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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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II CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA

MUSEO KARURA ART CENTRE

(MKAC)

“VIAJEROS DEL ARTE”

La II CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC ha reunido a 47 artistas de 23 países latinoamericanos, de España y de Portugal, en la exposición colectiva “VIAJEROS DEL ARTE” que durante dos meses ha estado ubicada en los 3 edificios que forman el MUSEO KARURA ART CENTRE.

Además de promocionar y dar a conocer la obra y trayectorias artísticas de los artistas que han participado en ella, otra de las finalidades de esta muestra pictórica ha sido la difusión del arte latinoamericano, en general, y mostrar diferentes estilos, recursos, temáticas y recursos creativos que son utilizados en el arte hispano.

Los pintores que han participado en ella han sido: Xosé Luis Otero, (como autor del cartel de la exposición), Patricia Altmark, Antonio Amaral, Beatriz Ansede, Mirna Bentos Morinigo, Ramón Caban Brizzie, Gustavo Candellero, Tatiana Cañas Montes, Obander Ceballos, Helena Coelho, Cecilio Colón Guzmán, César Correa, Rudy Cotton, Pedro A. Cruz Sunn, Bygocha d´Amalia (Byron Gómez), Claude Dambreville, Elina Damiani, Luz Darriba, Yoel Díaz Gálvez, Mario H. Figueroa Archaga, Vidalia González, Noel Guzmán Bofill Rojas, Osvaldo Herrera Graham, Paula López, Víctor López, Asad López de Castilla, Alexandre Magalhaes Pereira Pinto, Xavier Magalhaes, Ana Marten, Mario Matta (Netómar), Arquímedes Mejía, Nora Muñoz, Claudia Olivos, Samuel D. Pinell, Arlindo Pintomeira, Sonaira Piñero, Jean P. Richard (Zomo), Magnolia Rivera, Mario De Rivera, Joyce Rose, Vivianne Salinas, Olga Sinclair, Rolando Tamani, Inés Tolentino, Francisco Velásquez Zambrano, Lorena Villalobos y Adriana Villarga.

A continuación, se muestran las dos obras presentadas, a la exposición “VIAJEROS DEL ARTE” por cada uno de ellos y un pequeño texto referencial sobre su trayectoria artística y vida profesional.

XOSÉ LUIS OTERO

(Autor del cartel de la exposición)

Xosé Luis Otero nace, en el año 1964, en Nocelo da Pena, en Xinzo de Lima, (Orense), y su obra pictórica está considerada como uno de los máximos exponentes de la pintura gallega y un punto de referencia en la pintura española.

Pintor y escultor, su obra destaca por la maestría con la que la que utiliza su espátula cuando aplica esos tonos grises, ocres, marrones y pastel tan característicos en sus lienzos.

Los críticos de arte destacan en su obra una mezcla entre el impresionismo del francés Monet y del post-impresionismo de Van Gogh, sobre todo, cuando la belleza plástica de sus lienzos capta la esencia de un paisaje a través del color y la luz.

En el tránsito de los conceptos figurativos de sus obras a los abstractos en cuanto, a las formas, su obra presenta trazos firmes de gran belleza, cadencia y armonía.

ARGENTINA

PATRICIA ALTMARK

Esta artista argentina, nacida en Buenos Aires, realiza estudios, en 1990, de artes plásticas con el profesor Ángel Carrasco Santillán; en 1992, en el taller de Diana Aizemberg; entre 1994 y 1998, Matilde Toschi y María Elena de la Maza y desde principios del año 1999 continúa sus estudios en el taller de Juan Doffo.

Ha realizado diversos seminarios sobre arte y comunicación, historia del arte y arte contemporáneo y cursó la carrera de periodismo en el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica (ISER).

Durante el año 1997 participó como periodista de arte en el programa “El nuevo escenario” y a partir del año 1999 se desempeña como co-conductora en el programa televisivo “Cultura al Día”, un programa cultural que abarca artes visuales, teatro, música, cine y literatura; programa en el que se ofrece igualdad de oportunidades tanto a artistas consagrados como a los que recién se inician.

Según Julio Sapollnik, licenciado en Historia de las Artes, “La pintura de Patricia Altmark es una obra abierta a múltiples interpretaciones que invitan al contemplador a asociarlas con sus vivencias y encontrar propias Significaciones en la imagen. Si bien utiliza como soporte la tela tradicional, ésta queda oculta debido a la aplicación de arena que una vez fijada a la superficie, interviene modulando y pintando. Con este recurso, Patricia le imprime a las obras sutiles variaciones de luz sobre un fondo de oscuridad. La atmósfera se puebla de ideas plásticas que se concretan a partir de una sucesión constante de texturas.”

GUSTAVO CANDELLERO

Artista autodidacta, Gustavo Candellero, realiza la carrera de Diseño Gráfico y Publicitario en la ciudad de Córdoba, (Argentina), e inicia la Licenciatura, en el año 2000, de Artes Plásticas.

La obra de este artista se caracteriza por un marcado carácter figurativo y con un gran valor iconográfico, a los que busca sentido a través de la incorporación de elementos personales y propios de su estilo.

La temática es diversa, ya que el creador explora, incansablemente, diferentes fuentes de inspiración y divaga entre el cubismo y el surrealismo, entre otros estilos.

Realiza exposiciones colectivas e individuales y, su obra, recibe varios premios, entre los que hay que destacar: el Premio Argentino de Artes Visuales en los años 2005, 2006 y 2008.

BOLIVIA

PAULA LÓPEZ

Paula López es una de esas pintoras polifacéticas que llevan su creatividad a terrenos que si bien colindan con pinceles y lienzos, no están dentro del ámbito pictórico.

La pintora, además de transportarnos a espacios insólitos a través de sus cuadros, es actriz de teatro y trabajó como consultora cultural para la Prefactura del Departamento de Santa Cruz, ha enseñado arte colegios e institutos y ha ejercido de guionista, directora y productora del espectáculo musical “Kandire: la tierra del mal”.

En la actualidad, escribe artículos sobre arte para periódicos y revistas de arquitectura sin que ello la lleve a abandonar su actividad pictórica, lo que le permite continuar mostrando su obra en exposiciones, individuales y colectivas, en diversos países del mundo.

Según la crítica de arte, Yohanka Alonso, “Paula López hurga en las zonas limítrofes entre las vertientes racional y emotiva de la abstracción. Su obra es poseedora de una franca libertad colorística y formal, de la que forman parte importante la textura, la pincelada en función del espacio y el diseño, y hasta la musicalidad, que se observa en el ritmo propio de sus abstracciones”

VIVIANNE SALINAS

La artista boliviana estudia Diseño Gráfico y Publicidad en la Universidad Privada de Santa Cruz, (Bolivia), y realiza diversos cursos de modelado. Escultura, quemas de sal, óxidos y vidrio termomodelado en Holanda, Italia, Brasil y Argentina.

Comienza a mostrar sus obras, en exposiciones individuales, en el año 1996; exposiciones que no sólo se limitan a mostrar su obra pictórica sino, también,  plasmada en otras técnicas y recursos como la cerámica, la escultura o en forma de instalaciones en importantes museos de su país.

Desde ese mismo año, Vivianne Salinas, participa en exposiciones colectivas realizadas en Bolivia, Chile, Ecuador, Colombia, Argentina, Paraguay, Brasil, España, Alemania y entre las que se pueden destacar la Bienal De Arte de Porto Alegre Brasil, Exposición Itinerante Políticas de la Diferencia España, Venezuela Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires Museo De Arte MALBA, Bogotá Colombia, Brasil Museo de Arte Contemporáneo de Sao Paulo.

Entre las distinciones y premios que recibe esta artista están Premio Único en Escultura, salón Pedro Domingo Murillo, (La Paz 1997), Premio Único en Escultura, Bienal de Arte Santa Cruz, (1999); Mención de Honor Bienal de Arte Santa Cruz, (1993); Mención de Honor Bienal de Arte Santa Cruz, (1995) y la Mención de Honor Fundación Puerta Abierta 1997.

“La abstracción es un encuentro en mi silencio… esencial para poder crear vida interior y, de esa manera, poder plasmar toda sensación y emoción que va más allá de lo imaginado.” (Vivianne Salinas)

BRASIL

ANTONIO HENRIQUE AMARAL

El artista, que nace en el año 1935, cursa estudios en el Museo de Sao Paulo con Livia Abramo y en el Prat Graphic Art Center de Nueva York bajo la dirección de Antonio Prasconi y de Shiko Munakata.

En los años 50 realiza su primera exposición de grabados, en el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, y su carrera artística se consolida como uno de los iconos del arte, en general, y del arte brasileño, en particular.

Años más tarde, en 1967, crea su álbum de grabados en madera, “La mía y la tuya” y se adentra en el mundo de la pintura.

Viaja a Nueva York en 1981.

La trayectoria artística de Antonio H. Amaral, se ve solidificada y ratificada, a partir del año 1958, a través de diferentes exposiciones realizadas por todo el mundo, (Chile, Brasil, Argentina, Cuba, Colombia, Suiza, Alemania, Francia, Estados Unidos…), con la inclusión de sus obras en importantes museos nacionales e internacionales y con el reconocimiento mediante premios de gran calado en el mundo del arte.

HELENA COELHO

La pintora nace en Río de Janeiro, (Brasil), en el seno de una familia modesta y en la que es la primogénita de tres hermanos.

Posiblemente, la situación económica de su familia, ha sido determinante en la creatividad de Helena Coelho y en su trayectoria como pintura. Para aliviar, en la medida de sus posibilidades,  esta economía desde niña escribió y representó obras de teatro creó sus propias marionetas y realizó trabajos menos creativos que le permitían realizar su contribución económica a la familiar.

La imaginación y creatividad, para superar esta etapa vital, llevó a la artista a desarrollar una sensibilidad especial hacia la pintura.

Una pintura naïf  a través de la que nos permite conocer la franqueza emocional de su alma, adentrarnos en su capacidad para transformar lo real en maravillosas imágenes emotivas, introducirnos en sus sueños y despertarnos contemplando la frescura de sus colores y la poesía que emana desde estos y apreciar la singular pureza artística e ingenuidad de una creadora que hiende sus pinceles en su corazón.

Soñadora y dulce poetisa del color, Helena Coelho se ha convertido en una de las grandes “naïfistas” de su país y de Latinoamérica y su obra es requerida para participar en Bienales de arte y en eventos artísticos de gran trascendencia.

Ha realizado exposiciones, colectivas e individuales, en grandes espacios expositivos y ha visto publicada su obra en periódicos, revistas, catálogos y libros de arte.

REPÚBLICA DE CHILE

NORA MUÑOZ ORREGO

Nora Muñoz Orrego nace en Chile y su carrera artística se ve reforzada, no solamente, por su faceta de artista sino, también, por la de maestra de futuros artistas a los que imparte clase y transmite sus conocimientos como pintora en su propio taller.

En el año 1984 se forma en pintura al óleo como alumna de Alicia Argandoña para, en 1987, asistir al taller de Héctor Arangua Coustasse y adquirir conocimientos sobre la técnica del pastel.

Su inquietud por aprender, constantemente, la lleva a continuar perfeccionándose de la mano de grandes artistas como Marcy Lanfranco, José Luis Aravena, René Poblete Urquieta o Santos Assereto Tureo.

La pintora realiza exposiciones colectivas e individuales y su obra forma parte de diversas, e importantes, colecciones: Museo de Arte vivo Contemporáneo la Florida Santiago, Museo Andrés Sabella, Antofagasta, Galería de Artes Stavros Galiachis, Antofagasta…

CLAUDIA OLIVOS

La artista chilena realiza estudios de Psicología y un BFA en pintura por la Universidad de George Mason, (Virginia, Estados Unidos).

Tras fundar y ser dueña de la galería “Internacional Visions”, en Washington D.C., decide dedicar  la mayor parte de su tiempo a la pintura, en su estudio de Arlington.

Sus cuadros han aparecido en varias publicaciones, tanto en sus páginas interiores como en portada, y se muestran en exposiciones nacionales e internacionales. En sus pinturas prevalece, constantemente, la firme idea de que el lenguaje visual es una contundente expresión de sentimientos tales como la opresión y represión.

Como la propia Claudia Olivos afirma “he visto a primera mano como el arte puede facilitar sanación perpetuar comunicación e impulsar individuos a comenzar a botar barreras y puentes edificados unos sobre otros, entre comunidades y aún entre naciones. El arte puede ayudar a defender a aquellos heridos por la dominación y desigualdad, injusticia y pobreza. El arte no es sólo una hermosa herramienta educacional, sino que también facilita la individuo, permitiendo un impacto transformativo de muchos problemas de nuestro tiempo.”

COLOMBIA

JOSÉ OBANDER CEBALLOS

Búsqueda incansable de lo estético, fuerza colorista o profunda reflexión sobre las formas son algunas de las características, más importantes, que quienes contemplan los cuadros de este artista colombiano vislumbran en una rápida ojeada sobre sus lienzos.

Nacido en Calí, (Colombia), en 1959, el artista José Obander Ceballos utiliza distintas técnicas en busca de una armonía en la que aúna el color y la forma en un baile de gran expresividad pictórica y en una inusitada capacidad compositiva.

Fantasías, emociones, deseos, formas aparentemente consolidadas, son las señas de identidad de la fuerza interior con la que el artista elabora sus obras.

Tras pasar por diferentes etapas artísticas, Obander Ceballos se adentra en el mundo de lo abstracto y de la investigación de texturas de gran riqueza cromática, de relieves y de la experimentación con distintos tipos de materiales.

A lo largo de su carrera artística, ha recibido diferentes menciones y premios entre los que se encuentra la Mención de Honor de la organización de Naciones Unidas, en el año 2006.

CÉSAR CORREA

Nace en Cali, Colombia, en 1965 y es en esta ciudad en donde realiza sus estudios superiores de artes plásticas en el Instituto Popular de Cultura, (1999), aunque gran parte de su formación la recibe del maestro Guillermo Ruiz  en cuyo taller comenzó a investigar a partir de 1993.

El estudio de la obra de Vicent van Gogh despertó su interés por la pintura con una fuerza inusitable y le abre las puertas para introducirse en la embriaguez y la alucinación propios de un artista.

Tras dominar las formas figurativas, César Correa, se adentra en el mundo de los afectos y, muy concretamente, en el del amor como se plasma en su serie “Los abrazos”.

La posterior catarsis interior del artista le hace abandonar las formas figurativas para instalarse en la órbita del color, la plasticidad, los abstractos… en donde cada una de sus pinceladas se convierte en una representación simbólica del alma y del territorio de su país, realizando conceptualizaciones personales a través de las texturas, la forma y el color ya que, como él mismo afirma, “el sentido de la vida y la lucha por ella se encuentra en la capacidad de transformar y cuestionar la realidad.”

REPÚBLICA DE COSTA RICA

ANA I. MARTEN

Nace, en el año 1961, San José, (Costa Rica), y comienza su andadura como pintora en 1979, momento en el que decide empezar su formación artística iniciando el Bachiller de Artes Plásticas poniendo todo su énfasis en el aprendizaje y dominio de la pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de su país.

En 1988, crea, junto con once artistas, el grupo “Bocaracá” que se convierte en un movimiento artístico de referencia obligada en la Costa Rica de los años 80.

Su primera exposición tiene lugar en 1986 y en ella hace un alarde totalmente innovador y novedoso de la técnica, el color y una temática, inequívocamente, costarricense.

Lejos de quedarse en lo meramente intranscendental, Ana I. Marten  madura, artísticamente, cuando incorpora el tema de la naturaleza y del tiempo a un mundo de búsqueda personal e inquietudes metafísicas en los que utiliza los acrílicos, las ceras, el grabado en metal y un amplio abanico de recursos.

La introspección realizada, la marca hasta el punto de concebir una nueva perspectiva de la vida que materializa en la utilización de grandes formatos, tamaño mural, y que presenta en la Galería Nacional del Museo de Arte Costarricense.

Energía, júbilo, color, movimiento y pasión por los cielos inmensos y las aguas profundas, marcan está época que se convierte en la antesala de su incursión en el mundo del videoarte que le lleva a investigar en el proceso creativo de los audiovisuales y el cine.

En la actualidad, la artista está plenamente dedicada a su obra plástica, la filmación, la creación de videoarte, las esculturas de luz y en proyectos creativos que incluyen proyecciones sobre diferentes superficies.

LORENA VILLALOBOS

La artista costarricense, Lorena Villalobos, nace en la ciudad de Heredia, en el año 1961, y su entusiasmo por el arte le lleva a desarrollar una imaginación que constituye el principal motor en su búsqueda de su propia actitud ante la vida y, en consecuencia, su propio estilo.

Realiza estudios en la Universidad Autónoma de Centroamérica de Costa Rica y asiste a talleres de diferentes grandes maestros de técnicas plásticas: pastel con Jim Theologos; óleo con Kathy Garret y Margarita Facio; acuarela con José Sánchez y pintura con vidrio en el taller de Ted Sawyer.

Son conocidas sus proyectos de arte participativo y sus intervenciones en espacios públicos.

En palabras de Jorge Crespo Verdeció, “las holografías de Lorena son de una complejidad madurada en largas horas de trabajo y experimentación, Su forma personalísima de aplicar el color y alterar las planchas es parte de esa íntima alegría que la acompaña en sus audaces propuestas técnicas que nos abren los sentidos a la visión de esas mujeres fragmentadas en atmósferas tanto cálidas como frías, o aquellos ángeles, peces y niños que inscriben su existencia en las texturas y el color de un mundo marcado por un diálogo incierto pero contundente.”

CUBA

YOEL DÍAZ GÁLVEZ

El artista nace en Ciudad de La Habana, (Cuba), en 1979 y realiza estudios en el Taller de Artes Plásticas “Eduardo Abela”, en la actualidad Taller de Manero, y se especializa en pintura y dibujo en la Academia de Bellas Artes San Alejandro, de la que llega a ser subdirector.

Su faceta pedagógica se desarrolla como Jefe de la Cátedra de Dibujo y como profesor de Anatomía Artística y Dibujo del Natural.

Sus obras se muestran en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, y se ve valorada con la concesión de premios y menciones.

Su carrera artística es, frecuentemente, enmarcada dentro de las corrientes del arte representativo contemporáneo, en su vertiente de la nueva figuración hiperrealista, al abordar el cuerpo desnudo captando la morfología de sus modelos desde ángulos visuales y retorcidos escorzos e iluminándolos con un contraste claroscuro que les otorga mayor solidez y volumen en su musculatura, consiguiendo transportarlos al feudo de la escultura, y que colorea con el equilibrio y la armonía de los grandes profesionales.

La obra de Yoel Díaz forma parte de colecciones, públicas y privadas, de Cuba, México, Alemania, Francia, Estados Unidos, Canadá…

NOEL GUZMÁN BOFILL

El artista nace 1954, en la ciudad de Remedios, (Cuba), y su creatividad le ha llevado a ser un punto de referencia en diferentes artes: teatro, música, literatura, dibujo, pintura…

Ha realizado más de sesenta muestras individuales en Cuba y el extranjero y obras suyas forman parte de colecciones privadas en Argentina, Brasil, Bolivia, Ecuador, España, Canadá, Francia, Japón, Estados Unidos y otros países. Su pintura se caracteriza por la recreación de un estilo naïf a través del cual prueba con materiales insólitos.

El Museo Nacional exhibe una obra suya en la sala permanente dedicada a los pintores primitivos cubanos y es miembro de la UNEAC y de la Asociación Nacional de Humoristas.

Entre los premios que ha recibido, a lo largo de su trayectoria artística, se encuentran 1er Premio en el Salón de Marinas Leopoldo Romañach (Caibarién, 1988); 1er Premio en el Salón de Marinas Leopoldo Romañach (Caibarién, 1989); Premio al Artista Extranjero en el Tercer Salón Mercosur Juanito Laguna (Argentina, 1998) y el 1er Premio en el Cuarto Salón Mercosur Juanito Laguna (Argentina, 1999).

“El supuesto primitivismo de Boffill nació marcado por un surrealismo desbordante de misterios citadinos y rurales de su primer entorno, sagas que la gente transmitía con la poderosa ingenuidad de la vida provinciana”, (Juan Sánchez, 2001).

“Su pintura constituye ante todo una profunda celebración de la materia, pues se desprende de cada fragmento, un goce infantil”, (Santana, 1998).

REPÚBLICA DOMINICANA

ARQUIMEDES MEJIA

El artista plástico nace en El Seybo, (República Dominicana), y realiza estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Santo Domingo, desde 1985 hasta 1989, siendo alumno de Noberto Santana, Rosa Tavarez, Amable Esterling y Juan Medina, entre otros.

Es miembro activo del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos (CODAP), de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP), UNESCO, y fue profesor de dibujo y pintura en el Museo del Hombre Dominicano desde 1989 hasta 1990.

En el 2003 recibe el segundo premio del Concurso “Murales Educativos”, celebrado por ACOPRO y su obra es expuesta en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales.

INES TOLENTINO

La pintora nace en Santo Domingo, en 1962, y en esta misma ciudad realiza estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes y, más tarde, en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y en la Universidad de esta capital francesa.

Ante los ojos del espectador, la obra de Inés Tolentino se muestra inconfundible, entre otras cuestiones, por su contundencia gráfica y la utilización, en muchas ocasiones, de elementos nítidos, concisos y justos sin que la imagen deje de transmitir aquello que pretende la artista: una comunicación poética y colorista de la que pocos artistas son capaces de conseguir.

I. Tolentino ha realizado exposiciones individuales y colectivas en su país, en Francia, Estados Unidos, Panamá, Bélgica… Su participación en bienales, salones y ferias internacionales de arte, de carácter público e institucional, es una constante en su trayectoria artística.

“Desde los inicios la obra de Inés Tolentino ha indagado sobre el tema de la memoria, de un modo que no sólo atañe a los contenidos, y a la mecánica del pensamiento y sus modos de operar sino que integra el elemento gnoseológico, el emocional y la conciencia creadora de mitos.” Laura Gil Fiallo, (Curator).

ECUADOR

JOYCE ROSE

La pintora nace en Guayaquil, Ecuador, y ha vivido casi toda su vida en Quito.

Se inicia en la pintura de la mano del mejor maestro que cualquier artista pueda tener: su padre. De su mano, Joyce Rose no sólo se adentra en los misterios y recovecos del arte pictórico empapándose de técnica y conocimiento sino que, también, descubre sensaciones y emociones que le permiten adentrase en el mundo de su progenitor.

Se considera a sí misma como autodidacta puesto que apenas ha estudiado en centros artísticos o recibido instrucción privada a través de profesores.

Su creación es variante en cuanto a las técnicas que utiliza debido a la inconformidad de la artista y a su negativa a acomodarse en una de ellas. Su reto es ir descubriendo y dominando técnica tras técnica superando, de esta forma, diferentes etapas artísticas.

Primero fue el papel seco, después el óleo, a continuación el guash, más tarde la acuarela, (sobre la que la artista afirma “no la entendí),… pero es trabajando los acrílicos donde está más cómoda y con los que estable una simbiosis que le permite diluir los colores de forma caprichosa, conseguir su más mínima expresión y trabajar con “brocha gorda como brocha fina.”

FRANCISCO VELÁSQUEZ

El artista nace en Manta, (Manabí, Ecuador), y se le considera un gran dibujante, capacidad que repercute en toda su obra pictórica de manera determinante, que la sustenta y da una calidad extrema.

Catalogadas de un gran surrealismo, las obras de Francisco Velásquez plasman lo que él quiere y cuanto él quiere gracias a una exquisita imaginación que le permite adivinar todo más allá de lo aparente, la auténtica realidad en la que el pintor está inmerso y que él visiona para reflejarlas de una forma muy personal y peculiar.

Pintura, grabado, dibujo, escultura… cualquier recurso y técnica artísticos son óptimos para que el artista, observador crítico, nos ofrezca un panorama visual de personajes, rostros, cuerpos y otras temáticas en unos materiales elaborados en los que la unión del color y las formas nos traslada a la génesis sincrónica de lo artístico en su plenitud.

REPÚBLICA DE EL SALVADOR

TATIANA CAÑAS DE MONTES

La artista salvadoreña comienza su relación con la pintura ya en la adolescencia, con 15 años, de una forma autodidacta para, más tarde, perfeccionar sus conocimientos pictóricos a través de las enseñanzas de uno de los iconos de la pintura salvadoreña; el maestro Carlos Cañas.

Catalogada como surrealista-expresionista, la pintura de esta artista se caracteriza por la utilización de colores intensos, fuertes y de una gran pureza y una temática rica y privilegiada.


En la actualidad, y desde enero de 2010, trabaja como editora de arte en el periódico digital de New York, Lond Island, actividad que compagina con su faceta artística.


La obra de Tatiana Cañas de Montes ha sido expuesta en muestras, individuales y colectivas, desde el año 2004 y, también, en exposiciones nacionales e internacionales y recibido diversos reconocimientos en su país y fuera de él.

MARIO MATTA


NETOMAR, como le llaman los más cercanos, nace en Santa Ana y pasa su niñez en el Barrio San Rafael de esta ciudad y ha transitado por diversas formas de Arte: dibujo, caricatura, pintura….


Pero es en esta última en donde ha encontrado a una cómplice con la que intima y con la que realiza encuentros mágicos que le permiten plasmar en los lienzos, y en otros soportes, la realidad que le rodea ya sea a través del filtro de su creatividad o mostrándola tal cual se presenta en lo cotidiano.

Es por ello, por lo que Mario Matta no se considera aislado de su entorno ni en una burbuja lo que se traduce en una temática que está conectada a la misma circunstancia social de su tierra su gente y sus amigos con quienes comparte convicciones, sentimientos e inquietudes. Es esta realidad la que le convierte en un fiel portador  de ideologías que transmite a través de sus pinturas.

Desde abril de 2011, pertenece a la Asociación de Artistas Plásticos de El Salvador, (ADAPES), asociación que agrupa a artistas salvadoreños emergentes y consagrados, y en mayo, de este mismo año, ha visto cumplido uno de sus sueños profesionales: exponer en la ASOSAL de Los Ángeles, California, (E.E.U.U.).

ESPAÑA

BEATRIZ ANSEDE BONOME

La artista nace en A Coruña, (Galicia, España), y, desde hace casi tres décadas vive en Vigo en donde tiene su estudio y se dedica a la pintura desde el año 1985.

Beatriz Ansede plasma en sus obras, de forma clara e inequívoca, su personalidad ofreciendo lienzo que transmiten una gran calma y alegría; también, transmiten la inquietud de esta pintora en una búsqueda incansable por ofrecer algo nuevo, diferente y distinto.

Escenas casi desdibujadas, llenas de color, que se nos antojan coloristas y que rozan la abstracción.

En palabras del crítico de Arte y miembro de la Real Academia de Bellas Artes, Francisco de Pablos, la pintora utiliza una “paleta rica, de cromatismo a veces casi exultante y casi siempre bucolizante, también. Galicia, su naturaleza, su mar, sus bosques, sus ciudades, quedan entrevistos, un tanto onirizados. O se sumerge en abismos ideales, con materias que se adensan, que parecen magnéticas, bordeando el puro informalismo. Una ideal melancolía llena de silencios implícitos sus ciudades fantasmales, o adereza de ternura a sus figuras femeninas, siluetas en sombras que esperan una imaginaria redención mientras acarician un ramo de flores silvestres. Hay feminismo, sí, mas no blandura, sino paradójica firmeza en su aparente levedad.”

XAVIER MAGALHAES

Pintor autodidacta, nace en 1953, comenzó a exponer en 1990 en Vigo, (Pontevedra). Más tarde mostró su obra en diferentes ciudades de Galicia y norte de Portugal.

Hijo de un gallego y una portuguesa, vivió desde niño en un ambiente culto pese a pertenecer a una familia económicamente modesta y los destinos de su padre, miembro de la Guardia Civil, le llevaron a vivir en varias ciudades que dejaron su huella en la sensibilidad del artista.

Su primera exposición individual realmente importante la realizó en la Casa de la Parra, en Santiago de Compostela, en 1992, exposición que constituye su reconocimiento como artista notables entre los jóvenes gallegos. Esta impresión la confirmó dos años más tarde en una muestra excepcional que realizó en el Castillo de Soutomayor, en Arcade, auspiciada por la Diputación Provincial de Pontevedra. Su obra figura en el Museo Municipal de Castrelos y en colecciones privadas e institucionales.

Magalhaes suele trabajar con tintes de colores sobre papel. Dibujante fácil, imaginativo, utiliza pinceles ancha banda para sus trazos enérgicos, agresivos. Con los que construye un mundo de figuras esquemáticas, de raíz neocubista, emparentables con la pintura francesa de Grommaire. Su temperamento apasionado, vitalista, expansivo, le invita a los grandes formatos.

Mundos literarios, como el de las Mil y Una Noches, inspiran series de sus obras, en las que está el cromatismo exultante y la elevación a la categoría de lo anecdótico: una flor, la sugestión de un pormenor de vitral gótico, de la ideal arquitectura de un oriente sólo presentido.

GUATEMALA

RUDY COTTON

El artista nace en San pedro de Savatepéquez, Guatemala, en el año 1959 y realiza estudios de arte en la Universidad Popular y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en la Escuela Superior de Arte y en la Universidad de San Carlos de su país.

Años más tarde, se desplaza a Francia, como invitado del gobierno francés, para realizar en París estudios de litografía en el taller de M. Cassé; permanece en este país europeo 15 años y en la actualidad vive en Guatemala.

La obra de Rudy Cotton está caracterizada por su desbordante imaginación, imaginación de la que, sin lugar a dudas, él saca provecho, En sus trabajos no es extraño encontrarse con un lenguaje de signos y con una fragmentación de espacios coloreados que ocasionan, a su vez, volúmenes y una seducción cromática enormemente acentuada.

El pintor ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales y su obra forma parte de colecciones europeas, asiáticas y americanas.

PEDRO ARNOLDO CRUZ SUNU

El artista Pedro Arnoldo Cruz Sunu nace en Guatemala en donde, además de pintor, desarrolla su faceta de promotor de arte.

Amante del país que le vio nacer, este pintor traslada a sus obras la idiosincrasia de una región de indígenas mayas, quiches, tzutuhiles… con una pulcritud y visión que le hace ser considerado como uno de los representantes más reconocidos del mundo artístico guatemalteco.

Tamiza las creencias, la religión, las ceremonias agrícolas y el trabajo diario envolviéndolos en papeles mágicos, a través de sus lienzos, y transformándolos a todos ellos en rituales profundos, a la par que sencillos, en el auténtico centro neurálgico de su pintura.

HAITÍ

CLAUDE DAMBREVILLE

El artista haitiano nace en Puerto Príncipe, en el año 1934, y renuncia a desempeñar trabajos convencionales que, desde su punto de vista, le restarían libertad a su existencia y un disfrute de ésta mucho más creativo.

Periodista y escritor, autor de más de 100 cuento y relatos cortos, es conocido en su país y a nivel internacional por ser uno de los máximos exponentes del arte de Haití.

Comenzó a dibujar en sus ratos libres pero pronto sintió la necesitad de comenzar a formarse como artista, por lo que se inscribe en un curso de pintura y dibujo en el Centre d´Art de Puerto Príncipe y, a los cuatro meses, logra vender dos pequeños cuadros lo que acaba con la oposición de su familia sobre su decisión de dedicar su vida al arte y a la creación.

Artista versátil en cuanto a temática, (desnudos, retratos, músicos, marinas), sus escenas de mercado y sus modelos vestidas de blanco son mundialmente conocidas.

Contraste en los pasteles, colores brillantes y planos, paleta en la que predominan los verdes y amarillos, Claude Dambreville otorga a sus lienzos una gran personalidad que aparta a su obra del arte haitiano “primitivo” aunque sin renunciar al arte haitiano de los grandes maestros.

JEAN PIERRE RICHARD (ZOMO)

Nacido en Port-au-Prince, Haití, en marzo de 1970 en una familia humilde comienza sus estudios al lado del pintor Rony Ottinot y continúa su preparación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Puerto Príncipe.

ZOMO, nombre artístico de este pintor, hace gala, en sus obras, de un estilo de humor que pone de manifiesto su gran personalidad creativa y de una capacidad energética que permiten concienciar, a quienes las contemplan, del alto dominio de la perspectiva y de una equilibrada fusión del paisaje, del humor y de la tridimensionalidad que le hacen ser, muy posiblemente, el único artista de Haití que muestra este estilo.

Otra de las características de la pintura de Jean P. Richard, ZOMO, es su maestría en conjugar las temáticas paisajistas, de una honda significación de sus raíces, con temáticas originales y muy personales en las que su alto grado de exigencia perfeccionista le lleva a fijarse en los más nimios detalles.

HONDURAS

MARIO HUMBERTO FIGUEROA ARCHAGA

Mario H. Figueroa Archaga obtiene, en 1973, el título de Maestro de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Honduras, Centro América, (Tegucigalpa, Honduras), y siempre se ha inclinado por el arte figurativo el cual plasma en su obra con una gran técnica y profesionalidad.

Sus cuadros han sido, y son requeridos, para formar parte de exposiciones colectivas y para ser mostrados en exposiciones individuales. Entre las primeras se pueden citar: la Galeria Isacar, la Escuela Nacional de Bellas Artes, la Alianza Francesa, el Instituto Hondureño de Cultura Interamericana y el Centro Cultural San Pedrano.

El artista ha sido premiado en diferentes ocasiones, por su labor artística, y recibido varias menciones especiales.

VÍCTOR  LÓPEZ

Víctor López, artista hondureño, realiza estudios de Profesor Graduado de Artes Plásticas, en el año 1966, en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Tegucigalpa, (Honduras), y obtiene el Diploma de Capacitación en Catalogación e Inventario de Bienes Muebles, en la Especialidad de Cerámica Precolombina, en el año 1990.

Su pasión por el arte, es lo que impulsa a este artista a seguir perfeccionándose no sólo como artista sino también en otros terrenos del mundo del arte, lo que le lleva a obtener el Diploma de Capacitación Museografía en la ciudad de México D.C, (México), y el Diploma sobre Vanguardia y Modernidad en el Arte, titulación patrocinada por la Universidad Autónoma de Honduras.

En su faceta de artista, Víctor López realiza exposiciones individuales y colectivas, tanto en su país como fuera de él, y recibe merecidos reconocimientos.

Entre estos últimos se pueden mencionar: el Primer Lugar en el Concurso Nacional de Pintura “Nueva Figuración” del Centro Cultural Sampedrano, (1996); el Gran Premio en la Bienal de Pintura del Instituto Hondureño de Cultura Interamericana, (1998), y el Premio Único en la XII edición de la Antología de las Artes Plásticas de Honduras,” Álvaro Canales, (2001).

MÉXICO

MARIO DE RIVERA

Pintor, escultor, poeta y músico el artista nace en la Ciudad de Tecate Baja California, (México), y realiza estudios en la facultad de Arquitectura. Es, precisamente, en esta faculta en la que realiza sus primeras exposiciones individuales y colectivas y crea un taller de arte.

Tras concluir su carrera, se traslada a Veracruz en donde adquiera un gran prestigio como pintor abstracto y atrae la atención del gran público con las formas complejas, los colores sencillos y la impregnación con que llena sus lienzos.

Mario Rivera recrea en sus obras la ciudad de sus sueños, Shambaylla, y su filosofía de vida sobre el amor, la armonía y la riqueza espiritual. Una filosofía que aporta a su obra la magia, la calidad y la poesía que, muy probablemente, son el origen de su gran producción artística.


MAGNOLIA RIVERA

La artista nace en el año 1962, en México, y desarrolla su actividad pictórica, simultáneamente, con la literaria; actividad, esta última, por la que ha recibido, en el año 2004, el Premio Internacional de Ensayo Siglo XXI, uno de los más prestigiosos reconocimiento de habla hispana de este género.

Magnolia Rivera posee el grado de Maestría en Artes Visuales, con Mención Honorífica, por la Universidad Nacional Autónoma de México y entre sus exposiciones más recipientes se pueden citar las realizadas en la Casa Serrana del Centro Universitario Los Lagos, en la Academia de San Carlos del Centro Histórico, en la Galería Conjunto Calakmul, en el Museo de Arte Moderno del estado de México y la de el Foro Artístico del Centro Deportivo Israelita.

NICARAGUA

BIGOCHA D´AMALIA

El colorido que el pintor traslada a sus lienzos, es una clara manifestación del paisaje de que es un gran conocedor: Nicaragua. Combina éste con un dominio total de los materiales que utiliza y un manejo de la luz y la perspectiva absoluto.

Las obras de Bygocha d´Amalia, en las que predominan la temática floral, muestran una recreación de la realidad del artista tamizada a través de su sensibilidad y de esos magníficos cobaltos, turquesas, violáceos y amarillos que nos introducen en un mundo sesual y musical de excepción.

Ha participado en 100 exposiciones colectivas tanto en Nicaragua como en el exterior de su país: Estados Unidos, Taiwán, Alemania, España, Bélgica, Italia  Holanda y Centroamérica.

“Es el magisterio de Bygocha d’Amalia en el uso del color lo que anota su nombre con originalidad en nuestra plástica. Estos colores nacidos de su paleta y alimentados por los paisajes de zonas tropicales y templadas, por la apropiación conceptual y práctica de formas pictóricas halladas en el museo europeo, han logrado la madurez esplendida que hoy disfrutamos en su obra, encontrándonos con los colores turquesas, cobaltos, grises azules, violáceos y amarillos oros en sus obras del mar Caribe.(Anastasio Lovo, escritor y crítico de arte de Nicaragua).


SAMUEL DAVID PINELL

El artista nace en Jalapa, Nueva Segovia, (Nicaragua), en el año 1978 y pronto comienza a prepararse para hacer su incursión en el mundo artístico por el que se siente, extremadamente, inclinado.

Realiza estudios de Dibujo en la Casa de los Tres Mundos de Granada, en su país natal, preparación que fortifica realizando estudios de Pintura y Dibujo en la Academia de Bellas Artes y en la Escuela Nacional de Bellas artes de Managua.

En 1996 comienza a exponer, siendo el ambiente expositito que elige para hacerlo la Casa de Cultura de Jalapa a la que le sigue una exposición colectiva en la Biblioteca de Boulder de Colorado, (Estados Unidos).

Su carrera artística continua con exposiciones, individuales y colectivas, realizadas por su país y el extranjero, (Taiwán, Suecia, España…).

PANAMÁ

OSVALDO HERRERA GRAHAM


El artista nace en Panamá, en 1971, en el seno de una familia en la que el ejercicio de las artes no era extraño; esta circunstancia, lleva a este artista a iniciarse en la pintura, siguiendo los consejos e indicaciones de su padre.

Con 18 años viaja a México, donde se familiariza con museos y galerías de este país y se gradúa, con honores, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

El artista obtiene, a lo largo de su trayectoria artística, premios y menciones, nacionales e internacionales: el Premio Nacional del Cartel, Mención de Honor en el mismo concurso, segundo Lugar en el Concurso Nacional de Pintura Joven “Ron Bacardí, finalista del Salon Petit Format ACEA’S, Barcelona, España… y su obra aparece en varios libros sobre arte.

En la pintura de Osvaldo Herrera hay una constante preocupación por los volúmenes, las luces y las texturas que el artista mima con un gran esmero. En cuanto a la temática de sus obras el pintor se decanta por los bodegones modernos, los seres humanos anónimos que inmortaliza, en diferentes situaciones y escenarios, y las abstracciones.

OLGA SINCLAIR

Artista plástica panameña comienza sus estudios de pintura junto a su padre el maestro Alfredo Sinclair y, muy pronto, realiza una muestra colectiva junto a reconocidos pintores de su país.

En 1976 inicia sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios de Madrid y permanece, durante tres años, consolidando sus nociones de dibujo en Estudios Arjona y, más tarde se traslada a Ámsterdam en donde estudia a los grandes maestros holandeses del siglo XVIII. En 1979 ingresa en la Universidad Santa María la Antigua de Panamá, centro en donde obtiene su título de Diseño de Interiores.

Olga Sinclair es, posiblemente, de esos artistas a los que su pasión por la pintura sirve de motor y les lleva a investigar sobre su pasión artística y les hace convertirse en viajeros incansables y ávidos de saber. Esta circunstancia la impulsa a regresar a Europa, en 1985, eligiendo la capital británica, Londres, para realizar su encuentro con la obra de Francis Bacon.

En agosto de 2010, crea la Fundación Olga Sinclair, sin ánimo de lucro, con la que incentiva la cultura y el talento de los más pequeños y la expresión artística consiguiendo un desarrollo integral de los seres humanos.

En palabras del crítico de arte mexicano, José Manuel Springer, “A los treinta años, Olga Sinclair cruza la línea que separa al buen artista del gran Maestro.

Ha caminado por rutas diversas que la han llevado de la figura a la abstracción, de regreso a la figura con carácter histórico y de vuelta a la experimentación con el espacio pictórico. Tiene una parte formalista de carácter europeo, más enfocada hacia la experimentación plástica y el concept art. Sintetiza ambos momentos.”

PARAGUAY

MIRNA BENTOS MORINIGO

Mirna Bentos Morinigo, nace en Fernando de la Mora,Paraguay, y es licenciada en licenciada en Dirección de Empresas y ha cursado los estudios de Ingeniería Social en la Universidad Privada de Columbia de Paraguay.

Es una artista autodidacta que, según sus propias palabras, “pinta desde siempre” utilizando, mayormente, la tempera e imprimiendo a sus obras estilo abstracto y figurativo definidos por muchos como “inconcluso”.

Una de las principales características de la pintura de la artista es la temática sobre las mujeres. Mujeres, a las que otorga cualquiera de las facetas que éstas han desarrollado en la sociedad a lo largo de los siglos, que suele pintar desnudas y que transmiten diferentes estados de ánimo: alegría, tristeza, amor…

ADRIANA VILLAGRA


Nace en 1978, en Paraguay, y realiza la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Católica de Asunción con honores de “Alumna Distinguida”

La pintura, como afirma la propia artista, “es mi gran aliada en la búsqueda de significados ocultos y universales. Si bien el oficio es importante, no llevo la intención final de crear una fotografía por medios pictóricos.

Es la vertiente del simbolismo, la que me provee del caudal más rico en conceptos que nutren mi imaginario y a partir de los cuales construyo imágenes que surgen de fuentes autóctonas.

Técnica y concepto son aspectos adquiridos de igual importancia que generan un “realismo simbólico”, pues aspiro obtener una correspondencia entre el mundo sensible y el espiritual.

No apunto a la obviedad en el tema ni a la contemplación pasiva. La pintura debe poder suscitar emociones, reflexión; ofrecer un contenido intelectual y un refugio para el espíritu; debe permitir diferentes niveles de lectura y, así, constituirse en un ente vivo que entabla un diálogo con quien lo contempla”

Adriana Villagra ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, y recibido premios y galardones.

PERÚ

ASAD LÓPEZ DE CASTILLA


El pintor realiza sus estudios y formación en la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes de Perú, en el Taller La Boteja de Lucy Angulo Laffose, en el Taller de Pancho Guerra García y en el Museo de Arte de Lima.

La obra de este artista peruano se ensambla con las nuevas vías de investigación científica, que permiten observar y analizar peculiaridades y características del cosmos y de la existencia que hasta hace algunas décadas era impensable conocer y descifrar.

Asad Castilla nos transporta, pues, al mundo microscópico en el que somos creados a partir de una célula que guarda nuestra herencia genética y, en resumen, a la génesis que conforma nuestros cuerpos y cuyos misteriosos códigos el artista descifra a través de sus pinceladas.

Su obra es, en definitiva, un tributo a la naturaleza, caracterizada por un informalismo moderno, que expresa una particular visión del cosmos orgánico del mundo microscópico y de la peculiaridad fragmentaria inconexa de esta primitiva organización natural.

ROLANDO ROMANI


Este artista peruano rinde a través de su pintura un tributo a la naturaleza, en el que contrapone ésta al mundo solitario en el que los seres humanos se internan para no reflexionar ni pensar.

Así mismo, es la propia naturaleza la que se convierte en su fuente de inspiración, una naturaleza a la que observa y analiza con ojo y oído de cazador, para captar más allá de lo que ésta nos presenta en sus formas aparentes, y llegar a la realidad más profunda e íntima del mundo.

En la pintura de este artista todo es caótico, aunque ese caos aparece ordenado para transmitir una perfecta armonía al espectador.

A través de ese caos armónico, Rolandoano Tamami, nos presenta la creencia de que es viable y posible otro orden en el devenir existencial; un mundo mejor, más sereno y tranquilo, en el que cada ser tenga la opción de elegir una forma de vivir que le proporciones libertad y satisfacción.

Joan Lluís Montané, de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, (AICA), afirma de la obra pictórica de R. Tamani que posee “colores contrastados, formas geométricas, que encuadran edificios, ventanas, puertas, fachadas, luces, la galaxia de los edificios que son el crisol de formas de una ciudad llena de acciones y seres humanos que vibran, aman, engañan, se separan y se juntan.”

PORTUGAL

ALEXANDRE MAGALHAES PEREIRA

El pintor Aleixandre Magalhaes Pereira. Nace en la ciudad de Lamego, Portugal, en 1953 y se inicia en el mundo artístico de forma autodidacta, en 1995.

Desde el año 2004, el artista se dedica exclusivamente al arte pictórico en el que la espátula es, prácticamente, su única herramienta de trabajo y con la que aplica la técnica del aceite sobre los lienzos.

Considerado como un gran pintor figurativo, los paisajes portugueses son los escenarios privilegiados en su temática.

Sus obras han participado en exposiciones individuales y colectivas y forman parte de colecciones, privadas y públicas, tanto de su país como del extranjero.

ARLINDO PINTOMEIRA

Nace en Deocriste, (Viana do Castelo, Portugal), y en el año 1967 abandona los estudios de arquitectura para dedicarse a la pintura.

Asiste al taller del famoso pintor surrealista Raúl Pérez y coexiste con pintores del movimiento surrealista portugués, (Mario Cesariny, Cruzeiro Seixas…), y participa en diversas manifestaciones del arte inconformista característica de ese período.

En 1972, viaja a París, en compañía de la artista holandesa Marijke De Hartog, y, más tarde a Amsterdam en donde estudia cine y pintura.

La obra de Arlindo Pintomeira posee un diseño brillante de colores, asimismo, brillantes y combinaciones primarias y complementarias y motivos simples y muy depurados de marcado influjo del arte primitivo. Figuras estilizadas, experimentando el contorno, en las que consiguen crear un nuevo lenguaje formal.

Su obra ha sido mostrada en exposiciones en su país, (Viana do Castelo, Oporto, Coimbra, Lisboa…) y fuera de él, (Amsterdam, París California…).

PUERTO RICO

RAMÓN CABAN BRIZZIE

Nace en la ciudad de San Juan, capital de Puerto Rico, y estudia Ingeniería Industrial, en su país, y Arte y Administración de Empresas en la Universidad de Florida.

Ramón Caban Brizzie, fundamenta sus conocimientos artísticos asistiendo, entre otros, a los talleres de Betsy Padín, Jackeline Del Valle, Rosado Lizzette, y Carlos Ortiz y de cerámica con Franklin Graulau.

Tras un periodo de formación, comienza a dedicarse al arte de manera formal en 1993, año en el que comienza a exponer de forma ininterrumpidamente.

Sus lienzos hacen hincapié en la figura, a la que da rango de protagonista, y complementa con un fondo abstracto trabajando, especialmente, los colores y las formas.

CECILIO COLÓN GUZMÁN

El artista nace en Barranquitas, (Puerto Rico), en el año 1959.

En 1981, obtiene Bachillerato, Cum Laude en Bellas Artes con especialidad en Pintura, en la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras y estudia bajo la tutela de los artistas Carmelo Fontánez, Lope Max Díaz, Susana Herrero, Luis Hernández Cruz y Luisa Géigel.

En sus pinturas Cecilio Colón busca descifrar la esencia de las cosas, valiéndose del color para crear espacios donde conviven el paisaje, los ecosistemas, la flora, la fauna y los humanos.

Comprometido con la calidad y la expresión creativa, su obra se desarrolla entre la abstracción, la figuración y el expresionismo y ha sido objeto de múltiples exposiciones, colectivas e individuales, organizadas por diferentes instituciones públicas y privadas.

Entre los premios que ha recibido se encuentran el Primer Premio del Salón de Arte Mobil, el Primer Premio de Dibujo y Mención de Honor de Pintura del Certamen del Ateneo Puertorriqueño, el Segundo Premio del Certamen Aracibo” y el “Capítulo de Puerto Rico de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, (AICA-PR)”, por la exposición “Me vuelvo a mi monte”, presentada en Galería Botello en 2003.

URUGUAY

ELINA MARÍA DAMIANI  URIOSTE

Nacida en la capital uruguaya, Montevideo, en el año 1953, la pintora cursa sus estudios primarios y secundarios en diferentes centros educativos y, tras finalizarlos, realiza trabajos que están coordinados por la Embajada de Francia y la Alianza Francesa. Durante 12 años desempeña el cargo de Adcripta a la Dirección en la Universidad de Paraguay tras los cuales decide renunciar a la docencia y dedicarse a su pasión: la pintura.

Sus primeros trabajos los realiza, sobre tablas viejas, con un estilo muy personal que le permite transformarlas en auténticos paneles artísticos de trazos primitivos y naïf.

Realiza, expone y vende sus obras en la tienda de antigüedades de sus padres hasta el año 1985; momento, a partir del cual, su obra comienza a ser expuesta en centros de arte y museísticos de Montevideo, en exposiciones individuales y colectivas para, en poco tiempo, traspasar las fronteras nacionales y viajar con destino a diversas partes del mundo: México, Argentina, Alemania, Francia, Italia, E.E.U.U…

Los materiales preferidos de Elina Damiani son las maderas, las pizarras y, aunque trabaja y domina la técnica mixta, el óleo y el acrílico sobre madera forman su rol más preponderante en su obra.

Sus temáticas más buscadas son las marinas, los animales autóctonos, los veleros y las recreaciones en las que el campo tiene un gran papel protagonista.

LUZ DARRIBA

Artista plástica multidisciplinar, nace en Uruguay, se forma en Argentina y vive en España desde el año 1990.

La capacidad artística de Luz Darriba, y su rigor a la hora de trabajar y difundir su obra, la lleva a participar, hasta la actualidad en más de 250 exposiciones colectivas, 40 individuales y a recibir 50 distinciones internacionales.

De la artista son significativas sus intervenciones urbanas, sobre todo, la denominada “Proyecto CUMULUM Muralla de Libros” en donde rodeó los dos kilómetros y medio de la Muralla Romana de Lugo con una estructura metálica forrada con 650.000 libros; proyecto que significó el punto de partida para que esta ciudad fuera declarada Patrimonio de  la Humanidad, por la UNESCO, en el año 2000.

Este mismo año realiza la intervención “Libres avec des Livres”, en la que realiza una especie de enredadera a través de las paredes y techos de la sede de la UNESCO en París.

En la actualidad, trabaja en diferentes proyectos de macro instalaciones, dentro y fuera de España, sigue realizando exposiciones de su obra pictórica, imparte conferencia y cursos sobre arte, gestiona curadurías de exposiciones de forma independiente y colabora con diferentes publicaciones.

VENEZUELA

VIDALIA GONZÁLEZ

Esta pintora autodidacta es una de esas creadoras en cuyas obras no puede olvidarse de reflejar un universo de vivencias, sentimientos y virtudes que extrae de su entorno y de lo cotidiano.

Cada obra es una historia en si misma; una historia recreada para quienes la contemplan y que les incita a vivir una nueva experiencia a la que son llamados para ser partícipes de ella. La artista representa las imágenes, de tal forma, que ellas son las encargadas de asentar su propia identidad, donde la mirada tiene que penetrar para comprenderla y extasiarse.

Una de las características, casi permanente y constante, en sus cuadros es la escenificación de una armonía, a través de la cual Vidalia González, trata de recuperar el interior de su querida Venezuela, haciéndonos llegar y recordar dulces y gratos recuerdos del contacto directo con la naturaleza.

Su trayectoria artística está avalada por numerosas exposiciones, dentro y fuera de su país, pero, sobre todo, por haber sido mecedora de diversos premios y menciones de gran significación en la carrera de cualquier artista.

 SONAIRA PIÑERO DE MORONTA

La artista nace en Caracas, (Venezuela), en el año 1966 y se gradúa de T.S.U. en Publicidad en el ISUM. Su inquietud por seguir formándose artísticamente la lleva a realizar cursos de Diseño Gráfico en la Academia de Artes Avanzadas, Diseño Gráfico Computorizado, Dibujo de Línea y Medio Tono.

Esta diseñadora y artista plástica inicia sus pasos, en el mundo del arte, a la temprana edad de 14 años comenzando a dibujar bodegones, marinas, paisajes, rostros… con carboncillo para seguir experimentando con algunas sepias.

Sonaira Piñero comienza a trabajar en el Museo de Bellas Artes como guía lo que la motiva para adentrarse a experimentar con otras técnicas como el óleo, la técnica mixta y el acrílico.

Artista multidisciplar experimenta, también, con el barro y con la talla siguiendo tres líneas de trabajo, como la propia artista define, “retratos, animales y mascaras africanas, oriento mis pinturas y algunas tallas en piedra hacia lo étnico africano, los rostros con un estilo realista y animales y mascaras africanas con relieve.”

La Dirección del museo quiere hacerles llegar, a todos ellos, su agradecimiento y su deseo de que sus trayectorías artísticas sigan avanzando en todos los ámbitos del mundo del Arte.

Un gran abrazo a todos.

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