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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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Tag Archives: commemoraciones

III ANIVERSARIO

DEL

MUSEO KARURA ART CENTRE

 GUÍA DE LA EXPOSICIÓN

EDIFICIO PRINCIPAL

SALA GOYA: Directrices del Museo.

SALA VAN GOGH: Exposiciones de Artistas Reales.

SALA RUBENS: Exposiciones de Artistas Reales.

SALA ROUSSEAU: Exposiciones de Artistas Virtuales.

SALA COURBET: Exposiciones Fondo Artístico del Museo.

SALÓN ALEGRET: Construcción de un museo: el MKAC.

EDIFICIO SCHUMANN

PLANTA BAJA: Actividades, Obsequios realizados por el MKAC y Presentaciones.

PRIMERA PLANTA: Eventos Especiales, Colaboraciones, Eventos Musicales, Amigos del MKAC, Conmemoraciones y Celebraciones.

SEGUNDA PLANTA: Visitas Guiadas.

AULARIUM

Recomendaciones, realizadas por la Dirección del MKAC, de Exposiciones Reales y de Exposiciones en Second Life.

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III ANIVERSARIO

DEL

MUSEO KARURA ART CENTRE

“MKAC, ARTE EN MOVIMIENTO”

Cartel de la exposición organizada para celebrar el III Aniversario del museo.

PRESENTACIÓN

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), celebra el próximo día 17 de septiembre su III Aniversario.

Para conmemorar este cumpleaños del museo, la Dirección del mismo ha organizado una exposición retrospectiva que, con el epígrafe “MKAC, Arte en Movimiento”, pretende resumir la gestión realizada, durante los últimos 365 días, a través de imágenes sobre todas las exposiciones realizadas y los diferentes eventos y actividades planificados en torno a ellas con el objetivo de dinamizarlas y difundirlas.

A lo largo de estos últimos 12 meses, más de 40 artistas, sin vinculación hasta ese momento con el mundo virtual y de los metaversos, confiaron en la gestión de esta entidad museística para dar a conocer sus obras y sus diferentes trayectorias; artistas emergentes y de largo recorrido en el  mundo de arte contemporáneo.

Lo mismo aconteció con 8 artistas que crean sus obras en el metaverso de Second Life. Una parte de ellos, también, de trayectoria ya larga y, otra, de artistas que se atrevieron a mostrar sus obras por vez primera, apostando por el MUSEO KARURA ART CENTRE para hacer esta primera incursión en el mundo del arte virtual.

Además de estas exposiciones, se organizaron en el MKAC 7 exposiciones temáticas, con los fondos del museo, cuyos objetivos primordiales fueron demostrar la importancia del arte en la vida de todos los seres humanos; sensibilizar, a través de éste, sobre temas sociales; motivar la reflexión sobre distintos aspectos del mundo del arte y sumarse, siempre desde la perspectiva artística, a conmemoraciones especiales. A estos objetivos atendieron las exposiciones “Ingenio Latino”, para conmemorar el “Día de la Hispanidad; “Día Internacional de los Museos”, dedicado al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (MNCARS); “El Valor del Arte”; “Mujer, Arte y Poder”, con la que se conmemoró el “Día Internacional de la Mujer”, “Comanches de Sol”; “Rosa Montero: Backstage” y “Pintoras para la Historia”.

En un plano secundario, y siempre teniendo como referencia y punto de partida las exposiciones que en cada momento ocuparon las instalaciones del museo, se realizaron más de 30 actividades y eventos como, por ejemplo, visitas guiadas dichas exposiciones, presentaciones de carácter cultural y literario, eventos musicales…

En el mes de diciembre, de 2010, se abre el Faceboock, (http://www.facebook.com/profile.php?id=100000233536872), del museo al que se han adherido, desde entonces, 1.808 amigos y, el 17 de febrero de 2011, se crea el wordpress del museo, (https://mkac.wordpress.com) , que hasta la fecha ha recibido 13.987 visitas.

Como consecuencia de toda esta actividad y “movimiento” provocado desde el MKAC, visitaron durante este último año las instalaciones del museo 13.215 personas que, junto con aquellas que han colaborado de forma puntual en la organización de algunos eventos, han hecho viable este III Aniversario, lo impulsan hacia la celebración del cuarto y, en consecuencia, hacen de este proyecto un proyecto activo y dinámico que, perfectamente, se puede resumir en el título de esta exposición retrospectiva, “MKAC, Arte en Movimiento”

¡Un año más, gracias a todos!

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DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

18 MAYO 2011

“MUSEOS Y MEMORIA”

La Dirección del MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), dedica esta fecha al MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA. Para ello organiza una exposición temática sobre dicho espacio expositivo en la que, además, de imágenes ofrece información sobre la historia, objetivos, edificios… del segundo museo más importante de España y, el primero, en cuanto a arte contemporáneo.

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFÍA

INTRODUCCIÓN

Aunque coloquialmente es conocido como Museo Reina Sofía, su nombre completo es el de Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, (MNCARS), y acoge el arte del siglo XX y actual que por las características del Museo del Prado no tiene cabida en él.

El Museo Reina Sofía está situado en las inmediaciones de la madrileña estación de Atocha y es uno de los vértices del denominado Triángulo del Arte de Madrid; triángulo cuyos otros dos vértices lo forman el Museo del Prado y el Museo Thyssen-Bornemisza.

El museo con sede en el antiguo Hospital General, es un edificio neoclásico del siglo XVIII diseñado por José de Hermosilla y continuado, en su construcción, por Francisco Sabatini; se inaugura el 10 de septiembre de 1992 y tiene un número aproximativo de cerca de millón y medio de visitantes anuales.

PROGRAMA

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se caracteriza por tener un programa que gira entorno a dos planteamientos. El primero de ellos lleva a pensar en la contribución y función del museo en el ámbito de la contemporaneidad y el segundo se caracteriza por hacer reflexionar sobre la existencia de alternativas de los modelos históricos del museo; en definitiva, el museo moderno o el museo postmoderno.

El MNCARS se concibe, pues, como un lugar que es capaz de generar diversos y nuevos espacios de socialización y discursos en la esfera pública y, también, como un reactivador que inventa formas de relación que nos lleven a la reflexión sobre diferentes estructuras mentales. Estructuras que nos motivan a indagar sobre la apertura del otro, la presencia de otras culturas y los diferentes modos de hacer en nuestras propias prácticas.

Todo ello lleva a los organizadores del museo a crear una colección en clave de archivo que fomente una memoria desde la oralidad, un museo innovador con documentos, libros, revistas, obras, fotografías…, todo un material que es presentado en el mismo nivel rompiendo, de esta forma, la autonomía estética y creando vínculos entre los objetos y los documentos.

Se crea, de esta manera, una correspondencia que establece narraciones alternativas y contra-modelos que nos devuelve el conocimiento, la experiencia estética y la aprehensión de un momento histórico.

Otra de las finalidades del Museo Reina Sofía es establecer vínculos entre el espectador y los objetos que conviertan al primero en sujeto activo, defendiendo, así, una pedagogía que muestre la facultad reactivadora de la cultura, la capacidad de redescubrir y redefinir el saber y la eliminación de jerarquías.

La obra de arte, según los presupuestos anteriores, es el vínculo entre el artista y los espectadores, un vínculo que produce en los últimos el deseo de relacionarse que con los demás y con el entorno y que, por lo tanto, convierte el museo en un espacio de investigación y debate a través de diferentes actividades y seminarios.

HISTORIA

Los orígenes del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se remontan al año 1952 en el que un grupo de artistas, liderados por el arquitecto José Luis Fernández Amo, convence a la administración española para que cree el Museo Español de Arte Contemporáneo que acoja las nuevas tendencias del arte moderno.

La primera ubicación son los bajos de la Biblioteca Nacional de Madrid y sus primeros fondos artísticos corresponden a los siglos XIX y XX.

Su primer director fue José Luis Fernández Amo, quien dejó su cargo en el año 1959.

José Luís Fernández Amo, primer director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La segunda ubicación del museo fue, hasta el año 1986, un edificio de la Ciudad Universitaria de la capital española, año en el que se creó el Centro de Arte Reina Sofía, en honor a la reina de España, y sus fondos fueron trasladados al actual edificio.

Se inaugura como tal centro artístico el 26 de mayo de 1986; dos años más tarde, el 27 de mayo de 1988, se convierte en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, convirtiéndose en un organismo autónomo dependiente del Ministerio de Cultura, y abre sus puertas al público el 10 de septiembre de 1992 con los fondos artísticos procedentes del Museo Español de Arte Contemporáneo, (MEAC).

SEDES

1.- EDIFICIO SABATINI

El principal edificio del museo es el antiguo Hospital General mandado construir por el rey Carlos III; es un edificio de corte neoclásico del siglo XVIII diseñado en sus orígenes por José de Hermosilla y continuado por Francesco Sabatini quien, solamente, construyó una parte del proyecto inicial. El edificio previsto iba a llegar hasta la calle Atocha y su actual fachada iba a ser uno de sus patios interiores.

Francesco Sabatini basó su obra en la creación de un estilo neoclásico inspirado en el renacimiento tardío.

Fotografía de Francesco Sabatini.

Su interior se despliega en un entorno de patios, galerías abovedadas sostenidas por pilastras de piedra, con vanos abiertos hacia el exterior y el patio que permiten regular la luz natural. Posee, además, espacios alternativos como los sótanos de ladrillo abovedados y la sala de protocolo.

La construcción del hospital formó parte de una serie de medidas adoptadas por el monarca con la finalidad de dotar a Madrid de una infraestructura higiénica que asemejaran la ciudad a las grandes capitales europeas.

Tras finalizar su función sanitaria, el edificio fue declarado, en 1977, Monumento Histórico-Artístico para evitar su derribo y poder dedicarlo a un uso público; a partir de 1980 se comienzan a realizar diversas renovaciones y ampliaciones.

Edificio Sabatini.

Como nuevo museo algunas de sus dependencias se abrieron, en el año 1988, con exposiciones temporales aunque, al ser declarado Museo Nacional, se le obliga a realizar un replanteamiento de sus colecciones con la finalidad de ofrecer una organización seria y una muestra convincente de la panorámica del arte español del siglo XX.

La coexistencia de ambas funciones, como museo y centro de exposiciones, ha levantado críticas en algunos sectores artísticos al considerar que esta coexistencia es inviable.

La historia del edificio, como entidad expositiva, comienza de la mano de Antonio Fernández Amo, su primer director; en 1986 comienza a acoger actividades expositivas de centro de arte y, en 1990, se convierte en museo.

2.- EDIFICIO NOUVEL

La ampliación del MNCARS se comienza a realizar, tras realizarse un concurso internacional, por el arquitecto francés Jean Nouvel en el año 2001 quien lo plantea como un espacio al servicio del Edificio Sabatini cuyas actividades amplia y completa sin menoscabar la importancia del edificio principal.

Fotografía de Jean Nouvel.

Se inaugura en el año 2005 y comprende dos amplios espacios expositivos, un centro de documentación y biblioteca, café-restaurante, oficinas y dos auditorios con un aforo total para 600 espectadores.

Edificio Nouvel.

El conjunto arquitectónico se encuentra en la fachada suroeste del Edificio Sabatini, al que se adapta, junto al solar triangular que le precede. Su conexión con el edificio principal se realiza por medio de distintos niveles: a través de un gran alero superior, que conecta con la cornisa del hospital y refleja el flujo de la ciudad mediante formas convexas de aluminio lacado en rojo; mediante pasarelas elevadas entre los edificios y a través de una plaza semipública, que interacciona con el entorno urbano.

El Edificio Nouvel cuenta con una fachada alternativa, diferentes y diversas conexiones con la sede principal del Museo reina Sofía y, por lo tanto, proporciona variados itinerarios con una clara distinción entre las zonas expositivas y de servicios.

3.- PALACIO DE CRISTAL

Situado en el parque del retiro de Madrid junto a otra de las sedes del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el palacio de Velázquez, fue edificado por Ricardo Velásquez Bosco, en 1887, respondiendo a la cultura arquitectónica de los nuevos materiales y a la historia del colonialismo del siglo XIX.

En su construcción se han utilizado columnas de hierro colado y de amplias estructuras de cristal que originan una planta monumental y diáfana al mismo tiempo.

Palacio de Cristal.

Fue concebido para la Exposición de Flora de las isla Filipinas, (1887), y tras esta exposición se utilizó como la sede de la Exposición Nacional de Bellas Artes celebrada cada dos años.

Desde 1990 alberga proyectos de artistas contemporáneos como Cildo Meireles, Nacho Criado, Pierre Huyghe, Gabriel Orozco y otros creadores.

4.- PALACIO DE VELÁZQUEZ

Está situado en el Parque del Buen Retiro de la capital española y toma su nombre del  arquitecto Ricardo Velázquez Bosco.

Fotografía de Ricardo Velázquez.

Es un edificio cercano al historicismo neorrenacentista de planta amplia, cubierta con bóvedas de estructuras de hierro y su superficie acristalada permite la iluminación natural.

Fue construido para acoger la Exposición Internacional de Minería, Artes Metalúrgicas, Cerámica, Cristalería y Aguas Minerales de 1883; desde 1987 han estado ubicadas en este palacio exposiciones de José Manuel Boto, Juan Muñoz, Cindy Shermann o Nan Goldin.

Palacio Velázquez.

Tras una reforma, en 2005, abre sus puertas en el año 2010 con una exposición retrospectiva dedicada a Miranda.

OTRAS DEPENDENCIAS

Biblioteca

Con un volumen de fondos bibliográficos y documentales que asciende a más de 100.000 libros, 3.500 grabaciones sonoras y casi un  millar de vídeos, la biblioteca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía está considerada uno de los soportes más fuertes y sólidos del museo.

Los títulos de sus fondos hacen referencia al arte del siglo XX, mayormente, y a materias relacionadas con la actividad artística, tales como la filosofía, la sociología y la literatura.

Biblioteca.

Desde libros, revistas, diapositivas, grabaciones sonoras hasta manuscritos su bibliografía está compuesta por obras en español, inglés, francés y alemán preferentemente.

El acceso a la Biblioteca y a este centro de Documentación es libre y gratuito pero se debe presentar el carnet de identidad, u otro documento acreditativo, a la entrada y el público tiene acceso directo a parte de sus fondos; otra parte de acceso no libre tiene que ser solicitado a las personas encargadas de la gestión de esta dependencia del museo.

Biblioteca.

COLECCIÓN

La colección del MNCARS se caracteriza, primordialmente, porque abarca el periodo que va desde finales del siglo XIX a la actualidad, en un intento de continuidad con los tesoros artísticos que forman parte de la colección del Museo del Prado.

Aunque algunos críticos cuestionan la fecha elegida como un criterio demasiado rígido, un Real Decreto de 1995 establece el año del pintor malagueño Pablo Picasso, (1881), como la línea divisoria entre los dos grandes museos españoles.

Dada la trayectoria irregular, de hace unas décadas, del arte moderno en España, existen en esta colección importantes lagunas que los responsables del museo, asumiendo como imposible cubrirlas y con ello equipararla a las grandes colecciones extranjeras de arte moderno, prefieren centrarse en el arte español y contextualizar éste adquiriendo obras de artistas extranjeros desde Pierre Bonnard hasta Louise Bourgeis.

Con un número aproximativo de 16.500 obras de arte, el fondo del museo está constituido por obras pictóricas, grabados, esculturas, fotografías, dibujos, obras de artes decorativas…

Cuatro grandes grupos clasifican, intuitivamente, esta colección: los fondos correspondientes a principios de siglo XX, los de mediados de ese siglo, la época de la abstracción al pop art y los fondos de artistas extranjeros.

a) Principio del siglo XX

Esta parte de la colección del Museo Reina Sofía, arranca con obras de autores muy significativos durante el cambio de siglo, tales como Romero de Torres, Anglada Camarasa, María Blanchard, Julio González, Ramón Casas o José Gutiérrez Solana.

El fondo artístico sobre algunos artistas es especialmente rico como, por ejemplo, es el caso de Juan Gris gracias a las compras realizadas recientemente por el museo; Pablo Picasso, con su emblemática obra “Guernica” con gran cantidad de bocetos preparatorios y pinturas de sus etapas cubista y surrealista; Dali, gracias al legado que el pintor hizo al Estado español a su muerte y que se encuentra repartido entre este museo y el Teatro Museo Dalí en Figueras o Joan Miró, cuya viuda cedió a la muerte del artista parte de sus obras.

b) Mediados del siglo XX

Nombres como los de Pablo Gargallo, Benjamín Palencia, Maruja Mallo, Pancho Cossío, Alberto Sánchez, José de Togores… conforman la colección referente a esta época.

c) Abstracción y Pop Art

Eduardo Chillida, Lucio Muñoz, Luis Feito, Rafael Canogar, Esteban Vicente, Gustavo Torner, Eusebio Sempere, Antonio López, Luis Gordillo… forman parte de la colección de esta época del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

d) Fondo de artistas extranjeros.

Con el objetivo de contextualizar el arte moderno español, el MNCARS suma a su colección de obras de artistas españoles, las obras de otros artistas extranjeros: Fernand Léger, Max Ernest,René Margritte, Yves Tanguy, Man Ray, André Masson, Kandinsky, Francis Picabia, Paul Klee, Francis Bacon, Richard Sierra, Asier Jorn…

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MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“Día Internacional de la Mujer”

(8 de marzo de 2011)

“MUJER, ARTE Y PODER”

Cartel de la exposición, realizado por la grabadora Yolanda Carbajales.


NOTA DE PRENSA

El MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), conmemora el “Día Internacional de la Mujer” de este año, 8 de marzo de 2011, con la exposición “MUJER, ARTE Y PODER” cuyos objetivos principales son los de homenajear a las mujeres artistas, cualquiera que sea la faceta artística que desarrolle, e invitar a todos aquellos que visiten el museo al análisis, al estudio y a la reflexión sobre el rol de la mujer en el mundo del arte y la evolución de este papel en el mundo del arte y del mercado del arte.

La exposición está ubicada en los tres edificios del museo, (Edificio Principal, Edificio Schumann y AULARIUM), que albergan, cada uno de ellos, una exposición temática que son complementarias.

Participan en esta exposición las artistas: Yolanda Carbajales, (autora del cartel), Zenaida Cajahuaringa Rivera, Dora Castro Castro, Mª Xesús Díaz, Victoria Fontana, Irene Gomis, Mar González Pérez, Isabel Gutiérrez, Carmen Holgueras, Luz Letts, Mª Jesús Leza, Elisabeth López Avilés, Mónica Lowenberg, Lilia Lujan, Imma Merino, Eulalia Peñafiel, Roxanna Rignola, María Rubio García, Raquel Sarangello, Lea Steirensis, Ingrid Tusell y Natalia Velit.

La exposición será presentada e inaugurada el día 8 de marzo de 2011, a las 23,30 horas, en el Salón Alegret del museo con una conferencia.

“MUJER, ARTE Y PODER”

PRESENTACIÓN

Desde que el mundo es mundo y las mujeres son mujeres, el primero no se ha portado de una forma generosa con las segundas en lo que a términos de igualdad se refiere;  tampoco en la valoración de sus capacidades y sus aptitudes en ámbitos que fueran más allá del doméstico.

Para ser más exactos, quienes no las tuvieron en cuenta fueron aquellos, (y empleo el género masculino intencionadamente), que dirigían y organizaban el planeta a su antojo al margen de la otra mitad de la Humanidad, gobernándolo a su capricho sin dar al otro sexo el lugar que, por propio derecho, le correspondía.

Sin embargo, aquellos que durante siglos se sentían poderosos, importantes e infalibles no veían más allá de su propio ombligo cuando, orgullosos, se vanagloriaban de sus dotes organizativas y no analizan el origen de su poder o de su éxito social y profesional.

Estaban tan convencidos de que la Tierra giraba, única y exclusivamente, porque ellos la movían y la impulsaban que no se percataban del hecho de que, mientras ellos hacían rotar el mundo, las mujeres los propulsaban a ellos hacia el exterior mientras ellas se ocupaban del gobierno del “mundo interior”, el del hogar, la familia y los círculos sociales más elementales, liberándolos de preocupaciones domésticas pero vitales, para que ellos se pudieran dedicar a sus “ombligos” y a empujar solos la bola terráquea.

El mundo del arte no fue una excepción.

Mientras los artistas de esas épocas tomaban sus pinceles y lienzos y, abandonando casa, mujer e hijos, vagaban buscando fuentes de inspiración cercanas o exóticas, la mujer artista debía tomar, antes que pinceles y lienzos, cacerolas y escobas. Sólo después de atender las faenas domesticas, le estaba permitido dedicarse a una vida artística aunque, evidentemente, con restricciones.

¡Pobre de la artista que quisiera buscar las mismas fuentes de inspiración que los varones en parajes cercanos y lejanos! No sólo estaba en juego su honor sino que, también, lo estaba la de su prole y su marido, en caso de tenerlos.

Incluso las artistas más privilegiadas, aquellas cuyo estatus social económico era superior y podían permitirse el lujo de poner en entredicho su reputación, debían de conformarse con fuentes de inspiración artística más limitadas: las de los grandes salones aristocráticos y acotar su creatividad a la elaboración de retratos de nobles, príncipes, princesas, reyes y reinas o a plasmar en sus lienzos magníficos motivos florales, apetitosos bodegones y algún que otro paisaje.

El tiempo, según dicen los más sabios, lo cura todo y el tiempo ha curado los “ombligos” masculinos. También el tiempo ha curado la extraña enfermedad que provocaba, en los varones, una especie de amnesia y les conducía a olvidarse de las potencialidades de las mujeres, de su capacidad para intervenir en ámbitos científicos, culturales y artísticos.

“Mujer, Arte y Poder”, la exposición con la que el MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC), conmemora el “Día Internacional de la Mujer” de este año 2011, ha pretende, durante estos dos meses de exhibición y eventos en torno a ella, hacernos reflexionar a todos, hombres y mujeres, sobre el papel de la mujer artista; la evolución de este rol a medida que han ido transcurriendo los siglos y la trascendencia que ha supuesto la incursión de las mujeres como agentes decisivos en el mercado del arte.

TEXTO DE LA CONFERENCIA INAUGURAL

“Hoy en este fenomenal esfuerzo cultural y de voluntad que se llama Karura Art Centre trataremos el tema de La Mujer en el Arte, cosa que hasta en el mundo real se ha tratado en muchísimas ocasiones con imperdonable ligereza.

La mujer ha sufrido históricamente una fuerte exclusión de la mayoría de los ámbitos de poder, regentados por hombres. El arte no ha sido una excepción. Se trata de una actividad notoriamente pública. Los artistas pueden comunicarse con el medio que los rodea con su lenguaje más íntimo y rico. Esta misma característica de ser tan público y comunicativo fue paradójicamente la que conspiró contra las mujeres que intentaban seriamente ser artistas.

Imagen de los momentos previos a la inauguración de la exposición "MUJER, ARTE Y PODER"

Se puede apreciar una conciencia de la desigualdad histórica entre los roles masculino y femenino, que perjudica claramente a la mujer, ya sea entre los hombres como en las mujeres que participan en Escuelas de Adultos. Un futuro como ama de casa, un horizonte doméstico… son cuestionados como única alternativa de la mujer.

Fotografía del comienzo de la conferencia inaugural, teniendo como telón de fondo el cartel de la exposición realizado por la artista Yolanda Carbajales.

A pesar que esta situación ha mejorado considerablemente, en arte se hace necesario un rescate de las artistas olvidadas (para la crítica y para el público), de replanteamiento de la iconografía de la mujer (también en publicidad) y de un papel más activo en las aficionadas al arte.

Respecto a la mujer como tema a representar, se constata el gran número de obras de arte que a lo largo de la historia la han considerado como punto de inspiración. Salvo notables excepciones, la representación de la mujer ha corrido a cargo de artistas masculinos, reflejando ciertos tópicos como aludir más a sus rasgos sexuales y físicos que a los intelectuales, asociarla más a lo biológico que a lo cultural… La asociación de la mujer a la maternidad, la biología, la belleza y la sensualidad es ancestral.

Desgraciadamente, desde el siglo XIX ha habido un proceso de ocultación de escultoras, pintoras… de los manuales de arte de los museos… incluso olvidando documentos que desde la antigüedad hacían referencia a estas mujeres.

Tan solo a finales del siglo pasado las mujeres pudieron entrar en las academias, institución legitimadora del aprendizaje artístico; es curioso que esto se produjera precisamente cuando éstas comenzaran a ser cuestionadas. Así, se ha desterrado a la mujer al estricto ámbito de lo doméstico (hogar, familia…), lo biológico (flujos, maternidad…), a lo banal en arte (clases de pintura para chicas de la alta burguesía), a las labores del hogar (a las cuales está muy vinculada la artesanía).

Imagen del Salón Alegret.

La creatividad realizada tradicionalmente por mujeres se ha desplazado en numerosas ocasiones a la artesanía o las “manualidades”, a lo banal y lo decorativo… Curiosamente, muchas artistas actuales reivindican la dignidad de estos espacios de creatividad y no hay duda de que la mujer aporta ciertos rasgos específicos a la creación artística que la enriquecen.

Es de notar que a pesar que las capacidades innatas son iguales para hombres y mujeres, las preferencias, la sensibilidad.., tiene particularidades según el género, lo cual no quiere en absoluto decir que unas predominan sobre otras.

Son muchos los nombres de grandes pintoras y es imposible mencionarlas a todas pero hay nombres que han dejado una huella imborrable en el arte antiguo y contemporáneo: Katia Acín, Camile Claudel, Tamara Lempicka, Artemisa Gentileschi, Frida Kahlo, Hildegarda de Bingen, Judith Leyster, Mary Cassat, Alice Neel, Georgia O´Keefe, Maruja Mallo o María Blanchard. Sé que olvido muchísimas y no es intencional.

El público asistente dirigiéndose a visitar la exposición, una vez finalizada la conferencia.

En fin, la presencia femenina en el arte ha sido en el pasado tan silenciada como necesaria y aunque podemos ver el futuro artístico de la mujer con optimismo aún quedan conceptos erróneos y prejuicios que irán desapareciendo.

No quiero terminar sin recordar a aquellas mujeres a lo largo del mundo que por pertenecer a sociedades muy pobres o con mentalidad tribal, reaccionaria y feudal, no tendrán jamás la posibilidad de ser artistas.

Demos las gracias a ina Karura que con su energía y tesón ha contribuido a que este mundo virtual sea tomado más en serio y que ha abierto esta posibilidad a numerosos artistas” (Tanee Almendros).

Más información en: http://www.farodevigo.es/sociedad-cultura/2011/03/07/arte-real-mundo-virtual/524633.html

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