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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Tag Archives: Venecia

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EXPOSICION

“EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO”

“El Bosco. La Exposición del V Centenario” es una de las exposiciones más importantes realizadas en el Museo del Prado, (Madrid, España), y presenta un total de 65 obras; de ellas 25 pertenecen a Jheronimus van Aken, “El Bosco”, 9 a su taller y el resto a otros artistas significativos de la época del pintor flamenco como, por ejemplo, Alart du Hameel, Felipe de Guevara y Adrien van Wesel.

 

Cartel de la exposición "El Bosco. La Exposición del V Centenario”.

Cartel de la exposición “El Bosco. La Exposición del V Centenario”.

 

La muestra está estructurada en seis apartados: “Infancia y Vida Pública de Cristo”, “Los Santos”, “Del Paraíso al Infierno”, “El Jardín de las Delicias”, “El Mundo y el Hombre: Pecados Capitales y Obras Profanas” y “La Pasión de Cristo” a los que hay que añadir una sección sobre la ciudad en la que transcurrió la vida del pintor, “El Bosco y S-Hertogenbosch”.

Comisariada por la Jefa de Departamento de Pintura Española y Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, Pilar Silva, la organización de esta exposición ha sido posible gracias a la colaboración de relevantes entidades museísticas como el Metropolitan Museun of Art de Nueva York, (Estados Unidos), el Musée du Louvre, (París, Francia), el Polo Museale del Veneto, (Venecia, Italia), el Kunsthistorisches Museun de Viena, (Austria), el Museo de Arte Antiga, (Lisboa, Portugal), La National Gallery de Washington, (Estados Unidos), o el Museum of Fine Arts de Boston, (Massachussets, Estados Unidos).

MAS INFORMACION EN:

https://www.museodelprado.es

INFORMACION RELACIONADA EN:

https://mkac.wordpress.com/2013/12/21/de-el-bosco-a-tiziano-arte-y-maravilla-en-el-escorial-exposicion-recomendacion

https://mkac.wordpress.com/?s=museo+del+prado

https://mkac.wordpress.com/2008/05/18/museo-del-prado

 

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

 

BIOGRAFIA

Amadeo Modigliani nace, en 1884, en Livorno, (Italia), en el seno de una familia de comerciantes judíos. Desde su infancia tuvo una delicada salud que le obligó a abandonar los estudios, circunstancia que encaminó su existencia hacia el mundo del arte y los estudios de pintura.

Su formación artística tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes, de Livorno, y en la Escuela Libre del Desnudo, de Florencia, así como en el instituto de las Artes de Venecia. En 1906, en plena fiebre vanguardista llega a París en donde contacta con los sectores artísticos, culturales y literarios; un hecho este que le lleva a ser influencia por artistas como Picasso, en cuyo cubismo y época azul encuentra, en principio, su fuente de inspiración, Cezanne o Toulouse-Lautrec.

Tras visitar brevemente a su ciudad natal, Livorno, retorna a la capital francesa y asienta su residencia en Montparnasse.

 

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

 

Amante de los excesos, su afición al alcohol hace mella en él convirtiéndolo en una persona violenta que contrasta con el individuo tímido cuando no se encuentra bajo los efectos de la bebida.

Gran aficionado, también, a las mujeres conoce, en 1917, a una estudiante, Jeaune Hébuterne, con la que estable una tormentosa relación, y con la que tiene una hija. Una relación que durará toda su vida, casándose con Jeaune poco antes de morir, a consecuencia de una meningitis tuberculosa, y quien tras el fallecimiento del artista se suicida arrojándose por una ventana.

 

PINTURA

La rapidez que Modigliani imprimía a la ejecución de sus obras y el hecho de jamás las retocase, causaron estupor y admiración en el círculo de artistas que frecuentaba en la capital parisina.

Clasificada su pintura, en muchas ocasiones, como expresionista la obra del italiano es difícil de encasillar y catalogar en un determinado estilo. Se podría afirmar que el pintor desarrolló su propio estilo a pesar de vivir en medio de un ambiente vanguardista.

Su primera exposición individual tiene lugar en la galería de Bertha Weill y es clausurada por la policía debido a los desnudos que mostraban sus obras.

En 1917, por sugerencia del marchante de arte Paul Guillaume, realiza sus famosos y cotizados, en la actualidad. Desnudos con los que, sin embargo, no tuvo gran éxito en el momento de realizarlos con fines mercantilistas.

 

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

 

Las peculiaridades de sus obras sobre la figura humana definen, asimismo, sus conocidos desnudos; una temática que trató desde que llegó a París si bien sus primeros cuadros sobre este tema se caracterizan por una concepción simbolista del cuerpo femenino como origen del pecado.

Son sus desnudos, realizados en épocas posteriores, los que rompen con este canon y pasan a representar la sensualidad femenina, estando caracterizados por sus líneas interrumpidas, los colores suaves y el alargamiento en sus formas.

 

DESNUDOS Y RETRATOS

En la producción artística del pintor destacan la realización, mayormente, de retratos y de desnudos y, a pesar de su estrecha relación con el postimpresionista Cézanne considerado el padre de la pintura moderna, tan sólo se le conocen tres paisajes.

Considerado uno de los grandes ejecutores del retrato del siglo XX, Modigliani nunca se consideró un retratista profesional a pesar de representar, esencialmente, rostros y figuras humanas de amigos, mujeres, hombres y niños pertenecientes a todos los estratos sociales.

 

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Entre los retratos más destacados de los realizados por el pintor, se encuentran los de Juan Gris, Max Jacob, Diego Rivera, los de su amante, Beatrice Hastings, los de Jeaune Hébuterne y los de Paul Guillaume caracterizados por la simplicidad de los contornos, las líneas suaves y sinuosas y los rostros ovalados y con cierto matiz de nostalgia.

 

ESCULTURA

La faceta de escultor de Modigliani se inicia, en 1909, tras conocer al escultor rumano Constantin Brancusi, (1876-1957), quien le animó a dedicarse a esta actividad que desempeño hasta 1914 tallando la piedra directamente.

Además de la influencia de la escultura egipcia y egipcia, mediante los “kuroi”, el artista se inspira en el arte primitivo y africano con especial influjo de las alargadas máscaras.

El estilo plástico, la esquematización y la solidez de las formas de sus esculturas se unieron a las característicos ojos, las diminutas bocas, los esbeltos cuellos y las narices retorcidas; un conjunto de peculiaridades que impidió clasificar sus obras en el cubismo y futurismo imperante en aquella época.

 

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

 

Sin embargo, la actividad escultórica de Modigliani cesa tras los inconvenientes que su ejecución le proporciona y a los requisitos necesarios que requería: el alto coste de los materiales, la necesidad de poseer un espacio amplio y adaptado a la talla de la piedra, a las críticas obtenidas y a los problemas que el polvo ocasionaba a sus pulmones.

En la actualidad tan sólo se conservan veinticinco estatuas realizadas por este artista, una de las cuales se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (estados Unidos).

 

ESTILO

Lo interesante de la obra de Amadeo Modigliani es que, a pesar de las influencias recibidas por los artistas que conoció en París, las influencias africanas o las arabescas; “Modi”, como le llamaban sus amigos, desarrolló un estilo propio impregnado de todas estas influencias recibidas a lo largo de su vida y de su formación.

Podemos ubicar su peculiar forma de ejecutar sus obras, a partir del año 1915, fecha en la que da paso a su particular estilo pictórico caracterizado por el alargamiento de la figura humana, una posible influencia del manierismo, y una delicada, elegante y estilizada geometrización de las formas como consecuencia del influjo que tuvo sobre él el arte africano a través de su amigo Brancusi.

En dicho estilo predominan la ausencia de contrates, la utilización de los colores suaves y cálidos y el alargamiento de las figuras que plasmó en sus obras.

Tras un periodo inicial marcados por los cánones artísticos y sociales establecidos, rompe con ellos para adquirir una madurez y un estilo propio inconfundible que no ha tenido seguidores.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/08/24/amadeo-modigliani-mas-alla-de-los-ismos

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/2013/06/05/dia-internacional-de-los-museos-2013-museo-guggenheim-de-bilbao

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

REYES MAGOS CON ARTE

2015

JACOPO COMIN. DATOS BIOGRAFICOS

Jacopo Comin, considerado por muchos como el último gran pintor del Renacimiento italiano, nace en el año 1518 en Venecia en una familia en la que el progenitor desempeñaba el trabajo de tintorero; de ahí el apodo de Tintoretto aunque, debido a su energía y a su frenética capacidad para realizar su producción artística, también se le conoce como Il Furioso.

Dándose cuenta su padre de las cualidades artísticas que mostraba su hijo, le mandó a estudiar al taller de Tiziano en donde aprendió el dominio del color y las sombras y con el que, a pesar de tener una relación de respeto y admiración, nunca desarrolló una amistad.

Pasado el tiempo, Tintoretto mostró interés por el manierismo prestando gran atención al manierismo toscano, romano y emiliano que en esos momentos comenzaba a imperar en su ciudad natal.

Con un estilo en sus comienzos muy cercano al de su maestro Tiziano, en el año 1540, evoluciona hacia el manierismo poniendo especial énfasis en la perspectiva, la composición y, sobre todo, en la luz y tomando de Miguel Angel su gusto por las anatomía humana y las posturas complicadas.

En lo que a la temática se refiere, e n la obra del pintor veneciano destacan los temas religiosos a pesar de hacer realizado, además, retratos de relevantes personajes de su entorno.

Tintoretto fallece de peste en Venecia, en el año 1594, y su cuerpo se halla enterrado en la Iglesia de la Madonna dell´Orto.

COMENTARIO

"La Adoración de los Magos" de Jacopo Comin, (1582).

“La Adoración de los Magos” de Jacopo Comin, (1582).

Esta obra, realizada para la Sala Baja de la Scuola Grande di San Rocco, fundada en 1478 y a la que el Papa Pío VI concedió el título de Archicofradía en el año 1789, el artista plasmó, además de la temática religiosa que le caracterizaba, su preocupación por la luz y por la composición y en la que las figuras aparecen en secundarias a parecen en el fondo de la misma.

La Adoración de los Magos”, resalta, asimismo, la habilidad y el dominio que Tintoretto tenía sobre las pinceladas concisas y rápida.

MÁS INFORMACIÓN EN:

https://mkac.wordpress.com/?s=reyes+magos

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La Dirección del MKAC recomienda…

 

EXPOSICION

FOR YOUR EYES ONLY. A PRIVATE COLLECTION MANIERISM TO SURREALISM

Comisariada por Andreas Beyer la exhibición “For Your Eyes Only. A Private Collection Manierism To Surrealism”, (“Sólo para tus ojos. Una colección privada, desde el Manierismo al Surrealismo”), reúne en el Museo de Peggy Guggenheim en Venecia, (Italia), una interesante colección de obras de esta colección privada de Andy Warhol , Francesco Clemente, Victor Brauner, Man Ray, Salvador Dalí, Chirico, René Magritte, entre otros artistas de prestigio internacional, que se exponen por vez primera juntas.

 

Cartel de la exposición “For Your Eyes Only. A Private Collection Manierism To Surrealism”, en el Museo Peggy Guggenheim.

Cartel de la exposición “For Your Eyes Only. A Private Collection Manierism To Surrealism”, en el Museo Peggy Guggenheim.

 

Diferentes disciplinas artísticas tienen en ella una especial representación, entre las que se pueden destacar la escultura, la pintura y el dibujo hasta reunir hasta más de un centenar de objetos artísticos.

La exposición, que se clausura el 31 de agosto, cuenta, además, con el añadido atractivo de mostrar obras de la colección privada de Ulla-Best y de Richard Dreyfus.

A partir del 21 de septiembre, la muestra viajará al Kunstmuseo, en Basilea, en donde permanecerá hasta el mes de enero de 2015.

Más información en:

http://www.guggenheim-venice.it

https://mkac.wordpress.com/?s=Guggenheim

 

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EXPOSICION

“MANET. RETORNO A VENECIA”

Cartel de la exposición sobre Manet, en el Palacio Ducal.

Cartel de la exposición sobre Manet, en el Palacio Ducal.

La exposición “MANET. RETORNO A VENECIA”, reúne alrededor de70 obras de este pintor francés, en el Palacio Ducal de Venecia en una colaboración con el Museo D´Orsay de París y que representa un testimonio de la estancia de Manet en la ciudad de los canales.

En la muestra, también, se exhiben obras de este precursor del impresionismo que tienen su ubicación habitual en la Galería de los Ufizzi de Florencia.

Compuesta por pinturas, grabados, dibujos del denominado “Padre del impresionismo”, fallecido en 1884, completan esta exhibición una serie de fotografías que nos ayudan a visualizar el ambiente de la ciudad italiana.

Más información en:

http://palazzoducale.visitmuve.it

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DIA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS 2013

MUSEO GUGGENHEIM DE BILBAO

 

Cartel del "Día Internacional de los Museos" del Museo Karura Art Centre.

Cartel del “Día Internacional de los Museos” del Museo Karura Art Centre.

EXPOSICION MONOGRAFICA

INTRODUCCION

Obra del arquitecto Frank Gehry, el Museo Guggenheim de Bilbao, situado a la orilla de la ría de Bilbao junto al Puente Príncipes de España o Puente de La Salve, fue inaugurado el día 18 de octubre de 1997, por los Reyes de España, y es un magnífico ejemplo de la arquitectura de vanguardia del siglo XX.

La iniciativa de su construcción surge a raíz de los contactos establecidos entre la Fundación Guggemheim y el Gobierno Autonómico del País Vasco, que eligieron al arquitecto y seleccionaron el emplazamiento definitivo del edificio en una zona de ka ciudad española conocida como Abandoibarra, un edificio que ha recibido desde su construcción infinidad de críticas, favorables y elogiosas, de los más prestigiosos arquitectos internacionales y nacionales por su diseño innovador y por conseguir una perfecta integración en el enclave físico seleccionado por sus impulsores.

El museo posee una superficie total de 24.000 m2 de superficie de lo que algo menos de la mitad, unos 11.000 m2, están dedicados a la actividad expositiva y seccionados en 20 galerías o salas.

Desde el año 2007, el edificio del Museo Guggenheim de Bilbao pertenece al “club” de los “Doce Tesoros de España”, junto a construcciones tan relevantes como la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, la Catedral de Santiago de Compostela, la Mezquita de Córdoba o la Alhambra de Granada.

EL EDIFICIO

 Exterior

Rodeado de paseos y plazas remodeladas para ser adaptadas al edificio, la entrada principal del museo se encuentra en una de las principales avenidas de la ciudad y en una vía que cruza, en diagonal, a la misma.

La plaza en donde se encuentra la entrada está presidida por un gigantesco adorno floral, de plantas naturales y con figura de perro, conocido por el nombre de Puppy, obra del artista Jeff Koons, que fue construida para la inauguración pero que, dada la aceptación que tuvo y tiene se decidió mantenerla hasta la actualidad.

Museo Guggenheim de Bilbao.

Museo Guggenheim de Bilbao.

Al acceder al interior del edificio, el visitante se encuentra con una gran escalinata que resuelve la diferencia de cota entre la ría adyacente y el nivel de la ciudad.

Aunque a simple vista se aprecie un caos y un gran desorden de placas titánicas, la volumetría está cuidadosamente ideada para la construcción de una edificación que permite una gran curvatura de las mismas que, además, posibilita la sustentación de dichas planchas.

Por su parte este el edificio se abre hacia el Puente de Los Príncipes, al que Frank Gehry ha tenido que ajustar el diseño del edificio; un edificio, que observado desde esta misma posición se antoja más ingrávido que desde otras perspectivas, y cuyos curvos paralelogramos dan origen a la Sala del Pez, conocida, también, como la Gran Sala.

Imagen exterior del Museo Guggenheim de Bilbao y el adorno floral, realizado por Jeff Koons, "Puppy".

Imagen exterior del Museo Guggenheim de Bilbao y el adorno floral, realizado por Jeff Koons, “Puppy”.

La complicada edificación, diseñada por el arquitecto estadounidense, consiste en la unión de grandes bloques irregulares de diseño curvo y libre que dan al edificio su singular estética y belleza y que, siguiendo una de los principios de su creador, se ajusta perfectamente al entorno.

Realizado en titanio, el Museo Guggenheim de Bilbao está compuesto de 33.000 finas placas de este material que proporcionan un efecto rugoso y orgánico, un metal que se alterna con la utilización de otros como, por ejemplo, el vidrio y la piedra caliza.

Interior

Aunque con un diseño menos complicado que el del exterior del edificio, el interior del mismo contiene, también, formas curvas que conforman un espacio diáfano y un vestíbulo que da paso al llamado Atrio, un espacio que tiene la misión de funcionar como punto neurálgico del museo y que está compuesto con muros de cortina de vidrio y un lucernario cenital.

Alrededor de este atrio giran los tres niveles que posee el museo y que están conectados, entre sí, mediante pasarelas, ascensores de cristal y titanio y de torres de escaleras.

El Museo Guggenheim de Bilbao alberga un total de 20 galerías cuyo aspecto va desde los espacios más clásicos a los más volumétricos e irregulares y en las que muchas de ellas poseen su propio lucernario.

Instantánea del interior del museo.

Instantánea del interior del museo.

La sala más grande e importante del museo, es la Gran Sala, conocida también como Sala del Pez por su original forma alargada, y acoge exposiciones de obras de gran formato y tamaño, ya sea en exhibiciones temporales o permanentes. Las otras salas poseen diferentes superficies y formas tales como, por ejemplo, forma de pétalo o de planta rectangular y están dispuestas una tras otra y sin ningún pasillo que las comunique.

Por la cuidada distribución y composición de estas salas, el interior del museo ofrece un conjunto espectacular en el que la exhibición de diferentes tipos de obras tienen un encaje perfecto, independientemente de que sean obras contemporáneas o de arte clásico, de pequeño o gran tamaño o de obra pictórica o montajes artísticos.

El edificio alberga, también, otras dependencias como un auditorio con un aforo de 300 butacas, dos restaurantes, una tienda-librería, una cafetería y una Sala de orientación para los visitantes. En una construcción anexa, se ubican las estancias para la administración y las oficinas del museo.

Aspecto de una de las estancias.

Aspecto de una de las estancias.

Fachada

La fachada del museo está inspirada en las plumas y escamas de animales formadas, en esta ocasión, por rígidas planchas de titanio montadas unas encima de otras.

Obsesionado por integrar sus construcciones en el entorno en el que van a estar ubicadas, Frank Gehry descartó utiliza el acero inoxidable u otros materiales, como el cobre, porque pensaba que no armonizaban con el cielo de la ciudad de Bilbao.

Así, pues, tras decidir utilizar el titanio aleó este con el cinc para construir las diferentes placas, de un tercio de milímetro de espesor, por lo que su manejabilidad resulta muy óptima a la hora de utilizarlas en la creación del edificio.

Foto de la fachada.

Foto de la fachada.

Cada una de estas placas es única, tanto en la forma como en el tamaño, y están diseñadas con absoluta exclusividad de forma almohadillada para facilitar el encaje con las demás, es decir, su construcción estuvo en función del lugar exacto en que cada placa iba a ir colocada.

Por otra parte, y debido a la aleación utilizada en cada una de ellas y en función de la cantidad de un material u otro en su elaboración, las chapas poseen diferentes colores y tonalidades que varían en función de agentes externos y ambientales tales como la humedad relativa.

LA COLECCION GUGGENHEIM

 Historia

La colección Guggenheim tiene su origen en la afición que el empresario de la metalurgia y la minería, Solomon R. Guggenheim sintió por el arte. Una afición gracias a la cual se hizo con obras de arte que, con el tiempo, pasaron a ser la base del Museo Guggenheim de Nueva York, el primer museo que la Fundación Solomon R. Guggemheim crea, en el año 1927, y que dedica al arte moderno y cuyo objetivo es la exhibición del arte vanguardista.

Conocido en sus orígenes como “Museo de Pintira No-Objetiva”, se ubica en Upper East Side, (Nueva York), para trasladarse años más tarde al edificio construido, entre 1995 y 1959, por el arquitecto Frank Lloyd Wright a la Quinta Avenida, lugar en el que aún hoy permanece siendo bautizado como Museo Solomon R. Guggemheim.

La creación de la Fundación por parte de Solomon R. Guggenheim, y cuya finalidad fue la de conservar y exponer las obras, sobre todo, de arte no-objetivo y abstracto americano y europeo, ha hecho posible que la colección reunida esté considerada como el máximo exponente del arte de los siglos XX y XXI; que haya crecido hasta consolidar un fondo artístico muy importante en lo que se refiere a calidad y cantidad y que en ella se encuentren obras de Marc Chagall, Vicent van Gogh, Eduard Manet, Pablo Picasso o Vasily Kandisnky, por mencionar sólo algunos nombres.

Esta colección, iniciada por Solomon R. Guggenheim, se completa con la de su excéntrica y extravagante sobrina, hija de su hermano Benjamín fallecido en el naufragio del “Titanic”, Marguerite Guggemhein, quien decidió iniciar su propia colección como un reto y desafío a la de su tío con quien nunca mantuvo una buena relación familiar.

Peggy Guggenheim, nombre con el que es más conocida, comienza a forjar su colección tras viajar a Europa huyendo del influjo familiar y de su condición de niña rica y acaudalada.

Es en parís en donde, tras frecuentar a intelectuales y artistas, decide dedicarse al arte. Sin embargo, pronto pudo comprobar que sus dotes como artista eran más bien escasas y decidió dedicarse a coleccionar arte y convertir en mecenas de artistas.

Tras París estar en la capital francesa y en Londres regresa a Nueva York, al estallar la Segunda Guerra Mundial, ciudad en la que continúa adquiriendo obras de arte y ofreciendo su apoyo al arte y a los artistas, especialmente, al expresionismo abstracto americano, a través de la apertura de su propia galería-museo, “Art of This Century”.

En 1947 se instala en la ciudad italiana de Venecia, en donde residirá hasta su fallecimiento, y convierte su residencia privada, junto al Gran Canal veneciano, en un nuevo punto de encuentro de artistas e intelectuales.

Dos décadas más tarde, y más allá de sus rencillas y rivalidades personales con su tio, su pasión por el arte le lleva a donar toda su colección a la Fundación Solomon R. Guggenheim a la que aporta su magnífica colección surrealista, futurismo, cubismo o expresionismo y obras de Jackson, Pollock, Picasso, Balle, Miró, Kupka, Léger, Brancusi, Picabia, Delaunay…

Desde su apertura, en el año 1997, el Museo Guggenheim de Bilbao se nutre de Fondos de la Fundación Solomon R. Guggenheim al mismo tiempo realiza su propia política de adquisición de fondos artísticos. Dicha política, está centrada en la adquisición de obras de arte, que le confieren una propia identidad,  y que complementa el fondo ya existente de la Fundación.

Las líneas generales para la adquisición de obras se establecen, desde el museo bilbaíno, en dos direcciones: mediante la compra de obras de arte creadas a partir de la mitad del siglo XX, de destacados artistas contemporáneos y de postguerra, prestando especial atención a los creadores vascos y españoles, y a través del encargo de obras que se adapten a sus espacios expositivos.

Su actividad museística se caracteriza por tener un cariz dinámico, obtenido gracias a la frecuencia con que son cambiadas sus exposiciones. Sin embargo, al especializarse en arte realizado a partir de los años cincuenta del pasado siglo, su fondo de pintura y escultura clásica es escaso. Esta deficiencia, la solventa el museo por medio de acuerdos alcanzados con la Fundación o con los otros museos Guggenheim y mediante una estudiada política de préstamo.

Solomon R. Guggenheim

Solomon R. Guggenheim nace en Estados Unidos, en la ciudad de Filadelfia, en el año 1861 y años más tarde completa su formación en el continente europeo y, en concreto, en Suiza en donde reside unos años antes de regresar a su país natal para hacerse cargo de los negocios de minería y metalurgia de los que era dueño su padre, Meyer Guggenheim.

Fotografía del fundador de la Fundación Solomon R. Guggenheim.

Fotografía del fundador de la Fundación Solomon R. Guggenheim.

Después de fundar la Yukon Gold Company en Alaska, decide retirarse de los negocios, en 1919, para dedicarse al mundo del arte e iniciar su colección que marcará el comienzo de una saga de coleccionistas.

Antes de fallecer, en 1949, crea la Fundación Solomon R. Guggenheim a través de la cual apoyar el desarrollo, la difusión del arte moderno y de dar a conocer una colección sin la cual sería difícil comprender el arte abstracto y no-objetivo del siglo XX.

Marguerite, (Peggy), Guggenheim

Nacida en Nueva York, en el año 1898, es la hija de uno de los hermanos pequeños del cabeza de familia, Solomon R. Guggenheim, Benjamín, y de Florette Seligman; y aunque su nombre es el de Marguerite siempre Ha sido mucho más conocida por el de Peggy.

Como hija de unos padres con grandes recursos económicos, creció en un ambiente lleno de lujos y comodidades y, también de excentricidades; ella misma era considerada por la rama paterna de la familia, como una snob y extravagante.

Harta de su condición de niña rica, decide romper los lazos familiares trasladándose a Europa con la intención de ponerse a trabajar. Sin embargo, cuando llega a París decide convertirse en mecenas de los artistas, que conoce en la capital francesa, e iniciar su propia colección de arte como un acto de rebeldía contra su tío Solomon.

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, y tras ayudar a escapar a artistas e intelectuales de los nazis, regresa a Estados Unidos en donde sigue apoyando a los anteriores.

Imagen de Peggy Guggenheim.

Imagen de Peggy Guggenheim.

Años más tarde se instala de Venecia, (Italia), en el Palacio Venier dei Leoni, junto al Gran Canal, y convierte su residencia en un centro de reunión del mundo intelectual y en una especie de museo privado a través del cual muestra su colección de arte.

Peggy Guggenheim fallece de apoplejía, en 1979, en la ciudad de Padua no sin antes haber donado su colección a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Para ello estable dos únicas condiciones: que las obras de su colección nunca se separen y de que permanezcan siempre en Venecia.

 

ACTUACIONES DEL MUSEO GUGGENHEIM DE BILBAO

A parte de su función principal de centro de arte y exposiciones, el Museo Guggenheim de Bilbao se marca unas directrices de trabajo que van más allá de su faceta expositiva y que son imprescindibles en una entidad museística de su prestigio.

A grandes rasgos, se pueden destacar cuatro de esas actuaciones que otorgan al muso un carácter dinámico y activo: la investigación, la conservación preventiva, la conservación y el estudio de materiales en el que está realizado su fondo y el desarrollo de planes de emergencia para museos.

La primera de ellas, a investigación, lleva al museo a colaborar con otros instituciones, internacionales y nacionales, en proyectos de análisis que propician el intercambio de conocimiento en materia, sobre todo, del ámbito de la conservación del patrimonio artístico; una actividad que complementa, con campañas de sensibilización dirigidas al público al que da a conocer sus actividades y el fondo del museo a través de la planificación y organización de diversos eventos.

El especial interés del museo en realizar una labor de conservación preventiva de su fondo, hace que su Departamento de Conservación realice una impecable tarea en  cuanto al establecimiento de fórmulas adecuadas de transporte, almacenaje, mantenimiento y embalaje que le lleva a examinar todos los posibles riesgos que puedan producir en las obras el más mínimo deterioro.

Dicho departamento controla, pues, todo lo relacionado con las vibraciones, la exposición a la luz y a la temperatura ambiental, la humedad relativa o las plagas y establezca un protocolo de actuación para el caso de que surgiera cualquier riesgo.

Esta labor preventiva exige un exhaustivo estudio tanto de los materiales, en el que están efectuadas las obras, como de las diferentes técnicas empleadas para su elaboración; de esta forma se pueden delinear las pautas correctas para su conservación y para su posible saneamiento.

Otras de las actividades, que realiza el museo bilbaíno, es la de establecer unos planes de emergencia para los museos y cualquier otra entidad expositiva, unos planes que permitirán llevar a cabo iniciativas gracias a las cuales los fondos artísticos estén en perfecto estado de conservación.

Para ello, el museo considera primordial el estudio de los diferentes sistemas de prevención, detección y evaluación de riesgos, la formación profesional y las campañas de sensibilización que permitan establecer unos presupuestos que hagan posible y viable el mantenimiento de la colección en perfecto estado.

EL ARQUITECTO: FRAN GEHRY

Biografía

Considerado uno de los arquitectos más relevantes del mundo, la Fundación Guggenheim encarga a Frank O. Gehry el diseño y construcción del Museo Guggenheim de Bilbao amparada en la exitosa carrera de este arquitecto estadounidense, nacido en Canadá en 1929, y merecedor del Premio Pritzker en el año 1989, el más importante reconocimiento en arquitectura, y el Premio Imperial Japonés, en 1992.

El futuro arquitecto nace en el seno de una familia judio-polaca, en Canadá pero se nacionaliza estadounidense. Se gradúa en arquitectura en la Universidad del Sur de California, en 1954,  y comienza a trabajar en el estudio de Víctor Gruen, el arquitecto austríaco; más tarde estudia urbanismo en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard.

A principios de la década de los sesenta, se traslada con su familia a París, para trabajar en el estudio de André Rémonder, viaje que aprovecha para estudiar la obra de diferentes arquitectos europeos, especialmente, la de Le Corbusier.

El arquitecto del Museo Guggenheim de Bilbao, Frank Gehry.

El arquitecto del Museo Guggenheim de Bilbao, Frank Gehry.

Años más tarde regresa a Estados Unidos y se establece en la ciudad de Los Ángeles, en donde abre su propio estudio de Arquitectura e inicia una fulgurante carrera kkena de éxitos y reconocimientos.

Considerando la arquitectura como un arte en sí mismo, Frank Gehry trabaja para otorgar a sus edificios esa categoría sin que por ello abandone la máxima de la funcionalidad y la de lo mismos integrados en el entorno.

En general, sus obras se caracterizan por utilizar y jugar con diversas formas geométricas poco intrincadas y, también, con los volúmenes; utilizando como material preferente, para las fachadas, el metal.

Obra

Entre las obras más representativas de Fran Gehry, cabe mencionar las siguientes:

 Casa Frank Gehry, en Estados Unidos.

 Museo Guggenheim de Bilbao, en España.

 El Centro de Stata, Instituto Tecnológico de Massachussetts, en Estados Unidos.

 La Casa Danzante, en la República Checa.

 Bodega – Hotel Marqués de Riscal, en España.

 Museo Experience Music Project, en Estados Unidos.

 La Sala de Conciertos Walt Disney, en Estados Unidos.

 Museo de Arte Weisman, en Estados Unidos.

Premios

 Son muchos los premios y reconocimiento que este arquitectos estadounidense ha recibido a lo largo de toda trayectoria profesional; muchos de ellos otorgados por instituciones internacionales de gran prestigio y consideración.

A continuación se mencionan, solamente, una pequeña parte de todos ellos.

 Medalla de Plata de Caldes de Malavella, (1003).

 Companion of the Order of Canadá, 2002).

 Gold Medal for Architecture, (2002).

 Medalla de Oro del American Institute of Architecture, (1999).

 National Medal of Arts, (1998).

 Premium Imperiale Award for Architecture, (1992).

 Premio Pritzker, (1989).

 Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture, (1977).

 LOS “OTROS” GUGGEMHEIM

 Museo Solomon R. Guggenhein de Nueva York

Es el primero y el más conocido, junto al Museo Guggenheim de Bilbao, de todos los museos creados por la Fundación Solomon R. Guggenheim y que da cobijo a una de las más fabulosas colecciones de arte moderno y de vanguardia.

Conocido en sus orígenes como “Museo de Pintura No-Objetiva”, fue creado en 1937 en la ciudad de Nueva York, en una primera sede. Años más tarde, (1959), su ubicación cambia de lugar situándose en la Quinta Avenida de la ciudad neoyorkina, en un edificio erigido por uno de los arquitectos más famosos de la época: Frank Lloyd Wright, elección realizada por una de sus amigas, la baronesa Hilla von Rebay.

Museo Guggenheim de New York.

Museo Guggenheim de New York.

Tras varios años de controversia alrededor del proyecto presentado por el arquitecto, y que provocó que el edificio tardara en construirse 15 años, fue inaugurado diez años después de la muerte de Solomon R. Guggenheim.

De forma cilíndrica, más ancha por la parte superior que por la inferior, el museo está formado por salas diseñadas de tal forma que contribuyen a dar la forma de espiral que posee. En el año 1992 se le añade una alta torre rectangular, que formaba parte del proyecto inicial, lo que hace que vuelvan a surgir nuevas críticas por parte de artistas y de arquitectos. Los primeros alegan, para cuestionar el edificio, que su forma circular dificulta la colocación de las pinturas en sus paredes y que las espectacularidad de la construcción, a la que muchos entendidos han elevado a la categoría de arte en si mismo, ensombrece las obras que se exponen en él.

Museo Peggy Guggenheim de Venecia

Situado en la que fue residencia privada de su creadora, Peggy Guggenheim, el museo está ubicado en el Palacio Venier dei Leoni, junto al Gran Canal veneciano, y está considerado como el museo italiano más importante de arte europeo y americano de la primera mitad del siglo XX.

Tras su aventura europea, que le permitió acceder a gran cantidad de artistas, y de su paso por Nueva York en donde creó la galería-museo “Art of This Century”, Peggy decide instalarse a vivir en Italia y abrir las puertas de su residencia particular al público.

Museo Guggenheim de Venecia.

Museo Guggenheim de Venecia.

El museo, gestionado como tal, se inaugura en el año 1980 con u fondo artístico privilegiado que posibilita la realización de interesantes exposiciones temporales.

Cubismo, abstracción, surrealismo y futurismo son sólo algunos de los diferentes movimientos artísticos que configuran el fondo del museo y en del que forman parte obras de Dalí, Magritte, Yoko Ono, Mondrian, Picabia, Duchamp, Baccioni, Picasso o Modigliani.

Completan el espacio expositivo interior del museo, unos exteriores en cuyos jardines se pueden apreciar obras escultóricas de Sentinel, Noguchi, Calder…

Museo Guggenheim Hermitage de Las Vegas

Ubicado en el hotel “El Venetian” de la cuidad de Las Vegas, en el estado de Nevada, (Estados Unidos), fue diseñado por el estudio del arquitecto holandés Rem Koolhoas e inaugurado en el año 2001.

El museo  nace como resultado de los acuerdos entre la Fundación Solomon R. Guggenheim y el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, como una iniciativa por medio de la cual dar a conocer las colecciones de ambos centros de exposición; lo que posibilita la difusión de un patrimonio artístico que abarca desde el arte prehistórico hasta el arte actual.

El museo fue concebido con una entrada desde el exterior del hotel y otra en su interior, con una estética minimalista que le dan un personalidad propia y diferenciadora del resto del edificio dedicado a alojamiento y casino.

Fue construido, principalmente, de acero corten que lo diferencia del resto del edificio y cuya textura recuerda a las paredes aterciopeladas del Museo del Hermitage.

Museo Guggenheim Hermitage de Las Vegas.

Museo Guggenheim Hermitage de Las Vegas.

Fue un museo cuyo espacio expositivo abarcaba una superficie de 560m2, con tres tabiques móviles giratorios que contribuyeron a dar a la galería una gran variedad de formas, lo que permitió adaptarlo a las diferentes exposiciones temporales que en él se organizaron, y en donde las pinturas eran colgadas en las paredes gracias a un mecanismo de imanes ideado especialmente para el museo.

Al igual que el Museo Guggenheim de Bilbao y el Museo Peggy Guggenheim de Venecia, el fondo que se exhibido en él pertenece a la Fundación Solomon R. Guggenheim.

Fue clausurado en el año 2008.

INFORMACION

 Museo Guggenheim de Bilbao en:

http://www.guggenheim-bilbao.es

 “Día Internacional de los Museos” en:

https://mkac.wordpress.com/?s=DIA+INTERNACIONAL+DE+LOS+MUSEOS

IMAGENES DE LA EXPOSICION MONOGRAFICA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

MKAC: EXPOSICION FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICION FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

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MUSEO KARURA ART CENTRE

“DIA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS”

18 de mayo de 2013

CONCIERTO

Cartel del concierto en el MKAC.

Cartel del concierto en el MKAC.

Con motivo de la celebración del “Día Internacional de los Museos”, y dentro de la programación de eventos y actividades organizadas por la Dirección del MKAC, mañana viernes, día 17 a las 22:30 h.  se celebrará en las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), un concierto a cargo de Koke13 Resident.

IMAGENES DEL CONCIERTO

MKAC: CONMEMORACIONES Y CELEBRACIONES

MKAC: CONMEMORACIONES Y CELEBRACIONES

MKAC: CONMEMORACIONES Y CELEBRACIONES

Información sobre el “Día Internacional de los Museos en:

https://mkac.wordpress.com/2013/05/13/dia-internacional-de-los-museos-2013-icom-consejo-superior-de-museos

https://mkac.wordpress.com/2013/05/16/dia-internacional-de-los-museos-2013-museo-guggenheim-de-bilbao-2

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