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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

 

BIOGRAFIA

Amadeo Modigliani nace, en 1884, en Livorno, (Italia), en el seno de una familia de comerciantes judíos. Desde su infancia tuvo una delicada salud que le obligó a abandonar los estudios, circunstancia que encaminó su existencia hacia el mundo del arte y los estudios de pintura.

Su formación artística tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes, de Livorno, y en la Escuela Libre del Desnudo, de Florencia, así como en el instituto de las Artes de Venecia. En 1906, en plena fiebre vanguardista llega a París en donde contacta con los sectores artísticos, culturales y literarios; un hecho este que le lleva a ser influencia por artistas como Picasso, en cuyo cubismo y época azul encuentra, en principio, su fuente de inspiración, Cezanne o Toulouse-Lautrec.

Tras visitar brevemente a su ciudad natal, Livorno, retorna a la capital francesa y asienta su residencia en Montparnasse.

 

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

 

Amante de los excesos, su afición al alcohol hace mella en él convirtiéndolo en una persona violenta que contrasta con el individuo tímido cuando no se encuentra bajo los efectos de la bebida.

Gran aficionado, también, a las mujeres conoce, en 1917, a una estudiante, Jeaune Hébuterne, con la que estable una tormentosa relación, y con la que tiene una hija. Una relación que durará toda su vida, casándose con Jeaune poco antes de morir, a consecuencia de una meningitis tuberculosa, y quien tras el fallecimiento del artista se suicida arrojándose por una ventana.

 

PINTURA

La rapidez que Modigliani imprimía a la ejecución de sus obras y el hecho de jamás las retocase, causaron estupor y admiración en el círculo de artistas que frecuentaba en la capital parisina.

Clasificada su pintura, en muchas ocasiones, como expresionista la obra del italiano es difícil de encasillar y catalogar en un determinado estilo. Se podría afirmar que el pintor desarrolló su propio estilo a pesar de vivir en medio de un ambiente vanguardista.

Su primera exposición individual tiene lugar en la galería de Bertha Weill y es clausurada por la policía debido a los desnudos que mostraban sus obras.

En 1917, por sugerencia del marchante de arte Paul Guillaume, realiza sus famosos y cotizados, en la actualidad. Desnudos con los que, sin embargo, no tuvo gran éxito en el momento de realizarlos con fines mercantilistas.

 

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

 

Las peculiaridades de sus obras sobre la figura humana definen, asimismo, sus conocidos desnudos; una temática que trató desde que llegó a París si bien sus primeros cuadros sobre este tema se caracterizan por una concepción simbolista del cuerpo femenino como origen del pecado.

Son sus desnudos, realizados en épocas posteriores, los que rompen con este canon y pasan a representar la sensualidad femenina, estando caracterizados por sus líneas interrumpidas, los colores suaves y el alargamiento en sus formas.

 

DESNUDOS Y RETRATOS

En la producción artística del pintor destacan la realización, mayormente, de retratos y de desnudos y, a pesar de su estrecha relación con el postimpresionista Cézanne considerado el padre de la pintura moderna, tan sólo se le conocen tres paisajes.

Considerado uno de los grandes ejecutores del retrato del siglo XX, Modigliani nunca se consideró un retratista profesional a pesar de representar, esencialmente, rostros y figuras humanas de amigos, mujeres, hombres y niños pertenecientes a todos los estratos sociales.

 

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Entre los retratos más destacados de los realizados por el pintor, se encuentran los de Juan Gris, Max Jacob, Diego Rivera, los de su amante, Beatrice Hastings, los de Jeaune Hébuterne y los de Paul Guillaume caracterizados por la simplicidad de los contornos, las líneas suaves y sinuosas y los rostros ovalados y con cierto matiz de nostalgia.

 

ESCULTURA

La faceta de escultor de Modigliani se inicia, en 1909, tras conocer al escultor rumano Constantin Brancusi, (1876-1957), quien le animó a dedicarse a esta actividad que desempeño hasta 1914 tallando la piedra directamente.

Además de la influencia de la escultura egipcia y egipcia, mediante los “kuroi”, el artista se inspira en el arte primitivo y africano con especial influjo de las alargadas máscaras.

El estilo plástico, la esquematización y la solidez de las formas de sus esculturas se unieron a las característicos ojos, las diminutas bocas, los esbeltos cuellos y las narices retorcidas; un conjunto de peculiaridades que impidió clasificar sus obras en el cubismo y futurismo imperante en aquella época.

 

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

 

Sin embargo, la actividad escultórica de Modigliani cesa tras los inconvenientes que su ejecución le proporciona y a los requisitos necesarios que requería: el alto coste de los materiales, la necesidad de poseer un espacio amplio y adaptado a la talla de la piedra, a las críticas obtenidas y a los problemas que el polvo ocasionaba a sus pulmones.

En la actualidad tan sólo se conservan veinticinco estatuas realizadas por este artista, una de las cuales se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (estados Unidos).

 

ESTILO

Lo interesante de la obra de Amadeo Modigliani es que, a pesar de las influencias recibidas por los artistas que conoció en París, las influencias africanas o las arabescas; “Modi”, como le llamaban sus amigos, desarrolló un estilo propio impregnado de todas estas influencias recibidas a lo largo de su vida y de su formación.

Podemos ubicar su peculiar forma de ejecutar sus obras, a partir del año 1915, fecha en la que da paso a su particular estilo pictórico caracterizado por el alargamiento de la figura humana, una posible influencia del manierismo, y una delicada, elegante y estilizada geometrización de las formas como consecuencia del influjo que tuvo sobre él el arte africano a través de su amigo Brancusi.

En dicho estilo predominan la ausencia de contrates, la utilización de los colores suaves y cálidos y el alargamiento de las figuras que plasmó en sus obras.

Tras un periodo inicial marcados por los cánones artísticos y sociales establecidos, rompe con ellos para adquirir una madurez y un estilo propio inconfundible que no ha tenido seguidores.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MAS INFORMACION EN:

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 

BIOGRAFIA

Considerado uno de los más reconocidos y famosos artistas simbolistas austríacos, Gustav Klimt nace, en 1862, en una localidad cercana a Viena, Baumgartem, y heredó de su madre su inclinación hacia el arte.

Su vida en el seno de una familia humilde de inmigrantes en busca de trabajo no fue óbice para que, gracias a sus propios esfuerzos y méritos, recibiese una beca que le permitió ingresar en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. En ella recibe formación como decorador de interiores y como pintor al lado de maestros como Michael Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina.

Tras recibir una instrucción academicista, comienza a trabajar con su hermano Ernest en lo que ambos denominaron “Compañía de Artistas”, un colectivo que pronto comenzó a recibir encargos y que finalizaría a la muerte de su hermano en 1892.

 

Fotografía de Gustav Klimt.

Fotografía de Gustav Klimt.

 

Ocho años más tarde, recibe la Orden de Oro al Mérito gracias a su trabajo en la realización de los murales de Burgtheater de la capital austriaca; también fue nombrado miembro honorario de las Universidades de Munich y de Viena.

En 1911, recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su obra “La vida y la muerte”.

Tras una vida tranquila, a lo largo de la cual intentó rehuir los círculos artísticos e intelectuales y en la que el trabajo centraba toda su atención, Klimt fallece en 1918 a consecuencia de una serie de enfermedades que padeció a lo largo de su vida.

 

INQUIETUDES

Miembro de la Asociación de Artista Vieneses, su interés por el arte vanguardista le lleva a abandonar dicha asociación y a fundar, junto a varios artistas, la Secesión Vienesa, en 1897, en la que fue presidente y su miembro más destacado.

Además de publicar una revista con información sobre las obras más importantes de sus miembros, entre los objetivos de Klimt estaba el promover y promocionar a los artistas jóvenes y mostrar obras realizadas en el extranjero, en las salas de exposiciones que le habían cedido las instituciones gubernamentales, independientemente del estilo que tuviera cada artista.

Klimt abandona la Secesión Vienesa en 1908 dejando una fuerte huella e impronta en el resto de sus miembros.

 

ESTILO

Los lienzos y murales, realizados por Klimt, llaman la atención por la capacidad del artista para imprimirles su propio sello personal, cargado, en ocasiones, de mucha ornamentación, por ser una declaración de principios de su autor y por suponer, para los críticos más conservadores, un gran reto.

Un hecho bastante representativo de todo ello, y que marca la obra del artista austriaco, lo supone la elaboración del Friso de Beethoven realizado, directamente, sobre la pared. Por otra parte, las críticas recibidas por sus tres obras, realizadas para el Aula Magna de la Universidad de Viena, en 1894, “La Filosofía”; “La Medicina” y “Jurisprudencia”, que muchos tacharon de radicales y pornográficas, llevaron a Klimt a tomar la decisión de no volver a admitir ningún tipo de encargo.

 

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Imagen de la exposición sobre Gustav Klimt.

Para el artista esta determinación supuso, en cierta medida, una liberación; una liberación que coincide, con lo que muchos críticos han considerado, como su etapa de madurez y en la que la experiencia vital del artista tiene una gran trascendencia.

En lo que a su idiosincrasia estilística se refiera, se pueden definir dos etapas muy marcadas: por una parte, aquella que posee un estilo academicista y que marcan los primeros momentos de su vida profesional y en la que la simbología y las alegorías convencionales son evidentes y, por otra parte y más tarde, la etapa del estilo ecléctico en la que abundan los motivos abstractos, el pan de oro, los elementos de decoración colorista y una gran carga sensual.

 

TEMATICA

A excepción de los paisajes que realiza en la década de 1890, el alma de la obra de este artista se centra en la figura y, sobre todo, en la figura femenina; sintiendo especial atención por la representación de mujeres dominantes y agresivas a las que retrata en poses altamente eróticas que el artista suaviza con pinceladas y recursos simbólicos, alegóricos o abstractos.

 

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

Algunas obras expuestas en la Sala del MKAC.

 

Cargadas de un gran realismo, ya sea en los retratos de las mujeres de la alta sociedad o de las “femmes fatales”, sus obras las ejecuta con una extrema decoración; en las que los fondos y vestidos predominan los dorados, los amarillos y los motivos inspirados en las alas de mariposa o en colas de pavo real.

 

KLIMT, MAS ALLA DE UNA EPOCA

A su muerte, Klimt deja gran cantidad de obras inacabadas una gran parte de las cuales fueron confiscadas por los nazis quienes, al comprobar que se convertían en botín de guerra, quemaron en el castillo en las que se habían guardo y almacenado.

 

Panorámica de la exposición "Gustav Klimt: el simbolismo Vienés", en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Panorámica de la exposición “Gustav Klimt: el simbolismo Vienés”, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

Aunque el artista austriaco pudo vivir económicamente holgado gracias a su labor artística, hasta el punto de permitirse la satisfacción de no aceptar encargos y pintar lo que realmente le apetecía, sus obras alcanzaron décadas más tarde precios millonarios.

 

OBRAS EXHIBIDAS

“Pinar”, (1901).

“Pinar”, (1901).

 

 

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

“Avenida en el parque del Castillo de Krammer”, (1912).

 

 

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

“Casa de labranza de la Alta Austria”, (1912).

 

 

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

“Malcensine on the Lake Garden”, (1913).

 

 

“Campo de amapolas”, (1907).

“Campo de amapolas”, (1907).

 

 

“La iglesia en Cassone”, (1913).

“La iglesia en Cassone”, (1913).

 

 

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

“Schloos Krammer en Attersee III”, (1910).

 

 

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

“Rosales debajo de los árboles”, (1905).

 

 

“Después de la lluvia”, (1899).

“Después de la lluvia”, (1899).

 

 

“Castillo sobre el agua”, (1908).

“Castillo sobre el agua”, (1908).

 

 

"Adán y Eva", (1905-1906).

“Adán y Eva”, (1905-1906).

 

 

"Dànee", (1907-1908).

“Dànee”, (1907-1908).

 

 

“Girlfriends”, (1916-1917).

“Girlfriends”, (1916-1917).

 

 

"Pez de colores", (1901-1902).

“Pez de colores”, (1901-1902).

 

 

“La esperanza I”, (1903).

“La esperanza I”, (1903).

 

 

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

“Las tres edades de la mujer”, (1908).

 

 

“Movimiento del agua”, (1898).

“Movimiento del agua”, (1898).

 

 

"La novia", (1917-1918).

“La novia”, (1917-1918).

 

 

"Serpientes de agua I", (1904-1907).

“Serpientes de agua I”, (1904-1907).

 

 

"Serpientes en el agua II", (1904-1907).

“Serpientes en el agua II”, (1904-1907).

 

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EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), "Amadeo Modigliani: Más Allá de los "ISMOS"".

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

PRESENTACION

Las instalaciones del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), ha planificado esta exposición sobre el pintor nacido en Livorno, (Italia), Amadeo Modigliani en 1884 y fallecido en París, (Francia), en el año 1920.

Es esta una muestra artística atraído por diversos movimientos artísticos como, por ejemplo, el expresionismo y el cubismo pero de los que, sin embargo, siempre ha huido, manteniéndose independiente en busca de su propio estilo; un estilo difícil de encuadrar en una tendencia precisa y determinada tal como puede comprobarse en “AMADEO MODIGLIANI, MAS ALLA DE LOS “ISMOS””.

El conjunto de su producción pictórica transmite y evidencia una vida marcada por los excesos, drogas y alcohol marcaron su existencia y su obra y aceleraron la debilidad física del artista italiano.

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

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EXPOSICION

“EGON SCHIELE: LAS DIFERENTES CARAS DE LA SEXUALIDAD”

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

BIOGRAFIA

Grabador y pintor, discípulo de Gustav Klimt, Egon Leo Adolf Schiele, nacido en Austria, está considerado como uno de los grandes representantes figurativos del siglo XX y, también, uno de los más relevantes participantes del llamado expresionismo de su país.

A la muerte de su padre, (1905), su tío Leopold Czihaczek se hace cargo de él y, tras algunas reticencias, le permite que desarrolle y se dedique a la actividad artística y estudie diseño y dibujo en la Academia de Bellas Artes de Viena; una institución que abandona debido a sus estrictos planteamientos conservadores en la cual se impartía una formación academicista.

 

Fotografía de Egon Schiele.

Fotografía de Egon Schiele.

 

Siguiendo la estela de su maestro Gustav Klimt, quien le presentó e introdujo en la adinerada sociedad vienesa, ingresa en el grupo denominado Secesión Vienesa; un año más tarde, en 1908, realiza su primera exposición individual y meses más tarde participa en la II Exposición Internacional de la Kunstschau en la que coincidió con el escultor Georges Minne y con Ferdinand Hodler quienes, junto a su amigo Klimt, dejaron su huella en el estilo expresionista de Schiele.

Agobiado por la sociedad vienesa, en 1911 se marcha a vivir al pueblo de su progenitora, Krumau, acompañado por su amante de 17 años, Valerie Neuzil. Una estancia breve ya que, al ser criticado por los habitantes de esta población por vivir con su modelo y retratar muchachas jóvenes, decide abandonarla.

El escándalo, sin embargo, persigue al artista y es acusado y arrestado, en Neulengbach, por corrupción por pintar desnudos y exhibir a sus modelos en poses obscenas. Tras quedar en libertad, Schiele regresa a Viena en donde vuelve a participar de los ambientes artísticos y a recibir numerosos encargos.

En 1915, abandona a su amante Wally y realiza un matrimonio de conveniencia con Edith Harms, hija de una familia burguesa; sin embargo, tras la muerte de la primera realiza la pintura autobiográfica “La muchacha y la muerte”, en la que aparecen ambos ex amantes en actitud distante.

ESTILO Y CARACTERISTICAS DE SU OBRA

La pérdida de su padre cuando era un niño, su relación de amistad con Gustav Klimt y su relación con las mujeres son las experiencias más determinantes en la trayectoria artística de este pintor, una trayectoria tiznada de melancolía y tristeza inmortalizadas en sus marrones, ocres, lánguidos amarillos y los rojos y negros que inundan sus cuadros.

Al contrario que otros artistas, en la producción pictórica de Schiele adquieren gran relevancia la numerosa cantidad de autorretratos que realizó, alrededor de cien, lo que denota una continua búsqueda y estudio interior y psicológico de si mismo. Son autrorretratos que, si bien al principio eran de tendencia naturalista, a medida que pasaban los añosos ofrecían una interesante composición gestual cargada de patetismo y despersonalización.

La extrema delgadez de su figura, el retorcimiento de su fisonomía… más que representarlo en una actitud exuberante y pletórico, denotan, una vez más, su conflicto interno y cierto sufrimiento psicológico con el que él mismo se identificaba.

Experto dibujante, los trazos rápidos y claros que aparecen en sus obras ponen de manifiesto una marcada energía y agresividad, manifiestos acompañantes de unas temáticas por medio de las cuales realiza una feroz crítica de la hipocresía social y que dejan constancia, además, de sus tensas relaciones sociales y las referentes a organismos institucionales.

A pesar de las críticas recibidas y de los desencuentros que su estilo, y sobre todo, las poses atrevidas de sus modelos ocasionaron, Schiele nunca renunció, quizás como un acto de rebeldía, a pintar la figura humana y, en particular, la de jóvenes modelos en actitudes sensuales, más que eróticas o pornográficas.

Otra de las características más representativas de la obra de Schiele radica en el trazado de líneas bruscas, que por sí mismas constituyen interesantes matices ornamentales y que transmiten con profundidad la degeneración y degradación moral y física de las figuras ejecutadas.

RETRATOS Y DESNUDOS

En relación a los conocidos desnudos del artista austríaco, y que tantas críticas y problemas le aportaron, hay que destacar el reflejo de un carisma decidido e implacable, un empeño de no abandonar esta temática mediante la cual se puede apreciar la determinación del artista de manifestar el lado más sensual de sus jóvenes modelos reflejado en diferentes y diversas posturas provocativas.

Su preferencia por la representación del cuerpo es una de las improntas de la trayectoria artística del artista vienés que sintió debilidad por imprimir, a sus retratos, una gran carga psicológica, representar la sensualidad humana sirviéndose de los desnudos; patente todo ellos, especialmente, en sus mujeres de gran fortaleza y seguras de sí mismas

PAISAJE

Influenciado por la formación institucional recibida en su juventud, los primeros paisajes realizados por Schiele están marcados por claros signos clásicos y academicistas que abandonará en épocas posteriores para pintar una naturaleza más subjetiva, basada en sus propios recuerdos. Es esta una característica, que tanto se puede explicar a través de sus paisajes sobre la naturaleza como mediante sus paisajes de carácter urbano.

 

OBRAS EXHIBIDAS

"La muerte y el hambre", (1911).

“La muerte y el hambre”, (1911).

 

 

"Girasol II", (1909).

“Girasol II”, (1909).

 

 

"Sol de Otoño", (1912).

“Sol de Otoño”, (1912).

 

 

"Ciudad a orillas del rio Azul II", (1911).

“Ciudad a orillas del rio Azul II”, (1911).

 

 

"Arboles otoñales", (1911).

“Arboles otoñales”, (1911).

 

 

"Autorretrato con mano en la mejilla".

“Autorretrato con mano en la mejilla”.

 

 

"Muchacha sentada", (1910).

“Muchacha sentada”, (1910).

 

 

"Retrato de mujer", (1912).

“Retrato de mujer”, (1912).

 

 

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

“Retrato del pintor Anton Peschka”.

 

 

"Mujer de pie en rojo", (1913).

“Mujer de pie en rojo”, (1913).

 

 

"Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg", (1908).

“Casas junto al ayuntamiento de Klosterneuburg”, (1908).

 

 

"Paisaje en la Baja Austria", (1907).

“Paisaje en la Baja Austria”, (1907).

 

 

"Pueblo montañés", (1907).

“Pueblo montañés”, (1907).

 

 

"Puerto de Trieste", (1907).

“Puerto de Trieste”, (1907).

 

 

"Desnudo femenino acostado con las piernas separadas", (1914).

“Desnudo femenino acostado con las piernas separadas”, (1914).

 

 

"Dos muchachas abrazándose", (1915).

“Dos muchachas abrazándose”, (1915).

 

 

"Dos chicas acostadas entrelazadas", (1915).

“Dos chicas acostadas entrelazadas”, (1915).

 

 

"Chica semidesnuda", (1911).

“Chica semidesnuda”, (1911).

 

 

"Semidesnudo femenino de rodillas", (1917).

“Semidesnudo femenino de rodillas”, (1917).

 

 

"Muchacha de pelo negro", (1911).

“Muchacha de pelo negro”, (1911).

 

 

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES”

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

Cartel de la exposición, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), sobre el artista vienés Gustav Klimt.

 PRESENTACION

“GUSTAV KLIMT, EL SIMBOLISMO VIENES” es el nombre de la muestra pictórica con la que el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), ha decidido rendir tributo al artista nacido en Baumgarten, (Austria), en el año 1862. Con esta exhibición la Dirección del museo, ofrece a sus visitantes la posibilidad de realizar un exhaustivo análisis y un examen de la obra de este vienés y, por ende, poner ante las miradas del público la relevancia y trascendencia de su trayectoria en la transición del arte de finales del siglo XIX al arte moderno y el interés por el arte de vanguardia, que demostró, que propicia el abandono del grupo denominado “Secesión Vienesa”. Las obras expuestas en la Sala III de este espacio museístico, ponen de manifiesto, entre otras cuestiones, la atracción de este artista por los tonos dorados y amarillos y, sobre todo, subraya la predilección de Klimt por los retratos casi exclusivamente de mujeres a los que dotó de una sensualidad manifiesta y tangible.

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICION

“EGON SCHIELE: LAS DIVERSAS CARAS DE LA SEXUALIDAD”

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), "Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad".

Cartel de la muestra pictórica, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), “Egon Schiele: las diversas caras de la sexualidad”.

 

PRESENTACION

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), organiza en sus instalaciones la muestra pictórica “EGON SCHIELE: LAS DIVERSAS CARAS DE LA SEXUALIDAD”, dedicada al artista austriaco Egon Schiele, (1890-1918).

A través de una veintena de obras, el objetivo de esta exposición se enfoca hacia el conocimiento y estudio de la trayectoria profesional del artista, haciendo hincapié en su debilidad por la figura humana y, concretamente, en la delicadeza con la que ha representado la sexualidad femenina a pesar de que, en muchas ocasiones, haya plasmado unos maltrechos cuerpos, unos sexos abiertos, una gestualidad desarticulada y distorsionada.

La exposición, que incluye, asimismo, algunas de sus obras cuya temática abarca otros asuntos como, por ejemplo, paisajes, flores y retratos, está ubicada en la Sala III del museo.

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES FONDO DEL MUSEO

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La Dirección del MKAC recomienda…

“MUJERES BAJO SOSPECHA. MEMORIA Y SEXUALIDAD 1930/1980”

Estructurada en cinco secciones, “Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980” nos plantea una visión de la mujer en la sociedad de hace unas décadas: mujeres liberadas, mujeres domésticas, mujeres decentes, mujeres modernas y mujeres de dudosa moralidad.

Cartel de la exposición "Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980".

Cartel de la exposición “Mujeres Bajo Sospecha. Memoria y Sexualidad 190/1980”.

Es esta una muestra que tiene como hilo conductor la sexualidad de las mujeres en el período social e histórico señalado, un periodo que abarca un siglo de recorrido.

La exhibición, comisariada por Raquel Osborne y María Rosón, es una ha sido posible  mostrarla ante el público, gracias a la colaboración del Ayuntamiento y de la Universidad de Vigo, (Pontevedra, España).

 Más información en:

http://hoxe.vigo.org/movemonos/m_artes.php?lang=cas

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