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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Tag Archives: vanguardia

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EXPOSICION

“OBRAS MAESTRAS DE BUDAPEST. DEL RENACIMIENTO A LAS VANGUARDIAS”

Comisariada por el director artístico Guillermo Solana y la jefa de Conservación de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza Mar Borobia, la exhibición “Obras Maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias” presenta, por primera vez en España, una excelente selección de obras de la pintura alemana, flamenca, española e italiana, que abarca desde el siglo XV al siglo XX, que pertenecen a la Galería Nacional de Hungría y al Museo de Bellas Artes de Budapest y entre las que se encuentran, además de obras pictóricas, piezas efectuadas en otras disciplinas artísticas como el dibujo y la escultura.

 

Cartel de la exposición “Obras Maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias”.

Cartel de la exposición “Obras Maestras de Budapest. Del Renacimiento a las Vanguardias”.

 

Entre las noventa obras mostradas se encuentran obras de Francisco de Zurbarán, Bartolomé Murillo, Peter Paul Rubens, Edouard Manet, Paul Cézanne, Alberto Durero, Francisco de Goya, Diego de Velázquez, Leonardo da Vinci, Rafael, Giovanni Battista Tiepolo, Annibale Carraci y de artistas húngaros como Sándor Bortnyck o Károl Ferenczy.

La exposición se organiza en siete apartados: “Renacimiento del Sur”, “Renacimiento del Norte”, “Barroco en Italia y España”, “Barroco en Flandes y Holanda”, “El Siglo XVIII en Europa”, “La Nueva Imagen de la Mujer” y “Modernidad: de Pizarro a Bortnyck”.

MAS INFORMACION:

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2017/Budapest/

INFORMACION RELACIONADA EN:

http://www.youtube.com/watch?v=OUSTiFElkl8&feature=relmfu

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EXPOSICION

“FIN DE PARTIDA. DUCHAMP, EL AJEDREZ Y LAS VANGUARDIAS”

Comisariada por Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, CA2M, (Madrid, España), la muestra “Fin de Partida: Duchamp, el Ajedrez y las Vanguardias”, que se puede visitar hasta el 22 de enero en la Fundación Miro de Barcelona, (Cataluña), nos acerca al arte del siglo XX, en el que las vanguardias dejaron su impronta en la concepción artística actual, y el arte conceptual del momento utilizando como vehículo conductor el juego del ajedrez, reivindicándolo como una forma de arte.

 

Cartel de la exposición “Fin de Partida: Duchamp, el Ajedrez y las Vanguardias”.

Cartel de la exposición “Fin de Partida: Duchamp, el Ajedrez y las Vanguardias”.

 

Manuel Segade ha afirmado sobre esta muestra que se aspira a “reconstruir la historia de las vanguardias, de los “ismos” a partir precisamente del ajedrez, y de si este juego estuvo siempre en el relato de la vanguardia”.

En la exhibición se pueden apreciar obras de arte, que procede de cuarenta y cinco colecciones, y está organizada en seis secciones: “Del ocio familiar al cuadro como idea”, “El ajedrez y el arte para el pueblo”, “El espacio psicoanalítico del tablero”, “El juego de la guerra”, “La imaginería del ajedrez” y “El ajedrez en los inicios del arte conceptual”

MAS INFORMACION:

www.fmirobcn.org

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/?s=DUCHAMP

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EXPOSICION

“LAS CUATRO ESTACIONES DEL MUSEO RUSO”

Obras de Adolf Lebens, Nicolai Dubovskoy, Ivan Graboysky, Antonina Anushkina, Casimir Malevich, John Atkinson, Ivan Varichev, Boris Kustodiev, Natalia Goncharova, Sergei Vinogradov, Ilya Repin, Kim Britov, Alexander Gerasimov, entre otros nombres, forman parte de la exposición pictórica “Las Cuatro Estaciones en el Museo Ruso”; representantes todos ellos de la pintura rusa paisajista, desarrollada en la segunda mitad del siglo XIX en Rusia, e integrantes de del movimiento “La Sota de Diamantes”, creado a principios del siglo XX, que agrupó a un conjunto de nuevos vanguardistas rusos que, cambiando de estilo, produjeron su obra en base a un floreciente dinamismo y a la protesta social.

 

Cartel de la exposición “Las Cuatro Estaciones en el Museo Ruso”.

Cartel de la exposición “Las Cuatro Estaciones en el Museo Ruso”.

 

El Museo Ruso de Málaga, (Andalucía, España), sito en el edificio de la antigua Tabacalera, ofrece con esta muestra un nutrido ejemplo de los diferentes estilos artísticos, visiones y temáticas que ayudaron a enraizar la cultura plástica de Rusia en los siglos XIX y XX.

Cuatro cideocreadores españoles participan, también, en esta exhibición con una de sus producciones visuales: Leonor Serrano que presenta su visión sobre la primavera; David Triviño, quien analiza el verano; Javier Artero, que nos acerca a un análisis sobre el verano y Cristina Martín, que muestra el invierno bajo su particular prisma.

MAS INFORMACION:

http://www.coleccionmuseoruso.es/exposiciones/las-cuatro-estaciones-en-el-arte-ruso

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/?s=MUSEO+RUSO

https://mkac.wordpress.com/?s=tabacalera

https://mkac.wordpress.com/2009/06/28/exposiciones-fondo-del-museo-%e2%80%9clas-estaciones-del-ano-en-el-arte%e2%80%9d/

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EXPOSICION

CONSTRUYENDO NUEVOS MUNDOS. LAS VANGUARDIAS HISTORICAS EN LA COLECCION DEL IVAM, 1914-1945”

Cartel de la exposición en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, (IVAM).

Cartel de la exposición en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, (IVAM).

 

Man Ray, Naum Gabo, Kurt Schwitters, Joseph Renau, Raoul Hausmann, André Kertész, George Grosz, Frantisek Kupka, Lissitzky, Georges Hugnet, Varvara Stepánova, André Masson, Julio González, Lászlу Peri, Óscar Domínguez, Benjamín Palencia o Anton Stankowski, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Moholy-Nagy, John Heartfield, Picabia… son algunas de las firmas que componen esta exhibición, “Construyendo Nuevos Mundos. Las Vanguardias Históricas en la Colección del IVAM, 1914-1945”, compuesta por cerca de 1.000 obras del fondo artístico del Instituto Valenciano de Arte Moderno que dirige José Miguel García Cortés.

Escultura, pintura, collage y fotografía son las distintas técnicas que se muestran en las salas del museo, en función de su temática: “Utopía y Revolución”, “La Tentación del Movimiento Continuo”, “Experiencias Fragmentarias”, “Entre la Experimentación y las Sombras”, “La Inestabilidad del Equilibrio”, “La Transformación de la Vida Cotidiana”, “La Fascinación por las Máquinas”, “El dinamismo espacial”, “El Misterio de las Formas” y “Cuerpos Socados”.

MAS INFOMACION EN:

http://www.ivam.es

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

 

BIOGRAFIA

Amadeo Modigliani nace, en 1884, en Livorno, (Italia), en el seno de una familia de comerciantes judíos. Desde su infancia tuvo una delicada salud que le obligó a abandonar los estudios, circunstancia que encaminó su existencia hacia el mundo del arte y los estudios de pintura.

Su formación artística tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes, de Livorno, y en la Escuela Libre del Desnudo, de Florencia, así como en el instituto de las Artes de Venecia. En 1906, en plena fiebre vanguardista llega a París en donde contacta con los sectores artísticos, culturales y literarios; un hecho este que le lleva a ser influencia por artistas como Picasso, en cuyo cubismo y época azul encuentra, en principio, su fuente de inspiración, Cezanne o Toulouse-Lautrec.

Tras visitar brevemente a su ciudad natal, Livorno, retorna a la capital francesa y asienta su residencia en Montparnasse.

 

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

 

Amante de los excesos, su afición al alcohol hace mella en él convirtiéndolo en una persona violenta que contrasta con el individuo tímido cuando no se encuentra bajo los efectos de la bebida.

Gran aficionado, también, a las mujeres conoce, en 1917, a una estudiante, Jeaune Hébuterne, con la que estable una tormentosa relación, y con la que tiene una hija. Una relación que durará toda su vida, casándose con Jeaune poco antes de morir, a consecuencia de una meningitis tuberculosa, y quien tras el fallecimiento del artista se suicida arrojándose por una ventana.

 

PINTURA

La rapidez que Modigliani imprimía a la ejecución de sus obras y el hecho de jamás las retocase, causaron estupor y admiración en el círculo de artistas que frecuentaba en la capital parisina.

Clasificada su pintura, en muchas ocasiones, como expresionista la obra del italiano es difícil de encasillar y catalogar en un determinado estilo. Se podría afirmar que el pintor desarrolló su propio estilo a pesar de vivir en medio de un ambiente vanguardista.

Su primera exposición individual tiene lugar en la galería de Bertha Weill y es clausurada por la policía debido a los desnudos que mostraban sus obras.

En 1917, por sugerencia del marchante de arte Paul Guillaume, realiza sus famosos y cotizados, en la actualidad. Desnudos con los que, sin embargo, no tuvo gran éxito en el momento de realizarlos con fines mercantilistas.

 

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

 

Las peculiaridades de sus obras sobre la figura humana definen, asimismo, sus conocidos desnudos; una temática que trató desde que llegó a París si bien sus primeros cuadros sobre este tema se caracterizan por una concepción simbolista del cuerpo femenino como origen del pecado.

Son sus desnudos, realizados en épocas posteriores, los que rompen con este canon y pasan a representar la sensualidad femenina, estando caracterizados por sus líneas interrumpidas, los colores suaves y el alargamiento en sus formas.

 

DESNUDOS Y RETRATOS

En la producción artística del pintor destacan la realización, mayormente, de retratos y de desnudos y, a pesar de su estrecha relación con el postimpresionista Cézanne considerado el padre de la pintura moderna, tan sólo se le conocen tres paisajes.

Considerado uno de los grandes ejecutores del retrato del siglo XX, Modigliani nunca se consideró un retratista profesional a pesar de representar, esencialmente, rostros y figuras humanas de amigos, mujeres, hombres y niños pertenecientes a todos los estratos sociales.

 

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Entre los retratos más destacados de los realizados por el pintor, se encuentran los de Juan Gris, Max Jacob, Diego Rivera, los de su amante, Beatrice Hastings, los de Jeaune Hébuterne y los de Paul Guillaume caracterizados por la simplicidad de los contornos, las líneas suaves y sinuosas y los rostros ovalados y con cierto matiz de nostalgia.

 

ESCULTURA

La faceta de escultor de Modigliani se inicia, en 1909, tras conocer al escultor rumano Constantin Brancusi, (1876-1957), quien le animó a dedicarse a esta actividad que desempeño hasta 1914 tallando la piedra directamente.

Además de la influencia de la escultura egipcia y egipcia, mediante los “kuroi”, el artista se inspira en el arte primitivo y africano con especial influjo de las alargadas máscaras.

El estilo plástico, la esquematización y la solidez de las formas de sus esculturas se unieron a las característicos ojos, las diminutas bocas, los esbeltos cuellos y las narices retorcidas; un conjunto de peculiaridades que impidió clasificar sus obras en el cubismo y futurismo imperante en aquella época.

 

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

 

Sin embargo, la actividad escultórica de Modigliani cesa tras los inconvenientes que su ejecución le proporciona y a los requisitos necesarios que requería: el alto coste de los materiales, la necesidad de poseer un espacio amplio y adaptado a la talla de la piedra, a las críticas obtenidas y a los problemas que el polvo ocasionaba a sus pulmones.

En la actualidad tan sólo se conservan veinticinco estatuas realizadas por este artista, una de las cuales se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (estados Unidos).

 

ESTILO

Lo interesante de la obra de Amadeo Modigliani es que, a pesar de las influencias recibidas por los artistas que conoció en París, las influencias africanas o las arabescas; “Modi”, como le llamaban sus amigos, desarrolló un estilo propio impregnado de todas estas influencias recibidas a lo largo de su vida y de su formación.

Podemos ubicar su peculiar forma de ejecutar sus obras, a partir del año 1915, fecha en la que da paso a su particular estilo pictórico caracterizado por el alargamiento de la figura humana, una posible influencia del manierismo, y una delicada, elegante y estilizada geometrización de las formas como consecuencia del influjo que tuvo sobre él el arte africano a través de su amigo Brancusi.

En dicho estilo predominan la ausencia de contrates, la utilización de los colores suaves y cálidos y el alargamiento de las figuras que plasmó en sus obras.

Tras un periodo inicial marcados por los cánones artísticos y sociales establecidos, rompe con ellos para adquirir una madurez y un estilo propio inconfundible que no ha tenido seguidores.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/08/24/amadeo-modigliani-mas-alla-de-los-ismos

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/2013/06/05/dia-internacional-de-los-museos-2013-museo-guggenheim-de-bilbao

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 

BIOGRAFIA

Considerado uno de los más reconocidos y famosos artistas simbolistas austríacos, Gustav Klimt nace, en 1862, en una localidad cercana a Viena, Baumgartem, y heredó de su madre su inclinación hacia el arte.

Su vida en el seno de una familia humilde de inmigrantes en busca de trabajo no fue óbice para que, gracias a sus propios esfuerzos y méritos, recibiese una beca que le permitió ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. En ella recibe formación como decorador de interiores y como pintor al lado de maestros como Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina.

Tras recibir una instrucción academicista, comienza a trabajar con su hermano Ernest en lo que ambos denominaron “Compañía de Artistas”, un colectivo que pronto comenzó a recibir encargos y que finalizaría a la muerte de su hermano en 1892.

 

Fotografía de Gustav Klimt.

Fotografía de Gustav Klimt.

 

Ocho años más tarde, recibe la Orden de Oro al Mérito gracias a su trabajo en la realización de los murales de Burgtheater de la capital austriaca; también fue nombrado miembro honorario de las Universidades de Munich y de Viena.

En 1911, recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su obra “La vida y la muerte”.

Tras una vida tranquila, a lo largo de la cual intentó rehuir los círculos artísticos e intelectuales y en la que el trabajo centraba toda su atención, Klimt fallece en 1918 a consecuencia de una serie de enfermedades que padeció a lo largo de su vida.

 

INQUIETUDES

Miembro de la Asociación de Artista Vieneses, su interés por el arte vanguardista le lleva a abandonar dicha asociación y a fundar, junto a varios artistas, la Secesión Vienesa, en 1897, en la que fue presidente y su miembro más destacado.

Además de publicar una revista con información sobre las obras más importantes de sus miembros, entre los objetivos de Klimt estaba el promover y promocionar a los artistas jóvenes y mostrar obras realizadas en el extranjero, en las salas de exposiciones que le habían cedido las instituciones gubernamentales, independientemente del estilo que tuviera cada artista.

Klimt abandona la Secesión Vienesa en 1908 dejando una fuerte huella e impronta en el resto de sus miembros.

 

ESTILO

Los lienzos y murales, realizados por Klimt, llaman la atención por la capacidad del artista para imprimirles su propio sello personal, cargado, en ocasiones, de mucha ornamentación, por ser una declaración de principios de su autor y por suponer, para los críticos más conservadores, un gran reto.

Un hecho bastante representativo de todo ello, y que marca la obra del artista austriaco, lo supone la elaboración del Friso de Beethoven realizado, directamente, sobre la pared. Por otra parte, las críticas recibidas por sus tres obras, realizadas para el Aula Magna de la Universidad de Viena, en 1894, “La Filosofía”; “La Medicina” y “Jurisprudencia”, que muchos tacharon de radicales y pornográficas, llevaron a Klimt a tomar la decisión de no volver a admitir ningún tipo de encargo.

 

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Para el artista esta determinación supuso, en cierta medida, una liberación; una liberación que coincide, con lo que muchos críticos han considerado, como su etapa de madurez y en la que la experiencia vital del artista tiene una gran trascendencia.

En lo que a su idiosincrasia estilística se refiera, se pueden definir dos etapas muy marcadas: por una parte, aquella que posee un estilo academicista y que marcan los primeros momentos de su vida profesional y en la que la simbología y las alegorías convencionales son evidentes y, por otra parte y más tarde, la etapa del estilo ecléctico en la que abundan los motivos abstractos, el pan de oro, los elementos de decoración colorista y una gran carga sensual.

 

TEMATICA

A excepción de los paisajes que realiza en la década de 1890, el alma de la obra de este artista se centra en la figura y, sobre todo, en la figura femenina; sintiendo especial atención por la representación de mujeres dominantes y agresivas a las que retrata en poses altamente eróticas que el artista suaviza con pinceladas y recursos simbólicos, alegóricos o abstractos.

 

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

 

Cargadas de un gran realismo, ya sea en los retratos de las mujeres de la alta sociedad o de las “femmes fatales”, sus obras las ejecuta con una extrema decoración; en las que los fondos y vestidos predominan los dorados, los amarillos y los motivos inspirados en las alas de mariposa o en colas de pavo real.

 

KLIMT, MAS ALLA DE UNA EPOCA

A su muerte, Klimt deja gran cantidad de obras inacabadas una gran parte de las cuales fueron confiscadas por los nazis quienes, al comprobar que se convertían en botín de guerra, quemaron en el castillo en las que se habían guardo y almacenado.

 

Panorámica de la exposición "Gustav Klimt: el simbolismo Vienés", en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Panorámica de la exposición “Gustav Klimt: el simbolismo Vienés”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

Aunque el artista austriaco pudo vivir económicamente holgado gracias a su labor artística, hasta el punto de permitirse la satisfacción de no aceptar encargos y pintar lo que realmente le apetecía, sus obras alcanzaron décadas más tarde precios millonarios.

 

OBRAS EXHIBIDAS

“Pinar”, (1901).

“Pinar”, (1901).

 

 

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

 

 

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

 

 

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

 

 

“Campo de amapolas”, (1907).

“Campo de amapolas”, (1907).

 

 

“La iglesia en Cassone”, (1913).

“La iglesia en Cassone”, (1913).

 

 

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

 

 

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

 

 

“Después de la lluvia”, (1899).

“Después de la lluvia”, (1899).

 

 

“Castillo sobre el agua”, (1908).

“Castillo sobre el agua”, (1908).

 

 

"Adán y Eva", (1905-1906).

“Adán y Eva”, (1905-1906).

 

 

"Dànee", (1907-1908).

“Dànee”, (1907-1908).

 

 

“Girlfriends”, (1916-1917).

“Girlfriends”, (1916-1917).

 

 

"Pez de colores", (1901-1902).

“Pez de colores”, (1901-1902).

 

 

“La esperanza I”, (1903).

“La esperanza I”, (1903).

 

 

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

 

 

“Movimiento del agua”, (1898).

“Movimiento del agua”, (1898).

 

 

"La novia", (1917-1918).

“La novia”, (1917-1918).

 

 

"Serpientes de agua I", (1904-1907).

“Serpientes de agua I”, (1904-1907).

 

 

"Serpientes en el agua II", (1904-1907).

“Serpientes en el agua II”, (1904-1907).

 

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/2015/07/08/gustav-klimt-el-simbolismo-vienes-exposicion

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EXPOSICION

“PAUL STRAND”

La vanguardia y el compromiso social son los dos puntos neurálgicos de esta exposición “Paul Strand” sobre el fotógrafo nacido en Nueva York, (Estados Unidos), en 1890, y fallecido en Orgeval, (Francia), en 1976.

La Fundación Mapfre en Madrid, con la colaboración del Museo de Arte de Filadelfia, exhibe 200 obras del artista en las que figuran las diferentes temáticas capturadas por el fotógrafo: retratos y naturaleza realizadas, muchas de ellas, en sus viajes a Egipto, Canadá, Rumania o Latinoamérica.

 

Cartel de la muestra "Paul Strand".

Cartel de la muestra “Paul Strand”.

 

La exhibición abarca las seis décadas de su vida profesional, de 1910 a 1960, y en ella destacan tres de sus trabajos más importantes: “Nueva Inglaterra”, “Luzzara” y “Ghana” y de ella ha dicho el director de la Fundación Mapfre Pedro Jiménez: “Pasarán muchos años hasta que se pueda hacer otra exposición que complemente esta en algún sentido”.

MAS INFOMACION EN:

http://exposiciones.fundacionmapfre.org/exposiciones/es/paulstrand

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