar la experiencia. Tal incompatibilidad con el propio canal de comunicación se extiende también a las formas del arte mismas, al Arte como Forma. En la actual situación artística de rebelión y rechazo, el Arte mismo aparece como componente esencial de la tradición que perpetúa lo que es, evitando así la concreción de lo que puede y debe ser.

El Arte logra esto último precisamente porque, y en la medida en que, es Forma, pues la Forma artística detiene lo que se halla en movimiento, establece su límite y su marco y lo ubica en el universo dominante de experiencias y aspiraciones; otorgándole un valor en dicho universo, lo vuelve un objeto entre otros. Esto significa que la obra de arte, tanto como el anti-arte, se vuelve valor de cambio, mercancía: y la Forma Mercancía, como forma de la realidad, es precisamente el blanco de las críticas actuales.

Es cierto que la comercialización del Arte no es nueva ni se remonta siquiera a una fecha reciente. Es tan vieja como la sociedad burguesa. El proceso gana impulso con la reproducibilidad casi ilimitada de la obra de arte gracias a la cual la obra se vuelve plausible de imitación y repetición incluso en sus plasmaciones más refinadas y sublimes.

Walter Benjamin mostró que existe algo que milita contra toda reproducción, a saber, el “aura” de la obra, la situación histórica única en la que se crea la obra de arte, dentro de la cual ella habla y en la que se define su función y significado.

Tan pronto como la obra abandona su propio momento histórico, irrepetible e irredimible, su verdad original se falsea o se modifica: adquiere un significado distinto que reacciona (afirmativa o negativamente) frente a esa situación histórica diferente.

Tributaria de nuevos instrumentos y técnicas, de nuevas formas de percepción y de pensamiento, la obra original puede ser con el tiempo interpretada, instrumentada, y, en consecuencia, se torna más rica, más compleja, refinada, más plena de significado, aunque persista el hecho de que ella ya no es lo que había sido para el artista, su ámbito y su público.

Algo parecido sucede con la Declaración Universal. Esta es una relación de intenciones, pero desprovista de fuerza jurídica. Sin embargo, La Declaración Universal es el primer documento de la historia de la humanidad, aprobado por la comunidad internacional, que considera a todos los seres humanos libres, iguales y con los mismos derechos, sea cual sea su nacionalidad, raza, condición social, sexo, religión…

Este hecho, sin precedentes, es de una trascendencia inmensa. Que no tenga carácter jurídicamente vinculante no quiere decir que su incumplimiento no importe ni afecte a la comunidad internacional. Su peso moral dentro de la comunidad internacional no ha dejado de crecer con el paso del tiempo.

Además, dentro del mismo país los ciudadanos también pueden esgrimir los principios de la Declaración Universal contra sus propios Gobiernos, cuando estos no los respetan. En cualquier caso, la Declaración Universal es una exhortación a la posterior elevación de sus contenidos al ámbito jurídico (nacional o internacional), convirtiéndolos entonces en vinculantes.

Concluiré dando las gracias a Marcuse, a Internet y con palabras de Ortega y Gasset: la verdad es siempre verdad, lo que es relativo es la realidad.

Muchas gracias por vuestra atención.”

Texto:

http://www2.amnistiacatalunya.org/edu/es/historia/dh-sirve.html

http://fs-morente.filos.ucm.es/publicaciones/nexo/n3/JLLopez.pdf

http://www.ucm.es/BUCM/revistas/fsl/00348244/articulos/RESF0505220007A.PDF

http://www.un.org/french/aboutun/dudh/history.htm )

http://portal.unesco.org/es/ev.php-URL_ID=43569&URL_DO=DO_TOPIC&URL_SECTION=201.html

http://www.clarin.com/diario/2004/01/24/s-04301.htm

http://unesdoc.unesco.org/images/0016/001621/162189m.pdf

http://www.cuentayrazon.org/revista/pdf/140/Num140_015.pdf

http://www2.amnistiacatalunya.org/edu/3/dudh/index.html

http://www.listindiario.com/app/article.aspx?id=81966

http://www.marcuse.org/herbert/pubs/70spubs/727tr04ArteRealidad.htm

http://www.unhchr.ch/spanish/html/menu3/b/a_ccpr_sp.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Cilindro_de_Ciro

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