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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Tag Archives: sexualidad

La Dirección del MKAC recomienda…

EXPOSICION

“1000 M2 DE DESEO. ARQUITECTURA Y SEXUALIDAD”

Comisariada por Rosa Ferré, jefa de exposiciones del Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, (CCCB), y por Adélaide de Caters, la muestra “1.000 m² de Deseo, Arquitectura y Sexualidad” , que se puede visitar en este espacio expositivo hasta el 19 de marzo, presenta la relación entre la arquitectura y los espacios dedicados a la satisfacción del deseo a través de más de doscientas piezas entre las que figuran maquetas arquitectónicas, dibujos, libros e instalaciones artísticas.

 

 

Cartel de la muestra “1.000 m² de Deseo, Arquitectura y Sexualidad”.

Cartel de la muestra “1.000 m² de Deseo, Arquitectura y Sexualidad”.

 

Pone de manifiesto, también, como la arquitectura realizada hasta hace pocas décadas de la mano de los hombres, se enfocaba en la mayoría de los casos al deseo masculino y a las diversas fantasías que gravitan a su alrededor.

Los temas desarrollados en esta exhibición se enfocan desde tres núcleos temáticos: “Refugios Libertinos”, “Utopías Sexuales”, “Serigrafías” y un espacio dedicado a la revista “Playboy”, una subexposición comisariada por la arquitecta e historiadora Beatriz Colomino, y su trascendencia en la difusión de la arquitectura moderna.

Proyectos de Eléonore de Lanvandeyra Schöffer, Pep Avilés, William Kentridge, Guillaume Richard, Beatriz Colomino, o Marie-Françoise Quignard son un acicate y una motivación para no dejar de visitar esta exposición.

MAS INFORMACION:

http://www.cccb.org/es/exposiciones/ficha/1000-m2-de-deseo/223704

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La Dirección del MKAC recomienda…

EXPOSICION

“GEORGIA O´KEEFFE”

La exhibición “Georgia O’Keeffe” presenta más de 100 obras, provenientes de más de 60 entidades, entre las que se encuentran sus magníficas pinturas de flores y los paisajes mexicanos de la que está considerada como una de las máximas representantes y pionera del modernismo.

 

Cartel de la exhibición "Georgia O¨Keeffe" en el Tate Modern de Londres.

Cartel de la exhibición “Georgia O¨Keeffe” en el Tate Modern de Londres.

 

Permite, además de contemplar su producción artística, adentrarnos en la personalidad y el pensamiento de esta mujer, nacida en Wisconsin, (Estados Unidos, 1887-1986), que evolucionó desde la abstracción al realismo, en parte, como un rechazo a la etiqueta que, entre otros su marido el fotógrafo Alfred Stieglitz, se le adjudicó a sus obras florales atribuyéndoles un simbolismo erótico de los órganos sexuales femeninos.

La muestra está diseminada por trece salas del Tate Modern, (Museo Nacional de Arte Moderno de Londres, Reino Unido), he incluye su famosa obra “Jimson Weed/ White Flower N.º 1”, (“El Estramonio/ Flor Blanca Nº 1”), a la que acompañan otras como, por ejemplo, “Special Nº 9”, “Early Nº 2”, “New Mexico”, “Blue and Yellow”, “New York Street With Moon”, o “Res and yellow Cliffs”.

Las pinturas de flores son las más conocidas de Georgia O’Keeffe tanto en Estados Unidos como en otros países, pero al mismo tiempo son sólo una parte de su inmensa obra”, afirma Cody Hartley del Museo Georgia O’Keeffe de Santa Fe, (Nuevo México, Estados Unidos).

MAS INFORMACION:

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/georgia-okeeffe

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/?s=Tate+Moder

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 

BIOGRAFIA

Considerado uno de los más reconocidos y famosos artistas simbolistas austríacos, Gustav Klimt nace, en 1862, en una localidad cercana a Viena, Baumgartem, y heredó de su madre su inclinación hacia el arte.

Su vida en el seno de una familia humilde de inmigrantes en busca de trabajo no fue óbice para que, gracias a sus propios esfuerzos y méritos, recibiese una beca que le permitió ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. En ella recibe formación como decorador de interiores y como pintor al lado de maestros como Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina.

Tras recibir una instrucción academicista, comienza a trabajar con su hermano Ernest en lo que ambos denominaron “Compañía de Artistas”, un colectivo que pronto comenzó a recibir encargos y que finalizaría a la muerte de su hermano en 1892.

 

Fotografía de Gustav Klimt.

Fotografía de Gustav Klimt.

 

Ocho años más tarde, recibe la Orden de Oro al Mérito gracias a su trabajo en la realización de los murales de Burgtheater de la capital austriaca; también fue nombrado miembro honorario de las Universidades de Munich y de Viena.

En 1911, recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su obra “La vida y la muerte”.

Tras una vida tranquila, a lo largo de la cual intentó rehuir los círculos artísticos e intelectuales y en la que el trabajo centraba toda su atención, Klimt fallece en 1918 a consecuencia de una serie de enfermedades que padeció a lo largo de su vida.

 

INQUIETUDES

Miembro de la Asociación de Artista Vieneses, su interés por el arte vanguardista le lleva a abandonar dicha asociación y a fundar, junto a varios artistas, la Secesión Vienesa, en 1897, en la que fue presidente y su miembro más destacado.

Además de publicar una revista con información sobre las obras más importantes de sus miembros, entre los objetivos de Klimt estaba el promover y promocionar a los artistas jóvenes y mostrar obras realizadas en el extranjero, en las salas de exposiciones que le habían cedido las instituciones gubernamentales, independientemente del estilo que tuviera cada artista.

Klimt abandona la Secesión Vienesa en 1908 dejando una fuerte huella e impronta en el resto de sus miembros.

 

ESTILO

Los lienzos y murales, realizados por Klimt, llaman la atención por la capacidad del artista para imprimirles su propio sello personal, cargado, en ocasiones, de mucha ornamentación, por ser una declaración de principios de su autor y por suponer, para los críticos más conservadores, un gran reto.

Un hecho bastante representativo de todo ello, y que marca la obra del artista austriaco, lo supone la elaboración del Friso de Beethoven realizado, directamente, sobre la pared. Por otra parte, las críticas recibidas por sus tres obras, realizadas para el Aula Magna de la Universidad de Viena, en 1894, “La Filosofía”; “La Medicina” y “Jurisprudencia”, que muchos tacharon de radicales y pornográficas, llevaron a Klimt a tomar la decisión de no volver a admitir ningún tipo de encargo.

 

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Para el artista esta determinación supuso, en cierta medida, una liberación; una liberación que coincide, con lo que muchos críticos han considerado, como su etapa de madurez y en la que la experiencia vital del artista tiene una gran trascendencia.

En lo que a su idiosincrasia estilística se refiera, se pueden definir dos etapas muy marcadas: por una parte, aquella que posee un estilo academicista y que marcan los primeros momentos de su vida profesional y en la que la simbología y las alegorías convencionales son evidentes y, por otra parte y más tarde, la etapa del estilo ecléctico en la que abundan los motivos abstractos, el pan de oro, los elementos de decoración colorista y una gran carga sensual.

 

TEMATICA

A excepción de los paisajes que realiza en la década de 1890, el alma de la obra de este artista se centra en la figura y, sobre todo, en la figura femenina; sintiendo especial atención por la representación de mujeres dominantes y agresivas a las que retrata en poses altamente eróticas que el artista suaviza con pinceladas y recursos simbólicos, alegóricos o abstractos.

 

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

 

Cargadas de un gran realismo, ya sea en los retratos de las mujeres de la alta sociedad o de las “femmes fatales”, sus obras las ejecuta con una extrema decoración; en las que los fondos y vestidos predominan los dorados, los amarillos y los motivos inspirados en las alas de mariposa o en colas de pavo real.

 

KLIMT, MAS ALLA DE UNA EPOCA

A su muerte, Klimt deja gran cantidad de obras inacabadas una gran parte de las cuales fueron confiscadas por los nazis quienes, al comprobar que se convertían en botín de guerra, quemaron en el castillo en las que se habían guardo y almacenado.

 

Panorámica de la exposición "Gustav Klimt: el simbolismo Vienés", en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Panorámica de la exposición “Gustav Klimt: el simbolismo Vienés”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

Aunque el artista austriaco pudo vivir económicamente holgado gracias a su labor artística, hasta el punto de permitirse la satisfacción de no aceptar encargos y pintar lo que realmente le apetecía, sus obras alcanzaron décadas más tarde precios millonarios.

 

OBRAS EXHIBIDAS

“Pinar”, (1901).

“Pinar”, (1901).

 

 

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

 

 

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

 

 

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

 

 

“Campo de amapolas”, (1907).

“Campo de amapolas”, (1907).

 

 

“La iglesia en Cassone”, (1913).

“La iglesia en Cassone”, (1913).

 

 

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

 

 

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

 

 

“Después de la lluvia”, (1899).

“Después de la lluvia”, (1899).

 

 

“Castillo sobre el agua”, (1908).

“Castillo sobre el agua”, (1908).

 

 

"Adán y Eva", (1905-1906).

“Adán y Eva”, (1905-1906).

 

 

"Dànee", (1907-1908).

“Dànee”, (1907-1908).

 

 

“Girlfriends”, (1916-1917).

“Girlfriends”, (1916-1917).

 

 

"Pez de colores", (1901-1902).

“Pez de colores”, (1901-1902).

 

 

“La esperanza I”, (1903).

“La esperanza I”, (1903).

 

 

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

 

 

“Movimiento del agua”, (1898).

“Movimiento del agua”, (1898).

 

 

"La novia", (1917-1918).

“La novia”, (1917-1918).

 

 

"Serpientes de agua I", (1904-1907).

“Serpientes de agua I”, (1904-1907).

 

 

"Serpientes en el agua II", (1904-1907).

“Serpientes en el agua II”, (1904-1907).

 

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICION

“EGON SCHIELE: LAS DIFERENTES CARAS DE LA SEXUALIDAD”

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

BIOGRAFIA

Grabador y pintor, discípulo de Gustav Klimt, Egon Leo Adolf Schiele, nacido en Austria, está considerado como uno de los grandes representantes figurativos del siglo XX y, también, uno de los más relevantes participantes del llamado expresionismo de su país.

A la muerte de su padre, (1905), su tío Leopold Czihaczek se hace cargo de él y, tras algunas reticencias, le permite que desarrolle y se dedique a la actividad artística y estudie diseño y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Viena; una institución que abandona debido a sus estrictos planteamientos conservadores en la cual se impartía una formación academicista.

 

Fotografía de Egon Schiele.

Fotografía de Egon Schiele.

 

Siguiendo la estela de su maestro Gustav Klimt, quien le presentó e introdujo en la adinerada sociedad vienesa, ingresa en el grupo denominado Secesión Vienesa; un año más tarde, en 1908, realiza su primera exposición individual y meses más tarde participa en la II Exposición Internacional de la Kunstschau en la que coincidió con el escultor Georges Minne y con Ferdinand Hodler quienes, junto a su amigo Klimt, dejaron su huella en el estilo expresionista de Schiele.

Agobiado por la sociedad vienesa, en 1911 se marcha a vivir al pueblo de su progenitora, Krumau, acompañado por su amante de 17 años, Valerie Neuzil. Una estancia breve ya que, al ser criticado por los habitantes de esta población por vivir con su modelo y retratar muchachas jóvenes, decide abandonarla.

El escándalo, sin embargo, persigue al artista y es acusado y arrestado, en Neulengbach, por corrupción por pintar desnudos y exhibir a sus modelos en poses obscenas. Tras quedar en libertad, Schiele regresa a Viena en donde vuelve a participar de los ambientes artísticos y a recibir numerosos encargos.

En 1915, abandona a su amante Wally y realiza un matrimonio de conveniencia con Edith Harms, hija de una familia burguesa; sin embargo, tras la muerte de la primera realiza la pintura autobiográfica “La muchacha y la muerte”, en la que aparecen ambos ex amantes en actitud distante.

ESTILO Y CARACTERISTICAS DE SU OBRA

La pérdida de su padre cuando era un niño, su relación de amistad con Gustav Klimt y su relación con las mujeres son las experiencias más determinantes en la trayectoria artística de este pintor, una trayectoria tiznada de melancolía y tristeza inmortalizadas en sus marrones, ocres, lánguidos amarillos y los rojos y negros que inundan sus cuadros.

Al contrario que otros artistas, en la producción pictórica de Schiele adquieren gran relevancia la numerosa cantidad de autorretratos que realizó, alrededor de cien, lo que denota una continua búsqueda y estudio interior y psicológico de si mismo. Son autrorretratos que, si bien al principio eran de tendencia naturalista, a medida que pasaban los añosos ofrecían una interesante composición gestual cargada de patetismo y despersonalización.

La extrema delgadez de su figura, el retorcimiento de su fisonomía… más que representarlo en una actitud exuberante y pletórico, denotan, una vez más, su conflicto interno y cierto sufrimiento psicológico con el que él mismo se identificaba.

Experto dibujante, los trazos rápidos y claros que aparecen en sus obras ponen de manifiesto una marcada energía y agresividad, manifiestos acompañantes de unas temáticas por medio de las cuales realiza una feroz crítica de la hipocresía social y que dejan constancia, además, de sus tensas relaciones sociales y las referentes a organismos institucionales.

A pesar de las críticas recibidas y de los desencuentros que su estilo, y sobre todo, las poses atrevidas de sus modelos ocasionaron, Schiele nunca renunció, quizás como un acto de rebeldía, a pintar la figura humana y, en particular, la de jóvenes modelos en actitudes sensuales, más que eróticas o pornográficas.

Otra de las características más representativas de la obra de Schiele radica en el trazado de líneas bruscas, que por sí mismas constituyen interesantes matices ornamentales y que transmiten con profundidad la degeneración y degradación moral y física de las figuras ejecutadas.

RETRATOS Y DESNUDOS

En relación a los conocidos desnudos del artista austríaco, y que tantas críticas y problemas le aportaron, hay que destacar el reflejo de un carisma decidido e implacable, un empeño de no abandonar esta temática mediante la cual se puede apreciar la determinación del artista de manifestar el lado más sensual de sus jóvenes modelos reflejado en diferentes y diversas posturas provocativas.

Su preferencia por la representación del cuerpo es una de las improntas de la trayectoria artística del artista vienés que sintió debilidad por imprimir, a sus retratos, una gran carga psicológica, representar la sensualidad humana sirviéndose de los desnudos; patente todo ellos, especialmente, en sus mujeres de gran fortaleza y seguras de sí mismas

PAISAJE

Influenciado por la formación institucional recibida en su juventud, los primeros paisajes realizados por Schiele están marcados por claros signos clásicos y academicistas que abandonará en épocas posteriores para pintar una naturaleza más subjetiva, basada en sus propios recuerdos. Es esta una característica, que tanto se puede explicar a través de sus paisajes sobre la naturaleza como mediante sus paisajes de carácter urbano.

 

OBRAS EXHIBIDAS

"La muerte y el hambre", (1911).

“La muerte y el hambre”, (1911).

 

 

"Girasol II", (1909).

“Girasol II”, (1909).

 

 

"Sol de Otoño", (1912).

“Sol de Otoño”, (1912).

 

 

"Ciudad a orillas del rio Azul II", (1911).

“Ciudad a orillas del rio Azul II”, (1911).

 

 

"Arboles otoñales", (1911).

“Arboles otoñales”, (1911).

 

 

"Autorretrato con mano en la mejilla".

“Autorretrato con mano en la mejilla”.

 

 

"Muchacha sentada", (1910).

“Muchacha sentada”, (1910).

 

 

"Retrato de mujer", (1912).

“Retrato de mujer”, (1912).

 

 

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

 

 

"Mujer de pie en rojo", (1913).

“Mujer de pie en rojo”, (1913).

 

 

"Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg", (1908).

“Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg”, (1908).

 

 

"Paisaje en la Baja Austria", (1907).

“Paisaje en la Baja Austria”, (1907).

 

 

"Pueblo montañés", (1907).

“Pueblo montañés”, (1907).

 

 

"Puerto de Trieste", (1907).

“Puerto de Trieste”, (1907).

 

 

"Desnudo femenino acostado con las piernas separadas", (1914).

“Desnudo femenino acostado con las piernas separadas”, (1914).

 

 

"Dos muchachas abrazándose", (1915).

“Dos muchachas abrazándose”, (1915).

 

 

"Dos chicas acostadas entrelazadas", (1915).

“Dos chicas acostadas entrelazadas”, (1915).

 

 

"Chica semidesnuda", (1911).

“Chica semidesnuda”, (1911).

 

 

"Semidesnudo femenino de rodillas", (1917).

“Semidesnudo femenino de rodillas”, (1917).

 

 

"Muchacha de pelo negro", (1911).

“Muchacha de pelo negro”, (1911).

 

 

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 PRESENTACION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES” es el nombre de la muestra pictórica con la que el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), ha decidido rendir tributo al artista nacido en Baumgarten, (Austria), en el año 1862. Con esta exhibición la Dirección del museo, ofrece a sus visitantes la posibilidad de realizar un exhaustivo análisis y un examen de la obra de este vienés y, por ende, poner ante las miradas del público la relevancia y trascendencia de su trayectoria en la transición del arte de finales del siglo XIX al arte moderno y el interés por el arte de vanguardia, que demostró, que propicia el abandono del grupo denominado “Secesión Vienesa”. Las obras expuestas en la Sala III de este espacio museístico, ponen de manifiesto, entre otras cuestiones, la atracción de este artista por los tonos dorados y amarillos y, sobre todo, subraya la predilección de Klimt por los retratos casi exclusivamente de mujeres a los que dotó de una sensualidad manifiesta y tangible.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“EGON SCHIELE: LAS DIVERSAS CARAS DE LA SEXUALIDAD”

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), "Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad".

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

 

PRESENTACION

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), organiza en sus instalaciones la muestra pictórica “EGON SCHIELE: LAS DIVERSAS CARAS DE LA SEXUALIDAD”, dedicada al artista austriaco Egon Schiele, (1890-1918).

A través de una veintena de obras, el objetivo de esta exposición se enfoca hacia el conocimiento y estudio de la trayectoria profesional del artista, haciendo hincapié en su debilidad por la figura humana y, concretamente, en la delicadeza con la que ha representado la sexualidad femenina a pesar de que, en muchas ocasiones, haya plasmado unos maltrechos cuerpos, unos sexos abiertos, una gestualidad desarticulada y distorsionada.

La exposición, que incluye, asimismo, algunas de sus obras cuya temática abarca otros asuntos como, por ejemplo, paisajes, flores y retratos, está ubicada en la Sala III del museo.

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

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La Dirección del MKAC recomienda…

“MUJERES BAJO SOSPECHA. MEMORIA Y SEXUALIDAD 1930/1980”

Estructurada en cinco secciones, “Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980” nos plantea una visión de la mujer en la sociedad de hace unas décadas: mujeres liberadas, mujeres domésticas, mujeres decentes, mujeres modernas y mujeres de dudosa moralidad.

Cartel de la exposición "Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980".

Cartel de la exposición “Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980”.

Es esta una muestra que tiene como hilo conductor la sexualidad de las mujeres en el período social e histórico señalado, un periodo que abarca un siglo de recorrido.

La exhibición, comisariada por Raquel Osborne y María Rosón, es una ha sido posible  mostrarla ante el público, gracias a la colaboración del Ayuntamiento y de la Universidad de Vigo, (Pontevedra, España).

 Más información en:

http://hoxe.vigo.org/movemonos/m_artes.php?lang=cas

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