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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Tag Archives: Escuela de Bellas Artes

La Dirección del MKAC recomienda…

EXPOSICION

“XAVIER GOSE, 1876-1915. ILUSTRADOR DE LA MODERNIDAD”

Dibujante y pintor español, Francisco Javier Gosé Rovira, (1876-1915), es el centro de la exposición que se puede visitar en el Palau Nacional de Barcelona y que está organizada por el Museo Nacional de Arte de Cataluña, (MNAC), y el Museo de Arte Jaume Morera.

 

Cartel de exposición “Xavier Gosé, 1876-1915. Ilustrador de la Modernidad".

Cartel de exposición “Xavier Gosé, 1876-1915. Ilustrador de la Modernidad”.

 

Considerado uno de los introductores, en Cataluña, del Art Decó, está muestra antológica, “Xavier Gosé, 1876-1915. Ilustrador de la Modernidad”, sobre él coincide con el centenario del fallecimiento de uno de los ilustradores más relevantes de principios del siglo XX, formado en la Escuela de Bellas Artes, La Lotja, y nos ayuda a comprender su producción inspirada en los cafés-concert, los bulevares, la vida en Montmartre, las prostitutas o la gente corriente.

MAS INFORMACION EN:

http://www.museunacional.cat

INFORMACION RELACIONADA:

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“LAS GALOPERAS”

DE

LILIANA SEGOVIA

Cartel de la exhibición de Liliana Segovia “Las Galoperas”.

Cartel de la exhibición de Liliana Segovia “Las Galoperas”.

 

La trayectoria profesional de a artista paraguaya Lilian Segovia, se refuerza en mor de tres variables determinantes. Por una parte, su formación profesional obtenida en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Asunción, (Paraguay), y una licenciatura en Artes Plásticas; por otra parte, relevancia esencial tiene su asistencia a talleres de importantes maestros de diferentes países como, por ejemplo, los de Nuno Ramos, Livio Abramo y Joao Rossi, (Brasil); Tomé Gabaldà, (España); Gerthard Peltzar, (Alemania); y Michel Oliver y Judith Mc.Crea, (E.E.U.U.), que se unes a los talleres de artistas de su país como es el caso del de Olga Blinder, Enrique Collar, Luís Boh y Pedro Agüero.

 

Fotografía de la artista guaraní Liliana Segovia.

Fotografía de la artista guaraní Liliana Segovia.

 

A estos dos arquitrabes de su formación se le une un tercero: una desmesurada inquietud por el conocimiento y por la investigación no sólo por la pintura sino, también, por otras artes diferentes a ellas que configuran a Lilian Segovia como artista visual, fundadora de la Galería Multiarte, docente y gestora cultural.

La artista comienza su andadura expositiva en el año 1990 y, desde entonces, la presencia de sus obras son habituales en gran cantidad de muestras colectivas e individuales, dentro y fuera de Paraguay; asimismo, es fundadora de “Gente de Arte”, (2005), y socia fundadora de “Artistas Solidarios del Paraguay”, (2008).

 

EXPOSICIONES MAS RELEVANTES

Entre las muestras artísticas realizadas por esta artista guaraní, se mencionan las de carácter más significativo y considerable:

Muestra Colectiva “Refracciones”, Museo del Barro-Fundación Migliorisi, (Paraguay, 2013)

Muestra Colectiva Grupo Arte Público Paraguayo y Artista de GdA, (Paraguay, 2013).

Muestra Colectiva “Elite Fine Art Gallery Wynwood”, (Miami, E.E.U.U., 2013).

Exposición “Banderas Intervenidas”, (Paraguay, 2012).

Exposición “Centro Cultural Cabildo”, (Paraguay, 2011).

Exhibición Colectiva “Images of Paraguay”, (E.E.U.U., 2010).

Exposición Colectiva “¿Y Bosque Aguantamos?”, (España, 2009).

Exposición Colectiva “Diseño Sostenible”, (UCA, 2009).

Exposición Individual Galería de la Embajada de Perú en Washington DC., (E.E.U.U., 2008).

Exhibición Colectiva Galería Bellarte, (Corea del Sur, 2008).

Exposición “Visual Encountres UIT Paraguay”, Washburn Mulvanes Art Museum, (E.E.U.U., 2008).

 

COMENTARIOS

Las obras de Liliana son más convincentes por su comprensión de los problemas plásticos que ella enfrenta. Revelan y solucionan con éxito la estética de la forma y el contenido de esta nueva personalidad que ahora se asoma al escenario de las artes plásticas.

Dueña ya de una técnica, tanto de diseño como de pintura, ella ha penetrado fácilmente en el espíritu de la plástica actual, y su afán de superación nos promete nuevos y buenos logros artísticos para el futuro”.

Livio Abramo, grabador, diseñador y periodista.
Fundador de Artes Plásticas de la Misión Cultural Brasileña y del Taller de Grabado «Julián de la Herrería».

 

Es en ese año de 1991 que Livio Abramo escribe sobre la obra naciente de Liliana: “Las series de Módulos y de las Figuras revelan y solucionan con éxito las estéticas de forma y contenido de esta nueva personalidad que ahora se asoma al escenario de las obras de las artes plásticas nacional”.

El maestro no se equivocaba, pasaron veinte años, siguió ella trabajando y hoy aquí podemos apreciar la singularidad y la estética de esos trazos y líneas que con el gesto expresa su sentir dándoles formas y movimientos a las galoperas en ese círculo casi mágico que conformar al danzar.

Homenaje a la mujer paraguaya a la “raída poty” que emerge como símbolo de una cultura que se va perdiendo como las cenizas de las fogatas indígenas (ocara) que transportadas por el viento se transforman en silencio.

Sin caer en un folklorismo barato ni en un nacionalismo romántico, mi mirada, va hacia un enfoque antropológico, sociológico, histórico y estético de las galoperas mujeres de mi pueblo que ingresan con esas imágenes de Liliana…

Osvaldo Real Torres, curador independiente.

 

PREMIOS Y DISTINCIONES

Seleccionada en el Concurso “Mujer” de la Fundación Fundar como uno de los 20 artistas más destacados, (2013).

Adjudicación “Concursos Ciudadanos para el Bicentenario de la República”, organizados por la Secretaría Nacional de Cultura por su proyecto pictórico visual “Las Galoperas”, (2010).

Distinción de la Honorable Cámara de Diputados en el Congreso de la Nación, por su aportación al Arte y la Cultura Guaraní, (2009).

 

PONENCIAS

La implicación de Liliana Segovia en el mundo del arte y de la cultura, ha hecho que su participación en diferentes actividades de esta índole sea un pieza clave del arte guaraní; arte que divulga a través de diferentes presentaciones y ponencias.

Se citan, a continuación, algunas de sus intervenciones más destacadas:

VII Encuentro Latinoamericano y Caribeño sobre Enseñanza Artística, (Cuba).

Ponencia “La Mujer en el Arte Paraguayo” en el State College de New York, (E.E.U.U., 2009).

Ponencia sobre Artistas Emergentes de Paraguay en el Congreso Latino Artists, (E.E:U.U.)

Representante en Paraguay del Latin American Arte Museum de Miami, (E.E.U.U., 1998-2001).

 

PRESENCIA BIBLIOGRAFICA

Libro “Guía de las Artes Visuales”, (2013).

Revista Gráfica Uruguaya “Destino Arte”, 2010, 2011 y 2012).

Libro “Gente de Arte”, (2011).

Revista de Arte “The New York Art Word”, (2003).

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES ARTISTAS REALES

MKAC: EXPOSICIONES ARTISTAS REALES

MKAC: EXPOSICIONES ARTISTAS REALES

MKAC: EXPOSICIONES ARTISTAS REALES

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/09/01/liliana-segovia-las-galoperas-exposicion-presentacion

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“AMADEO MODIGLIANI: MAS ALLA DE LOS “ISMOS””

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

Cartel de la exposición, en el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), “Amadeo Modigliani: Más Allá de los “ISMOS””.

 

BIOGRAFIA

Amadeo Modigliani nace, en 1884, en Livorno, (Italia), en el seno de una familia de comerciantes judíos. Desde su infancia tuvo una delicada salud que le obligó a abandonar los estudios, circunstancia que encaminó su existencia hacia el mundo del arte y los estudios de pintura.

Su formación artística tiene lugar en la Escuela de Bellas Artes, de Livorno, y en la Escuela Libre del Desnudo, de Florencia, así como en el instituto de las Artes de Venecia. En 1906, en plena fiebre vanguardista llega a París en donde contacta con los sectores artísticos, culturales y literarios; un hecho este que le lleva a ser influencia por artistas como Picasso, en cuyo cubismo y época azul encuentra, en principio, su fuente de inspiración, Cezanne o Toulouse-Lautrec.

Tras visitar brevemente a su ciudad natal, Livorno, retorna a la capital francesa y asienta su residencia en Montparnasse.

 

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

Fotografía de Amedeo Clemente Modigliani.

 

Amante de los excesos, su afición al alcohol hace mella en él convirtiéndolo en una persona violenta que contrasta con el individuo tímido cuando no se encuentra bajo los efectos de la bebida.

Gran aficionado, también, a las mujeres conoce, en 1917, a una estudiante, Jeaune Hébuterne, con la que estable una tormentosa relación, y con la que tiene una hija. Una relación que durará toda su vida, casándose con Jeaune poco antes de morir, a consecuencia de una meningitis tuberculosa, y quien tras el fallecimiento del artista se suicida arrojándose por una ventana.

 

PINTURA

La rapidez que Modigliani imprimía a la ejecución de sus obras y el hecho de jamás las retocase, causaron estupor y admiración en el círculo de artistas que frecuentaba en la capital parisina.

Clasificada su pintura, en muchas ocasiones, como expresionista la obra del italiano es difícil de encasillar y catalogar en un determinado estilo. Se podría afirmar que el pintor desarrolló su propio estilo a pesar de vivir en medio de un ambiente vanguardista.

Su primera exposición individual tiene lugar en la galería de Bertha Weill y es clausurada por la policía debido a los desnudos que mostraban sus obras.

En 1917, por sugerencia del marchante de arte Paul Guillaume, realiza sus famosos y cotizados, en la actualidad. Desnudos con los que, sin embargo, no tuvo gran éxito en el momento de realizarlos con fines mercantilistas.

 

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

Fotografía del marchante y coleccionista de arte Paul Guillaume.

 

Las peculiaridades de sus obras sobre la figura humana definen, asimismo, sus conocidos desnudos; una temática que trató desde que llegó a París si bien sus primeros cuadros sobre este tema se caracterizan por una concepción simbolista del cuerpo femenino como origen del pecado.

Son sus desnudos, realizados en épocas posteriores, los que rompen con este canon y pasan a representar la sensualidad femenina, estando caracterizados por sus líneas interrumpidas, los colores suaves y el alargamiento en sus formas.

 

DESNUDOS Y RETRATOS

En la producción artística del pintor destacan la realización, mayormente, de retratos y de desnudos y, a pesar de su estrecha relación con el postimpresionista Cézanne considerado el padre de la pintura moderna, tan sólo se le conocen tres paisajes.

Considerado uno de los grandes ejecutores del retrato del siglo XX, Modigliani nunca se consideró un retratista profesional a pesar de representar, esencialmente, rostros y figuras humanas de amigos, mujeres, hombres y niños pertenecientes a todos los estratos sociales.

 

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Fotografía de Jeaune Hébuterne.

Entre los retratos más destacados de los realizados por el pintor, se encuentran los de Juan Gris, Max Jacob, Diego Rivera, los de su amante, Beatrice Hastings, los de Jeaune Hébuterne y los de Paul Guillaume caracterizados por la simplicidad de los contornos, las líneas suaves y sinuosas y los rostros ovalados y con cierto matiz de nostalgia.

 

ESCULTURA

La faceta de escultor de Modigliani se inicia, en 1909, tras conocer al escultor rumano Constantin Brancusi, (1876-1957), quien le animó a dedicarse a esta actividad que desempeño hasta 1914 tallando la piedra directamente.

Además de la influencia de la escultura egipcia y egipcia, mediante los “kuroi”, el artista se inspira en el arte primitivo y africano con especial influjo de las alargadas máscaras.

El estilo plástico, la esquematización y la solidez de las formas de sus esculturas se unieron a las característicos ojos, las diminutas bocas, los esbeltos cuellos y las narices retorcidas; un conjunto de peculiaridades que impidió clasificar sus obras en el cubismo y futurismo imperante en aquella época.

 

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

Fotografía de la casa natal de Amadeo Modigliani en Livorno.

 

Sin embargo, la actividad escultórica de Modigliani cesa tras los inconvenientes que su ejecución le proporciona y a los requisitos necesarios que requería: el alto coste de los materiales, la necesidad de poseer un espacio amplio y adaptado a la talla de la piedra, a las críticas obtenidas y a los problemas que el polvo ocasionaba a sus pulmones.

En la actualidad tan sólo se conservan veinticinco estatuas realizadas por este artista, una de las cuales se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, (estados Unidos).

 

ESTILO

Lo interesante de la obra de Amadeo Modigliani es que, a pesar de las influencias recibidas por los artistas que conoció en París, las influencias africanas o las arabescas; “Modi”, como le llamaban sus amigos, desarrolló un estilo propio impregnado de todas estas influencias recibidas a lo largo de su vida y de su formación.

Podemos ubicar su peculiar forma de ejecutar sus obras, a partir del año 1915, fecha en la que da paso a su particular estilo pictórico caracterizado por el alargamiento de la figura humana, una posible influencia del manierismo, y una delicada, elegante y estilizada geometrización de las formas como consecuencia del influjo que tuvo sobre él el arte africano a través de su amigo Brancusi.

En dicho estilo predominan la ausencia de contrates, la utilización de los colores suaves y cálidos y el alargamiento de las figuras que plasmó en sus obras.

Tras un periodo inicial marcados por los cánones artísticos y sociales establecidos, rompe con ellos para adquirir una madurez y un estilo propio inconfundible que no ha tenido seguidores.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MKAC: EXPOSICIONES DEL FONDO DEL MUSEO

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/08/24/amadeo-modigliani-mas-alla-de-los-ismos

INFORMACION RELACIONADA:

https://mkac.wordpress.com/2013/06/05/dia-internacional-de-los-museos-2013-museo-guggenheim-de-bilbao

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICION

“LAS GALOPERAS”

DE

LILIANA SEGOVIA

Cartel de la exhibición de Liliana Segovia "Las Galoperas".

Cartel de la exhibición de Liliana Segovia “Las Galoperas”.

PRESENTACION

El próximo día 3 de septiembre, miércoles, se inaugura en el Museo Karura Art Centre, (MKAC), la exposición “Las Galoperas” de la artista guaraní Liliana Segovia, en la que a través de una veintena de obras su creadora nos muestra, en detalle, una minuciosa selección de una importante parte del sentir de su país, Paraguay.

“Las Galoperas”, mujeres paraguayas que bailan la danza de la galopa, que mueven sus pies y cimbrean sus cinturas al ritmo de la danza “La Galopa” o “La Galopeada” instrumentalizada por la nada koyguá a partir de seis instrumentos: el bajo, la trombota, el clarinete, la caja, los platillos y el trombón. Escenifican y encarnan, además, los vínculos y conexiones entre dos culturas como la española y la guaraní simbolizadas en la mujer paraguaya a las que se considera transmisoras de una cultura mestiza y llena de riqueza.
Segovia recurre, pues, al folklore paraguayo para erigirse en un sólido y concluyente portavoz no sólo de la mujer guaraní sino que también, y por extensión, de todo un pueblo.

Sin embargo, no hallaremos en la obra de la artista los tópicos y las representaciones manidas y habituales, a las que es fácil sucumbir, cuando se trata de plantear y desarrollar esa parte de la vida de las naciones. Por el contrario, en contraposición a ese cliché la pintora invoca a un arte en el que las líneas danzan o, como en esta ocasión, hacen danzar a las galoperas imbuidas en sus amplios y coloridos atuendos; unos estilizados trazos que permiten a la artista tropezar y encontrar la excusa perfecta para desplegar todo su extenso conocimiento sobre el color, las formas y, mediante ellos, el movimiento con el que, gracias a sus galoperas, inunda sus lienzos.

 

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/tag/folklore-paraguayo

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MUSEO KARURA ART CENTRE

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EXPOSICIÓN

“CHE RETA PARAGUAY”

DE

BEATRIZ HOLDEN

Cartel de la muestra artística “Che Reta Paraguay” de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Cartel de la muestra artística “Che Reta Paraguay” de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Beatriz Holden nace en la ciudad de Asunción, (Paraguay), en el seno de una familia de artistas; es hija del pintor Roberto Holden Jara, (1900-1984), y es madre de la también artista Virginia Rojas Holden.

La artista guaraní comienza su andadura en el mundo expositivo con la exhibición “Paraguay en Pinceladas”, en el año 2007, encaminándose desde esa fecha hacia la actividad creativa.

Tras obtener la licenciatura en Humanidades, por la Universidad Católica de Asunción, y realizar estudios de Piano Ciclo Superior, Holden comienza su formación artística en la Escuela de Bellas Artes.

Desde siempre siente predilección por óleo técnica en la que se cómoda y que maneja a la perfección. La temática representada en sus lienzos está claramente identificada y unida a sus raíces paraguayas, haciendo de ellos una especie de bandera sobre las costumbres y sentir guaraní.

Fotografía de la artista guaraní Beatriz Holden.

Fotografía de la artista guaraní Beatriz Holden.

De esta forma, sus frutas, paisajes, flores, vendedoras de mercado, pescadores, lavanderas, campesinos, y un largo etcétera, se transforman en una de las señas de identidad de la producción de la pintora quien capta, con detalle y precisión, cada gesto, rasgo y movimiento de todo lo que su entorno le conduce a plasmar en las telas.

Con un estilo que comenzó siendo realista en la actualidad éste oscila, por momentos, entre el impresionismo y el expresionismo.

CRITICA

En las pinturas pueden observarse una vocación inequívoca por el arte tradicional y representativo del paisaje, la naturaleza muerta o la figura humana de sesgo costumbrista. Oscilando entre un impresionismo tardío, y de a ratos levemente expresionista, la artista también explora las posibilidades del hiperrealismo…”, ( Fernando Moure, crítico de arte).

ACTIVIDAD ARTISTICA

Comprometida con el arte, la artista fue Coordinadora de Artes Plásticas del Grupo “Amigos del Arte”, creado en 1947 por una serie de artistas que deseaban potenciar e impulsar el arte y la cultura de Paraguay, ocupando la Presidencia durante el período 2008-2010.

Holden pertenece, además, a la Comisión Directiva del “Centro de Artistas Plásticos de Paraguay”; cargos a través de los cuales ha dedicado buena parte de su labor a la gestión cultural organizando eventos artísticos y culturales y siendo parte del Jurado de premios y concursos, ocupación que no le impide, al mismo tiempo, realizar exposiciones individuales y participar en otras muestras o proyectos pictóricos colectivos.

 

IMAGENES DE LA EXPOSICION

Fotografía de la Sala I del MKAC, durante la muestra de la artista Beatriz Holden.

Fotografía de la Sala I del MKAC, durante la muestra de la artista Beatriz Holden.

 

 

Instantánea de la exposición "“Che Reta Paraguay”.

Instantánea de la exposición “Che Reta Paraguay”.

 

 

Fotografía de la exhibición de la artista guaraní en el Museo.

Fotografía de la exhibición de la artista guaraní en el Museo.

 

 

Imagen de la exposición de Beatriz Holden, “Che Reta Paraguay” en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Imagen de la exposición de Beatriz Holden, “Che Reta Paraguay” en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

 

MAS INFORMACION EN:

https://mkac.wordpress.com/2015/03/29/beatriz-holden-exposicion-che-reta-paraguay

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

EXPOSICIÓN

“CHE RETA PARAGUAY”

DE

BEATRIZ HOLDEN

Cartel de la muestra artística "Che Reta Paraguay" de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

Cartel de la muestra artística “Che Reta Paraguay” de Beatriz Holden, en el Museo Karura Art Centre, (MKAC).

PRESENTACION

Beatriz Holden nace en Asunción, Paraguay, en una familia de artistas. Licenciada en Humanidades por la Universidad Católica de Asunción y Profesora Superior de Piano. Sigue cursos de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes. Su técnica es el óleo sobre tela. Su estilo, al principio realista, es actualmente impresionista y de a ratos, expresionista.

Su temática siempre destaca lo auténticamente paraguayo, ya sea en sus paisajes, flores, (varias de ellas en vías de extinción), frutas y en los prototipos más criollos, como por ejemplo, vendedoras de mercado, lavanderas, canillitas, canoeros, pescadores, cosecheros. Capta la expresión típica de cada trabajador/a, los movimientos, la pose; en las mujeres da especial énfasis al rostro estoico y de mucha fuerza de las paraguayas.

Esta exhibición se muestra en la Sala I del Museo Karura Art Centre, (MKAC).

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