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Museo Karura Art Centre (MKAC)

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La Dirección del museo organiza la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, con la exposición “COMPARTIENDO ARTE”, en la que participan 45 artistas de toda Latinoamérica y España; en concreto, dos artistas por cada país, (un total de 22 países), con dos obras por artista, (un total de 90 obras).

Esta Cumbre se lleva a cabo con motivo del “Día de la Hispanidad”, 12 de octubre de 2009, y ocupa el edificio principal, el Edifio Schumann y el AULARIUM.

Cartel de la exposición realizado por el pintor español Xavier Magahlaes.

La cumbre se organiza con el objetivo general, que marca la trayectoria del museo desde su inauguración, de dar a conocer y difundir el arte, y con los objetivos específicos que se definen a continuación:

1.- Promocionar y dar a conocer el arte latinoamericano.

2.- Informar al público sobre los distintos y diferentes estilos y movimientos artísticos latinoamericanos y  la variedad y diversidad de sus técnicas, recursos y temáticas.

3.- Promocionar y dar a conocer a los artistas latinoamericanos y su obra.

4.- Establecer lazos profesionales entre todos los artistas que participan en la exposición.

Además de las obras pictóricas de los 45 artistas que participan en esta Cumbre, se ofrece una pequeña biografía y los puntos de contactos, (e-mails, webs, blogs…), de cada uno de ellos; datos informativos sobre Latinoamérica y España, (educación, sanidad, cine, demografía, literatura, teatro, economía…), con la finalidad de situar el contenido de la exposición en un contexto histórico-social que haga comprender mejor la obra de cada uno de los artistas participantes; la emisión vídeos y otras actividades en torno a la cumbre y los artistas que la conforman.

La exposición “COMPARTIENDO ARTE” es presentada al público en el Paraninfo del MKAC el día 12 de octubre a las 23,30 h, por la directora del museo y con una conferencia a cargo de WM Schumann.

TEXTO DE PRESENTACIÓN POR PARTE DE LA DIRECTORA DEL MAKC:

Cuando el 22 de abril de este año, 2009, mi primer e-mail salió de mi ordenador rumbo a América, en concreto con destino a Perú, yo no era muy consciente de lo que se me avecinaba, de las horas y horas que estaría tras la pantalla enviando e-mails, recibiéndolos y contestándolos; elaborando listados; consultando libros y páginas sobre arte latinoamericano; seleccionando artistas y obras de arte…

Es verdad que en mi cabeza y sobre el papel, esta exposición estaba muy programada y estructurada; tenía muy claro qué quería hacer, cómo y por qué antes de enviar ese primer e-mail. Sin embargo, y aunque imagino que esa programación anterior me facilitó la tarea y disminuyó en algo mi esfuerzo, a medida que comenzaba a contactar con artistas me fui dando verdaderamente cuenta del terreno que comenzaba a pisar y de que el camino sería, cuando menos, muy, muy laborioso antes de lograr reunir los permisos y las obras de 44 artistas.

Como siempre que se emprende una empresa de este tipo, tuve momentos bajos y de desánimo y, por suerte, los remonté.

En esta ocasión tengo muy claro el motor que me impidió abandonar esta empresa: no faltar a mi palabra dada a aquellos primeros artistas que confiaron en mi y, sobre todo, que pusieron en mis manos no ya un material muy importante para ellos sino también un material tan sensible e íntimo como son sus obras y que, en definitiva, eran las que portaban sus emociones, sentimientos y sensibilidades.

Momento de la presentación de la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMÉRICA DEL MKAC, en el Salón Alegret del museo.

La I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANO del Museo Karura Art Centre es hoy una realidad que ha sido posible, no lo voy a negar, a mi esfuerzo y a mi pasión por el arte, pero “COMPARTIENDO ARTE” sólo ha sido posible gracias a la generosidad de los 44 artistas que han decidido confiar en mi y “utilizarme” como vehículo entre ellos y todos vosotros.

“Gracias por iniciar esta “aventura de arte”;  personas como usted hacen posible que yo siga pintando”, me escribió unos de los artistas que participa en esta exposición en el segundo e-mail que me envió.

¿Tras una frase así quién es capaz de frenarse y no seguir adelante por muchas trabas que se encuentre en el camino? Decididamente, yo no soy capaz de paralizarme.

Y yo ahora le respondo ahora a George Wirth:

Gracias a todos y cada uno de los 44 artistas que habeis decidido participar en esta exposición; gracias por creer y confiar en una desconocida de la que sólo conocíais su trabajo mostrado en Internet; gracias por darme la responsabilidad de cuidar y mimar vuestras obras sin ponerme ningún tipo de condición; gracias, en definitiva, por compartir obras y sentimientos conmigo.

Gracias, también, a los distintos Ministerios de Cultura, asociaciones de artistas, consulados, embajadas y demás organismos oficiales, públicos y privados, que atendieron con exquisita cortesía y amabilidad mis consultas y requerimientos y a aquellos que, habiéndose enterado de la preparación de esta exposición sobre arte latinoamericano, se interesaron por ella de diferentes maneras.

Instantánea del Salon Alegret del MKAC.


También quiero dar las gracias a aquellos artistas que declinaron, con infinita amabilidad, mi invitación a participar en esta “I CUMBRE LATINOAMERICANA DE ARTE”, fuera por el motivo que fuera. Quisiera hacerles llegar a todos ellos mi más absoluta comprensión: les entiendo y comprendo, perfectamente; no es nada difícil para mi hacerlo.

Una desconocida empeñada en reunir en una misma exposición a decenas de artistas que representaran a toda Latinoamérica y a España; una desconocida que tenía ese loco proyecto… desde el otro lado del Atlántico; una desconocida con la que tan sólo iban a cruzar unos cuantos e-mails, etc… Todo ello son datos suficientes para pensar que tal desconocida no está en pleno uso de sus facultades mentales y que sus neuronas no están a pleno rendimiento…o simplemente carece de ellas.

Todos ellos quedan invitados a visitar la exposición y, por supuesto, a participar en la “II Cumbre Latinoamericana de Arte” que, si procede, se organizará en el Museo Karura Art Centre en una próxima ocasión.

También quiero agradecer, sin ningún tipo de acritud por mi parte, el esfuerzo que algunas personas hicieron para poner trabas e impedimentos para que mi objetivo no se cumpliera y esta cumbre no se llevara a cabo. A ellas darles las gracias porque, ese esfuerzo suyo y las energías invertidas en él, consiguieron que mi esfuerzo y mis energías se triplicasen.

Todas ellas, también, quedan automáticamente invitadas a participar de las actividades que se organizan en el MKAC, a colaborar en ellas, a proponer otras nuevas y, evidentemente, a formar parte de esa II Cumbre anteriormente mencionada y otros proyectos que sin duda serán más interesantes e importantes si todos arrimamos el hombro y establecemos lazos de colaboración y unión.

Gracias a todas las personas que estais tras los avatares y que siempre apoyais todas las actividades que se programan en el MKAC y gracias, de antemano, porque sé sin duda alguna que esta también la apoyareis; pero, sobre todo, gracias porque, aunque no sé si sois conscientes de ello, con ese apoyo siempre me “exigiis” más y eso origina que yo busque nuevas fórmulas, nuevas metas y nuevos proyectos que ofreceros y que avance en vez de anquilosarme y conformarme.

Gracias, como siempre, a Francisco Holgado por su apoyo a lo largo de todos estos meses de preparación de la exposición; por escuchar mis “quejas”, por sobrellevar mis momentos de desánimo y por compartir mis momentos eufóricos y llenos de alegría; en definitiva, gracias “por estar siempre ahí”

Se me ocurren muchas cosas, algunas de ellas increíbles, que contaros sobre la preparación de esta exposición pero para eso estarán los tablones de información en el MKAC, los avisos internos a los grupos, los foros en donde podeis ir viendo los “entresijos” de todos estos siete meses y actividades que se realizarán sobre esta exposición.


Sólo una puntualización más antes de pasarle la palabra a WM Schumann.

Me gustaría que tuvierais en cuenta que, aunque yo haya logrado reunirlos en esta exposición “Compartiendo Arte”, los verdaderos artífices de ella son: Xavier Magalhaes, (como autor del cartel de la exposición “Compartiendo Arte”), Juan Aguilar Díaz, Emilia Amaral, Gerardo Apud, Tom Araya, Orlando Arias Morales, Marco Caamaño, Orlando Castro Ortiz, Luís Germán Cajiga, Yankel Dickerman, Iván Fernández Dávila, Eduardo Guevara Ojeda, Vivian Ivet Hernández Ruiz, Nicolás Herrera, Carmen Holgueras, Óscar Flores Guerrero, María La Placa, Armando Lara Hidalgo, Mauricio Linares, Aristides Lira González, Jean Robert LUXAMA, Mario René Madrigal Arcia, Mauricio Mayorga, Mariela Montes, Eduardo Naranjo, Mercedes Naveiro, Renzo Núñez-Melgar Vega, Adolfo Payés, Iris Pérez, Juan José Rodríguez, Juan Carlos Ruiz Soto, Mario A. V. Sánchez Martínez, Orlando Salero Morillo, Gabriel Sencial, Osvaldina Servian de Bulnes, Alejandro Silveira Bruno, Herminio Souza, Rodolfo Stanley, Miguel Tió, Pablo Tobar Henry, Félix Toranzos, José Alejandro Vargas, George Wirth, Manuel Zardain.

A todos ellos mil millones de gracias por compartir su Arte con todos nosotros.

TEXTO DE LA CONFERENCIA IMPARTIDA POR WM SCHUMANN:

Hace apenas unas semanas en otro lugar de aquí, de Second Life, se planteó un interesante debate sobre si las relaciones personales que se establecen por este medio se pueden considerar reales, sin adjetivo, o si por el contrario constituyen realidades virtuales. Simulacros, en definitiva.

El debate registró aportaciones para todos los gustos y en todos los sentidos, pues al fin y al cabo el tema presenta muchísimos matices y variables.

Sin embargo me parece incontestable que cuando las relaciones que se establecen aquí se basan en la sinceridad, la conexión entre la vida real y la segunda vida, entre el mundo real y Second Life, entre las personas de carne y hueso y los avatares, resulta directa y transparente. Entonces la barrera que separa ambos mundos se levanta y el mundo virtual deja de constituir una mera evasión, una fantasía, para convertirse en un recurso muy potente para la dinamización, el enriquecimiento y la expansión de nuestras realidades y nuestras identidades.

Creo que estas breves consideraciones introductorias encuentran plena justificación si las aplicamos al Museo Karura Art Centre, a sus múltiples actividades y muy en particular a esta primera cumbre de arte latinoamericano que hoy se inaugura.

El MKAC es un museo virtual que se propone potenciar la presencia del arte en y a través de Second Life. Su campo de actuación es, por tanto, el Second Life, aunque trabaja con una materia prima que procede del mundo exterior, del otro lado de la pantalla. De las personas que manejan los avatares. Me refiero a la creatividad, plasmada en eso tan inaprensible que llamamos arte.

De este modo el MKAC actúa como lugar de encuentro de ambos mundos, el real y el virtual, el topos y la utopía y, tal como decíamos al principio, en un lugar que a pesar de su naturaleza virtual contribuye muy pero que muy positivamente al enriquecimiento del mundo del arte y de la cultura, abriéndole nuevos campos de expansión, descubriéndole nuevos territorios.

A lo largo de sus trece meses de existencia el MKAC nos ha proporcionado abundantes estímulos y hemos asistido no sólo a su consolidación si no también a su progresión, impulsada por la tenacidad y la inagotable energía de su directora Ina Karura.

La reciente presentación del MKAC en el congreso Slactions 2009 (Research Conference in the Second Life World. Life, imagination and work using metaverse platforms  http://www.slactions.org/slactions.php?s=Local_Chapters&ss=Portugal_Braga…) es buena prueba de esta progresión y de la proyección que ha obtenido, rotundamente confirmada ahora mismo con esta primera cumbre de arte latinoamericano. Cumbre y cima. Cumbre en tanto que reunión importante y cima puesto que representa la cota mas elevada alcanzada hasta ahora por el MKAC.

El proyecto que hoy, 12 de octubre de 2009, en una fecha tan señalada para toda la comunidad iberoamericana, se hace realidad, reviste una envergadura y una complejidad organizativa muy considerables. Estamos hablando de una exposición en la que participan 44 artistas de 22 países, o sea, que están presentes dos artistas por la casi totalidad de los países de Latinoamérica y España.

En paralelo a la exposición, que permanecerá abierta durante dos meses, hasta Navidades, está previsto celebrar numerosas actividades como conferencias, tertulias, conciertos, etc. Esta previsto, asimismo, dedicar un día especifico a cada uno de los artistas participantes, que de este modo verán incrementada su visibilidad y la proyección de su obra. En definitiva, habrá que permanecer atentos al día a día de esta cumbre, porque a lo largo de estos dos meses nos irá deparando muchas y agradables sorpresas.

Por todas estas razones la denominación “cumbre” nos parece particularmente apropiada. No hablamos de una mera exposición si no de un encuentro importante propiciado por el arte, tal como refleja el lema de la convocatoria, “compartiendo arte”.

Propiciado por el arte y en particular por el Museo Karura Art Centre que de este modo asume un protagonismo destacado como nodo de la comunidad iberoamericana en Second Life.

Antes de ensayar una mínima valoración del contenido artístico de esta primera cumbre de arte latinoamericano quisiera evocar, sin más, uno de sus principales antecedentes. Las bienales hispanoamericanas de arte, de las que se celebraron tres convocatorias. La primera tuvo lugar en Madrid entre 1951 y 1952. La segunda se celebró en La Habana en 1954 y la tercera y última radicó en Barcelona entre finales del año 1955 y principios de 1956. Aunque los tiempos y los contextos actuales son completamente distintos de aquellos, esta cumbre transita por el mismo camino abierto por aquellas bienales.

La selección de arte y artistas latinoamericanos, (incluyendo los españoles), que nos propone Ina Karura en esta cumbre que hoy se inaugura conjuga aportaciones de creadores emergentes con las de artistas de trayectoria bien consolidada. Que nadie busque en esta selección la voluntad de reflejar una presunta identidad del arte latinoamericano o de poner énfasis en una tendencia concreta o en un planteamiento estético determinado. No es este el objetivo de la cumbre, cuyo contenido, si se caracteriza por algo, es precisamente por la variedad y la diversidad. Y por la calidad, por supuesto.

Este es un encuentro plural cuya importancia radica sobre todo en la creación de vínculos entre personas y en poner a prueba la capacidad de Second Life para erigirse en plataforma de proyección artística.

Me permito apuntar que en futuras convocatorias –porque estoy absolutamente convencido de que esta cumbre va a tener una larga continuidad y gran proyección hacia el futuro- sería interesante dedicar algún espacio a la memoria de los grandes maestros del arte iberoamericano.

Volviendo sobre el tema anteriormente apuntado de la identidad del arte iberoamericano creo que es muy importante tener en cuenta que éste no se apoya sobre una tradición como la europea si no que se debate constantemente entre la imposición / adopción de los modelos europeos y la voluntad de proyectar imágenes que lo singularicen y lo distingan.

La identidad o identidades del arte iberoamericano no radican en la superficie, en las temáticas o en los estilos artísticos, si no en el fondo, en unas determinadas formas de entender el arte y su proyección social y cultural, como recurso para entroncar la tradición con la modernidad, lo local con lo global o lo individual con lo colectivo.

Entronque difícil sobe todo si se trata de evitar los tópicos del folclorismo o del localismo. Difícil pero no imposible, como lo demuestra la sabia síntesis alcanzada por los muralistas mexicanos, principalmente Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco y Rufino Tamayo, que reivindicaron y mitificaron lo popular como argumento revolucionario.

Equilibrada síntesis igualmente alcanzada por Frida Kahlo mediante la profunda expresión de su yo doliente, resuelta con un lenguaje que conecta directamente con lo popular, al igual que la pintura de Fernando Botero, que muchas veces parece remitir a aquellas ingenuas pinturas anónimas de los siglos XVIII y XIX, venerables antepasados de la tradición pictórica iberoamericana.

Sin olvidar el indigenismo patente, con matices diversos, en la obra de artistas como Oswaldo Guayasamín, Cándido Portinari o Tarsilia de Amaral. Esta ultima, con sus pinturas antropofágicas, exhortaba a devorar artísticamente al colonizador para apropiarse de sus virtudes y habilidades.

Tampoco quisiera dejar de mencionar el encanto que transmiten las obras del pintor uruguayo de ascendencia italiana, Pedro Figari, cuyo costumbrismo de apariencia casi naif se anticipa pictóricamente a los mundos mágicos recreados literariamente por Gabriel García Márquez.

Pero del mismo modo que estos artistas que acabamos de mencionar y otros muchos como ellos representan la preocupación por la identidad y contribuyen decisivamente a la concreción de la misma mediante sus respectivos universos visuales, son también pilares fundamentales del arte latinoamericano aquellos otros artistas plenamente integrados en las corrientes internacionales de vanguardia, puesto que muchos de ellos actuaron como profetas de la modernidad en sus respectivas áreas de influencia.

Tal es el caso de Rafael Barradas o de Joaquín Torres García, cuya personal interpretación del constructivismo dejó una profunda huella en toda Iberoamérica.

Es también el caso de las diversas conexiones iberoamericanas del surrealismo, patentes en la obra y la trayectoria de artistas como Wifredo Lam, Roberto Matta o Remedios Varo.

Ya en el ámbito de las segundas vanguardias, adquiere importancia capital la aportación de Lucio Fontana con su espacialismo o la significación de la obra de Carlos Cruz Diez, Jesús Rafael Soto o Julio Le Parc que se cuenta entre lo mas destacado del arte cinético a nivel internacional.

No descubrimos nada, al fin y al cabo, al afirmar que tanto en la historia como en el presente, el arte iberoamericano constituye una realidad compleja, plural y diversa. Esta cumbre nos acerca a ella no tan sólo para dárnosla a conocer desde una distancia prudente, en tanto que observadores medianamente distantes, si no invitándonos a adentrarnos en su seno y de este modo conocerla mejor, participando, compartiendo y, lo mas importante, disfrutándola.

He dicho. Muchas gracias.” (WM Schumann).


LISTADO ALFABÉTICO DE LOS ARTISTAS PARTICIPANTES EN LA “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMÉRICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE”.

EXPOSICIÓN: “COMPARTIENDO ARTE”.

Xavier Magalhaes, (autor del cartel de la exposición “COMPARTIENDO ARTE”).

Juan Aguilar Díaz.

Emilia Amaral.

Gerardo Apud.

Tom Araya.

Orlando Arias Morales.

Marco Caamaño.

Luís Germán Cajiga.

Orlando Castro Ortiz.

Yankel Dickerman.

Iván Fernández Dávila.

Óscar Flores Guerrero.

Eduardo Guevara Ojeda.

Vivian Ivet Hernández Ruiz.

Nicolás Herrera.

Carmen Holgueras.

María La Placa.

Armando Lara Hidalgo.

Mauricio Linares.

Arístides Lira González.

Jean Robert LUXAMA.

Mario René Madrigal Arcia.

Mauricio Mayorga.

Mariela Montes.

Eduardo Naranjo.

Mercedes Naveiro.

Renzo Núñez-Melgar Vega.

Adolfo Payés.

Iris Pérez.

Juan José Rodríguez.

Juan Carlos Ruiz Soto.

Orlando Salero Morillo.

Mario A. V. Sánchez Martínez.

Gabriel Sencial.

Osvaldina Servian de Bulnes.

Alejandro Silveira Bruno.

Erminio Souza.

Rodolfo Stanley.

Miguel Tio.

Pablo Tobar Henry.

Félix Toranzos.

José Alejandro Vargas.

George Wirth.

Manuel Zardain.

Una de las actividades programadas, en torno a la exposición, ha sido la del “DÍA DEL ARTISTA” consistente en dedicar una fecha a la promoción decada uno de los aristas. A lo largo de todo ese día se emiten comunicados, sobre el artista en cuestión, se ponen mensajes en diversos foros, se publicitan sus páginas webs, se pone en la Sala Velázquez del museo un tablón dedicado al artista…

A continuación se muestra, por orden alfábetico, una pequeña biografía,  la fotografía, una de las obras presentadas a la exposición “COMPARTIENDO ARTE” y el país de los 45 pintores que han participado en esta cumbre.

XAVIER MAGAHLAES, (ESPAÑA)

Participa en la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICANA DEL MKAC como autor del cartel de la misma, elaborado exclusivamente para la exposición “COMPARTIENDO ARTE”.

Pintor autodidacta, nace en 1953, comenzó a exponer en 1990 en Vigo, (Pontevedra). Más tarde mostró su obra en diferentes ciudades de Galicia y norte de Portugal.

Fotografía del pintor Xavier Magahlaes.

Hijo de un gallego y una portuguesa, vivió desde niño en un ambiente culto pese a pertenecer a una familia económicamente modesta y los destinos de su padre, miembro de la Guardia Civil, le llevaron a vivir en varias ciudades que dejaron su huella en la sensibilidad del artista.

Cartel de la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMÉRICANA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE.

Su primera exposición individual realmente importante la realizó en la Casa de la Parra, en Santiago de Compostela, en 1992, exposición que constituye su reconocimiento como artista notables entre los jóvenes gallegos. Esta impresión la confirmó dos años más tarde en una muestra excepcional que realizó en el Castillo de Soutomayor, en Arcade, auspiciada por la Diputación Provincial de Pontevedra. Su obra figura en el Museo Municipal de Castrelos y en colecciones privadas e institucionales.

Magalhaes suele trabajar con tintes de colores sobre papel. Dibujante fácil, imaginativo, utiliza pinceles ancha banda para sus trazos enérgicos, agresivos. Con los que construye un mundo de figuras esquemáticas, de raíz neocubista, emparentables con la pintura francesa de Grommaire. Su temperamento apasionado, vitalista, expansivo, le invita a los grandes formatos.

Mundos literarios, como el de las Mil y Una Noches, inspiran series de sus obras, en las que está el cromatismo exultante y la elevación a la categoría de lo anecdótico: una flor, la sugestión de un pormenor de vitral gótico, de la ideal arquitectura de un oriente sólo presentido.

JUAN AGUILAR DIAZ, (PANAMÁ)

Aguilar nace en Panamá en donde reside en la actualidad y es, además de pintor, profesor de Universidad, fotógrafo, diseñador gráfico, poeta y escribe artículos sobre cultura y arte.

El artista es miembro de la Asociación de Artistas Plásticos de Panamá y Presidente de APAP.

Fotografía del pintor Juan Aguilar Diaz.

La actividad docente que ha realizado a lo largo de su vida profesional es amplia y dilatada: profesor de Informática Básica e Internet, profesor de Postgrado y Maestría en la Universidad de Panamá, profesor en la Facultad de Arquitectura, como profesor de Dibujo, y en la actualidad trabaja en el Instituto Nacional de Cultura de la ciudad de Aguadulce.

“Aluvión” del pintor Juan Aguilar Diaz.

EMILIA AMARAL, (BRASIL)

La pintora Emilia Amaral vive y trabaja en Brasil. Artista exigente con ella misma y su trabajo artístico, Amaral  haces, deshace y vuelve a hacer hasta llegar a configurar, cada obra suya, de tal manera que el resultado final se ajuste a lo estructurado desde un principio.

Fotografía de la pintora María Emilia Amaral.

Selecciona los colores con meticulosidad cuando crea a través del ordenador y el photoshop y la temática que nos muestra en sus obras es variada y diversa: paisajes, playas, calles… plasmando escenas cotidianas y conocidas de aquellos que contemplan sus cuadros.

“Paisagem” de la artista María Emilia Amaral.

Gran conocedora de las distintas técnicas artísticas, Amaral, utiliza el óleo, el pastel y el acrílico indistintamente.

GERARDO APUD, (URUGUAY)

Apud nace en Montevideo, (Uruguay), en el año 1959.

Entre los estudios que realiza, podemos destacar los de Dibujo y Pintura, junto al profesor Daniel Torres; Dibujo Artístico; Pintura en el Taller de Eduardo Espino y, más tarde, el Taller del Maestro Nelson Ramos.

Fotografía del pintor Gerardo Apud.

Apud expone sus obras en gran cantidad de exposiciones, individuales y colectivas, y éstas visitan importantes galerías y museos no sólo americanos, sino, también, en Madrid, Barcelona, Venecia, París, Londres, Munich…

“Viaje a Oriente” del pintor Gerardo Apud.

Entre otras ha sido fundador e integrante de la Asociación de Artistas Plásticos de Pando.

TOM ARAYA, (CHILE)

Araya nace en Santiago de Chile, en 1974, y cursa estudios en diversas disciplinas que formarán su base pictórica: Pintura, Fisiología, Escultura, Anatomía, Materiales Alternativos…

Fotografía del artista Tom Araya.

Viaja por diferentes países y cuenta en su currículo con decenas de exposiciones, individuales y colectivas, pasando su obra a formar parte de colecciones en muchos países: Chile, Alemania, España, EE.UU, Nueva Zelanda…

“Rojo I” del pintor Tom Araya.

Sobre sus creaciones se puede decir que poseen una mezcla de expresionismo abstracto y figuración primitiva e iconográfica.

ORLANDO ARIAS MORALES, (BOLIVIA)

Nace en Potosí, (Bolivia), en 1954 e inicia estudios de Ingeniería Civil en la Universidad de San Agustín de Cochabamba para, luego, cambiarse a estudiar Economía en  la Universidad Técnica de Oruro; carrera que abandona para dedicarse al arte.

Fotografía del pintor Orlando Arias Morales.

Ya a la edad de 21 años comienza una fructífera carrera como pintor, realizando su primera exposición en el año 1976 y mostrando su obra en innumerables exposiciones, individuales y colectivas por toda América y Europa.

“Sín título” del pintor Orlando Arias Morales.

MARCO CAAMAÑO, (CHILE)

Marco Caamaño, artista plástico nacido en Santiago de Chile reside en Venezuela, desde el año 1978. Además de pintor es un destacado artista ilustrador político, dibujante, diseñador gráfico y escultor.

Fotografía del artista Marco Caamaño.

Docente en artes plásticas, realizó estudios en la Facultad de Bellas Artes de Chile y sus trabajos han sido expuestos en numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto en su país como en el extranjero.

“Cabalgata” del pintor Marco Caamaño.

Su estilo se cataloga en el simbolismo y expresionismo siendo su temática preferida la que trata sobre la raíz histórica de Latinoamérica.

LUIS GERMÁN CAJIGA, (PUERTO RICO)

Luis Germán Cajica, pintor nacido en Quebradillas, (Puerto Rico), en 1934, comienza su preparación artística en el taller de la División de Educación de la Comunidad de San Juan, en donde coinciden los más destacados artistas de Puerto Rico que influyen en la formación artística de Cajiga.

Fotografía del pintor Luis Germán Cajiga.

El artista domina las técnicas del dibujo, la serigrafía la acuarela, el óleo y el grabado y colabora en la realización de carteles, dibujos de libros y títulos de películas.

“Escalinata del hospital” de Luis Germán Cajiga.

A Cajiga le apasiona, además de pintar las calles de San Juan, inmortalizar los pueblos de su isla, las barriadas, arrabales y, sobre todo, los paisajes flamboyantes.

ORLANDO CASTRO ORTIZ, (PUERTO RICO)

Orlando Castro nace en Las Piedras, (Puerto Rico), en 1961. Su formación artística incluye una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Interamericana de Puerto Rico, en la especialidad de Pintura, siéndole concedida la Medalla de Excelencia Académica y un Magna cum Laude de la Universidad de Puerto Rico. Se especializa en pintura y Dibujo.

Fotografía del pintor Orlando Castro Ortiz.

Entre la élite artística las exposiciones individuales de Castro Ortiz, en museos y galerías no pasan desapercibidas. Lo mismo acontece con las exposiciones colectivas en las que participa. Latin American Art Exhibition Broward Community Collage, (Florida); Internacional Artists in California; Latino Art Museum; Museum of the Ameritas; Feria Internacional de Arte de Holanda, (La Haya); Feria Internacional del Arte, (Gent)… y un largo etc., forman ya parte de la vida artística y del currículo de este artista.

“Cundiamor Urbano II” del pintor Orlando Castro Ortiz.

YANKEL DICKERMAN, (HONDURAS)

Nacido en Tegucigalpa, (Honduras), en 1977, Dickerman adquiere sus primeros conocimientos plásticos en calidad de oyente en las Escuela Nacional de Bellas Artes, (ENBA), para compartir estudio durante año y medio, en 1998, con el maestro Samuel Trigueros.

Fotografía del artista Yankel Dickerman.

Tras esta preparación, el pintor comienza una nueva etapa agresiva de imágenes cargadas de fuerza, color y simbolismo en su búsqueda particular de un mundo perfecto a través de su discurso plástico.

“Migraciones lúdicas y otros oníricos” de Yankel Dickerman.

La necesidad de comunicar y crear de Dickerman le lleva a incursionar en el mundo del teatro con obras inéditas de su autoría, al mundo de la fotografía, la escultura, la música, los vitrales… De estas y otras formas el artista, sin importarle los medios ni los recursos a los que tenga que acceder, pone de manifiesto su necesidad de expresar.

IVÁN FERNÁNDEZ DÁVILA, (PERÚ)

El artista peruano, Fernández Dávila, nace en Lima, en 1983, extiende su sensibilidad más allá de la pintura y se adentra, también, en el arte literario, concretamente, en el de la poesía.

Fotografía del pintor Iván Fernández-Dávila

Fernández Dávila plasma en su obra pictórica el mundo nocturno, escenario típico de poetas y pintores, pero teniendo como elemento principal de su obra a la mujer.

“Joven en casaca roja” del artista Iván Fernández-Dávila.

Tras pasar por la abstracción, el artista ha llegado a su etapa expresionista cuidando la técnica pero, sobre todo, poniéndola al servicio del espíritu.

OSCAR FLORES GUERRERO, (ECUADOR)

Flores Guerrero nace en Ecuador y su participación en exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, ha sido una constante en la vida artística de este pintor.

Fotografía del artista Óscar Flores Guerrero.

La totalidad de la obra de este artista se puede definir como imaginativa y cautivadora, de notables logros estéticos y que, dada la juventud de su autor y su incansable búsqueda por los caminos del arte, su capacidad creativa y su manejo de las propuestas plásticas actuales, constituye sin duda, no sólo una firme promesa, sino una vigorosa realidad en el terreno de la plástica ecuatoriana.

“Inmortal I” del pintor Óscar Flores Guerrero.

Color intenso y transparente, formas que se mezclan, sombras de luz con contrastes estéticos que consiguen que nada de sea casual y la omisión clara de lo figurativo son las constantes en toda su obra.

EDUARDO GUEVARA  OJEDA, (CUBA)

Guevara nace en Cuba y está especializado en Diseño Gráfico y Artes Plásticas, (en la especialidad de Pintura).

Fotografía del pintor Eduardo Guevara Ojeda.

Su formación académica influye estudios en de Pintura en la Academia de San Alejandro y en la Academia de Diseño Ergonométrico sobre el que realiza el postgrado; en 1989 realiza el Curso en la Especialidad: Diseño de Ferias y Exposiciones en Leipzig (Alemania).

“Sín título” del pintor Eduardo Guevara Ojeda.

Trabaja en distintos ministerios cubanos en la Dirección de Publicidad y compagina su función de diseñador gráfico con su trabajo de pintor artístico e ilustrador gráfico.

VIVIAN IVET HERNÁNDEZ RUIZ, (CUBA)

La pintora Vivian Ivet nace en Cuba, en 1969, bajo el signo zodiacal de Sagitario y en la actualidad reside en Santiago de Chile.

Fotografía de la pintora Vivian Ivet Hernández Ruiz.

Esta artista plástica, de profesión y vocación, es una pintora de esencias, de relaciones ocultas e invisibles;  no concentra su pupila en el objeto sino en el vacío que hace de cada uno de ellos algo útil para el hombre.

“Sín título” de la artista Vivian I. Hernández Ruiz.

Una frase suya puede resumir su hacer como pintora: “Lo esencial es invisible a los ojos.”

NICOLÁS HERRERA, (ECUADOR)

Desde 1978, el pintor ecuatoriano Nicolás Herrera, comienza a incursionar en el mundo de la plástica ecuatoriana a través de exposiciones nacionales, teniendo su obra un gran reconocimiento que le lleva a conseguir importantes premios en su país y el reconocimiento como uno de los representantes contemporáneos más importantes.

Fotografía del artista Nicolás Herrera.

En años siguientes empieza a exponer fuera de Ecuador en galerías y museos de todo el mundo.

“Ritos” del artista Nicolás Herrera.

Su obra más importante es el Museo Nicolás Herrera situado en Ibarra, (Ecuador).

CARMEN HOLGUERAS, (ESPAÑA)

Holgueras nace en Segovia, (España), en 1938 y tras estudiar en el Colegio de las Dominicas, decide hacer la carrera de Bellas Artes. Comienza su formación artística en la Escuela de la Escuela de San Carlos, (Valencia), y se traslada a Madrid.

Fotografía de la pintora Carmen Holgueras.

Imparte clases en los Agustinos y crea su propio estudio en el que, en la actualidad, enseña pintura; crea la Asociación Nacional de Artistas Carmen Holgueras y el “Certamen Carmen Holgueras” que ha cumplido ya su XIX edición.

“Alicia” de la artista Carmen Holgueras.

La trayectoria pictórica de la artista posee varias etapas que van de la académica a la figurativa y a la simbólica; siendo su temática variada, (flores, bodegones, retrato…), y, como ella misma afirma “según mi estado de ánimo cuando empiezo a pintar”.

MARIA LA PLACA, (BOLIVIA)

La artista Maria La Placa nace en capital boliviana, La Paz, en el año 1962 y desarrolla desde muy joven sus aptitudes artísticas y su amor hacia el arte. Rodeada desde su nacimiento de un ambiente artístico, (ya que su padre es el célebre pintor boliviano Alfredo La Placa, su madre, Litta Haus, pedagoga y pianista y su marido, Andrés Gavilano escultor de gran prestigio), su entrega a la pintura queda, claramente, fijado en ella a través de sus propias palabras: “En este momento, ya no soy yo quien actúa hacia la pintura, sino ella quien está exigiendo algunas cosas… y yo, simplemente tengo que obedecer

Además de ser seleccionada para elaborar los retratos de presidentes del Gobierno de Bolivia, retratos que se pueden ver en las dependencias del palacio de Gobierno de este país, bolivianos, La Placa es acreedora de diversos premios y reconocimientos así como participantes en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales.

“Bloodi Key” de la pintora María La Placa.

ARMANDO LARA  HIDALGO, (HONDURAS)

Las obras de Armando Lara Hidalgo, Maestro de Artes Plásticas de la Escuela Nacional de Bellas Artes, (Honduras, 1980), con cuarenta y siete años de edad significan un llamado de atención para el mundo y reflejan una realidad entre el equilibrio del universo natural y espiritual del hombre.

Fotografía del pintor Armando Lara Hidalgo.

Armando Lara se interesa por el interior de los cuerpos y su proyección simbólica. Por ello da forma y sustancia real a una parte de la pintura, precisamente a los cuerpos femeninos desnudos siempre en grupos, mientras que a otra, precisamente el paisaje abstracto donde los ubica, son visiones de pesadillas informes.

“Interpuesto” del artista Armando Lara Hidalgo.

La trayectoria profesional de este artista está avalada por un número importante de exposiciones individuales y colectivas, nacionales e internacionales, y por la cantidad de premios que Lara ha recibido a lo largo de toda ella.

MAURICIO LINARES, (EL SALVADOR)

Linares nace, en 1966, en Ahuachapán, El Salvador en donde vive y trabaja.

Fotografía del artista Mauricio Linares.

En 1984 ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad Dr. José Matías Delgado en donde obtiene la Licenciatura en Diseño Gráfico; posee, además, el diploma que lo acredita como profesor del Tecnológico de Monterrey, México, y gana una beca que le lleva a viajar a Estados Unidos.

“El camino” del artista Mauricio Linares.

El pintor mantiene, en la actualidad, dos cátedras  en la Universidad Dr. José Matías Delgado y es socio fundador y presidente de la Asociación Salvadoreña de Diseñadores, CROMA.

ARISTIDES LIRA GONZÁLEZ, (VENEZUELA)

Lira González nace en el año 1963 en Venezuela, es Licenciado en Educación Integral y realiza su formación de artista en múltiples talleres. Participa en el Taller de Mejoramiento Profesional en Artes Plásticas y en otros talleres de dibujo artístico, pintura al óleo, acuarela, acrílico y grabado.

Fotografía del pintor Aristides Lira González.

Desde el año 1990, el artista realiza exposiciones individuales y participa de muestras colectivas que le llevan a acreditarle con un gran artista y a recibir premios, reconocimientos y menciones especiales: Premio Pintura Ecológica, (1991); Mención de Honor Salón de Arte Bolivariano, (1994); Premio Paisaje en el I Salón anual de Artes Visuales “Delta del Orinoco”, (2006)…

“Iboma” del pintor Aristides Lira González.

JEAN ROBERT LUXAMA, (HAITÍ)

LUXAMA nace en 1983 en Bainet, (Haití), aunque en la actualidad vive en la República Dominicana, realizando en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Santo Domingo sus estudios de Artes Visuales, en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Baní, (República Dominicana), y en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Puerto Príncipe, (ENARTS).

Fotografía del artista Jean Robert LUXAMA.

Incansable creativo, Robert Luxama, se dedica desde muy joven a las artes visuales y al teatro, como dramaturgo y actor. En la actualidad cursa la diplomatura en comunicación integral: cinematografía, televisión y arte escénico.

“Bailarina” del pintor Jean Robert LUXAMA.

En su faceta de pintor ha sido merecedor de diversos premios, reconocimientos y menciones especiales en varias muestras de arte; realizado exposiciones individuales y su obra ha requerida en exposiciones colectivas; en ambos casos nacionales e internacionales…

MARIO RENE MADRIGAL ARCIA, (NICARAGUA)

Madrigal nace en Nicaragua y realiza diferentes tipos de estudios, relacionados con el arte, que le servirán para afianzar su formación como artista y que aplicará, posteriormente, en su obra artística. Realiza estos estudios sobre grabado en metal, pintura, litografía y linóleo en la Escuela de Bellas Artes de Nicaragua,  en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional, en la Universidad Centroamericana de Nicaragua y en el Colegio de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de Centroamericana de Costa Rica.

Fotografía del pintor Mario René Madrigal Arcia.

Realiza exposiciones individuales internacionales, (Estados Unidos, Panamá…) y exposiciones colectivas en su país y fuera de él, (México, Venezuela, Estados Unidos, Italia, España, China…), además de ser invitado a exhibir su obra en diferentes museos.

“Luna naranja” del pintor Mario René Madrigal Arcia.

MAURICIO MAYORGA ZAMORA, (COLOMBIA)

Sólo las propias palabras de Mayorga pueden aproximarnos a su concepto y pasión por el arte: “Desde antes de nacer, el arte ha sido mi entorno: baile, danza, música, pintura, libros, poemas, teatro, cine, familia, amigos y trabajo, mi casa. Todo”

Ingeniero, especializado en Sistemas de Información, abandona esta profesión en el año 2000 para dedicarse de lleno al arte.

Su gran dominio del trazo en el dibujo o del color en la pintura no son óbice para dominar otras disciplinas artísticas. MAYORGA es, de esa forma, un artista multidisciplinar: talla en piedra, pirograbado en madera y cuero, cerámica, yeso, escultura en papel; diseño estructural, gráfico, de joyería, objetos utilitarios y esculturas; fotografía, arte digital, vídeo, poemas, ensambles, instalaciones, happening y performances.

“Sin Título” del pintor Mauricio Mayorga.

Múltiples exposiciones colectivas e individuales, nacional e internacionales, menciones especiales, diversos reconocimientos artísticos… dan solidez a la obra de este artista.

MARIOLA MONTES, (ARGENTINA)

La pintora Mariela Montes nace en 1974 en Capital Federal, provincia de Buenos Aires, (Argentina), en el seno de una familia de artistas con lo que siente, como propio, el arte comenzando a pintar desde niña y realizando diferentes cursos de pintura al mismo tiempo que la enseñanza primaria.

Fotografía de la artista Mariela Montes.

En 1988 ingresa en la Escuela de Bellas Artes Rogelio Yrurtia en donde recibe el título de Docente Nacional de Bellas Artes, cuatro años más tarde, y poco después viaja a Italia en donde completa su formación y visita exposiciones y grandes colecciones de arte.

“Protección” de la pintora Mariela Montes.

Tras su primera muestra en Sicilia, Montes, comienza su andadura en lo que a exposiciones se refiere, realizándolas por EE.UU y en diferentes países de Europa y en las que se puede apreciar su dominio, no sólo de la pintura, sino también del dibujo, grabado y escultura.

EDUARDO NARANJO, (ESPAÑA)

Nace en Mosteiro, (Badajoz), en el seño de una familia de labradores y muy pronto despierta en él su vocación por la escultura, el dibujo y la pintura.

En el año 1960, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, tras obtener importantes premios en certámenes juveniles de Sevilla y Badajoz.

Fotografía del pintor Eduardo Naranjo.

Se traslada a Madrid a la escuela de Bellas Artes de San Fernando y cinco años después inicia su etapa expresionista a la vez que asiste a las clases del Círculo de Bellas Artes. Es en la capital española en donde concurre, por primera vez, a renombradas exposiciones nacionales.

Durante un tiempo reside en París, allí conoce a los impresionistas y el arte de vanguardia de las últimas décadas pero es en la pintura cubista y en el neoclasicismo de Picasso donde se inspira para su etapa expresionista y la subjetiva abstracción geométrica.

“Yuste y Carlos V” del artista Eduardo Naranjo.

En 1970 inicia su etapa realista que cultivará en la larga andadura y evolución hasta la actualidad.

MERCEDES NAVIERO, (ARGENTINA)

Naviero nace en la capital de Argentina, Buenos Aires, y viaja por América y Europa antes de volver a su país natal en donde vive en la actualidad.

Fotografía de la artista Mercedes Naveiro.

Ha desarrollado su carrera docente en varios centros de enseñanza entre los que podemos destacar la Universidad Autónoma de México, la Universidad Iberoamericana o el Corcoran Shool of Art de Washington; también fue investigadora en el Instituto del Arte argentino y Latinoamericano de Buenos Aires.

La obra artística de la pintora es, como ella misma afirma, una narración autobiográfica en la que plasma sus recuerdos, sus sueños y su espacio interior.

“Silencio” de la pintora Mercedes Naveiro.

REZNO NÚÑEZ-MELGAR VEGA (“REVE”), (PERÚ)

“Reve” es el nombre artístico del pintor Renzo Núñez-Melgar Vega. Artista plástico, Reve fue, durante el año 2006, agregado de la Escuela Superior de Bellas Artes de Perú y fue distinguido con la Medalla de Plata en la especialidad de pintura.

Fotografía del artista Renzo Núñez Melgar-Vega, “Reve”

De espíritu investigador e inquiero Reve es autor de gran cantidad de obras que ha mostrado al público en diferentes exposiciones, ya sean colectivas o individuales.

“A la policía se la respeta” del pintor Renzo Núñez Melgar Vega, “Revé”

ADOLFO PAYÉS, (EL SALVADOR)

Este pintor salvadoreño nace en 1969 y es hijo de uno de los pintores y escultures con más prestigio de El Salvador, nacional e internacionalmente: Joaquín Aguilar Guzmán.

Fotografía del pintor Adolfo Payés.

Es Licenciado en Ciencias Políticas y Sociología y realizó estudios de Artes Visuales en la Universidad de Quebec en Montreal.

Al morir su padre ingresa en la Casa nacional del Niño, junto con cinco hermanos, en donde estudia Bachillerato de Artes y en donde conoce a fondo la pintura y escultura, participando junto a sus compañeros en todo aquello que tiene que ver con el arte.

“Chemnin” del artista Adolfo Payés.

Payés tiene una extraordinaria entrega por el arte e inquietudes que, no sólo con éste, sino también, sociales, económicas y políticas.

IRIS PÉREZ, (REPÚBLICA DOMINICANA)

La artista dominicana, Iris Pérez, realiza estudios superiores de arte en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, (UAD), y en la Escuela Nacional de Bellas Artes en la que, actualmente, imparte su docencia.

Fotografía de la artista Iris Pérez.

Ha sido miembro de los Premios Internacionales Ford Conservación y Medioambiente; realizado exposiciones individuales y colectivas, tanto nacionales como internacionales, y representado a su país en certámenes internacionales, entre los que cabe destacar las Olimpiadas del Arte en Atenas, (2004), para la cual fue seleccionada entre casi 5.000 candidatos del mundo entero.

“En un rincón de mi alma I” de la pintora Iris Pérez.

La creatividad incontenible de la artista se plasma en su obra rica, abundante y comprometida que nos hace llegar a través de sus dibujos y pinturas  que en la actualidad combina con la escultura y la cerámica.

JUAN JOSÉ RODRÍGUEZ, (GUATEMALA)

Originario del municipio de Cantel, Quetzaltenango, (Guatemala), el pintor obtiene, en 1943, el primer premio interescolar de dibujo y pintura.

Fotografía del pintor Juan José Rodríguez.

En1952 se gradúa de Maestro de Educación Primaria en el Instituto Normal Mixto de Occidente, San Marcos, y años más tarde como arquitecto en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Su profesión de arquitecto le lleva a viajar por toda América y, después de trabajar en la docencia, construcción y arquitectura, se dedica de lleno a la pintura presentado sus obras a nivel nacional e internacional.

“Oh,mujer” del printor Juan José Rodríguez.

JUAN CARLOS RUIZ SOTO, (COSTA RICA)

Ruiz Soto nace en Costa Rica, en el año 1974,  pero a pesar de su juventud  ha realizado ya diversas exposiciones y participado en varios certámenes artísticos.

Fotografía del artista Juan Carlos Ruiz Soto.

Realiza estudios de Bachillerato y la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad costarricense. Se forma bajo la tutoría del Master Juan Carlos Meana, de la Universidad de Vigo, (Pontevedra) y del profesor de la Universidad de Costa Rica, Alberto Moreno.

“Sin título” del pintor Juan Carlos Ruiz Soto.

ORLANDO SALERO Morillo, (VENEZUELA)

Salero nace en Venezuela y, más concretamente, en Maparari, (Estado de Falcón).

Fotografía del artista Orlando Salero Morillo.

Este pintor, nacido en el año 1971, tuvo desde niño muy claro que su futuro iba a estar lleno de arte, paletas, pinceles y colores. Es por ello por lo que comienza a prepararse, muy concienzudamente y desde muy joven, para adquirir el vehículo, la técnica, que le llevará a plasmar sobre el lienzo su pasión: la pintura.aletas, pinceles y color.

“Sueños de galope 4” del pintor Orlando Salero Morillo.

Dibujo y Pintura en Caracas; Diseño Gráfico y Dibujo en Maracay y Valencia; Fotografía en el Ateneo de Valencia; Diseño Digital y Escultura en Punto Fijo y un largo etcétera de títulos que le llevan a adquirir una gran preparación artística que le ha permitido realizar múltiples exposiciones individuales y colectivas.

MARIO A. V. SÁNCHEZ MARTÍNEZ, (MÉXICO)

Artista visual mexicano Mario Sánchez Martínez, (1982), posee Licenciatura de Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas ENAP de la Universidad Nacional Autónoma de México UNAM, además de realizar múltiples cursos de formación  de Dibujo y Pintura.

Fotografía del pintor Mario A. V. Sánchez Martínez.

Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en México y en el extranjero, y hecho donaciones a instituciones gubernamentales y privadas de cultura.

Pintura, dibujo, escultura en metal, murales… se pueden mencionar a la hora de hablar sobre sus diversas facetas artísticas.

“De tu piel al llanto” del pintor Mario A. V. Sánchez Martínez.

GABRIEL SENCIAL, (COLOMBIA)

Como dice el propio Gabriel Sencial “soy un veterano de 62 años, (sic), y mi vida ha sido una vida muy creativa llena de buenas sorpresas y logros”. Cuando una persona, y para más inri un artista, comienza de esta forma el relato de su vida, es difícil sustraerse al deseo de investigar sobre él y su obra.

Fotografía del pintor Gabriel Sencial.

El resultado de tal investigación no defrauda al curioso. Una vida llena de viajes, realizados por motivos personales y profesionales, por una gran cantidad de países y plagada de interesantes vivencias.

“Las rubias se divierten más” del pintor Gabriel Sencial.

Sencial nace en Colombia y estudia en la Escuela de Bellas Artes de Medellín para trasladarse a continuación a EE.UU, en donde se cría y vive, siendo merecedor de una beca en la Universidad de Miami; imparte clases en diferentes universidades además de dominar las técnicas del grabado, fotografía, escultura, cerámica, collage…

OSVALDINA SERVIAN DE BULNES, (PARAGUAY)

“¿Por qué pinto? Porque quiero expresar mis pensamientos y sentimientos más profundos, porque quiero compartirlos, a veces, con la ilusión de que alguien al ver mis obras haga “contacto” con mi mismo sentimiento”

Este es un buen elemento motivador que da origen a la decisión de Servian de dedicarse al arte y hacernos llegar, a través de sus obras, una parte importante de su sentir.

Fotografía de la pintora Osvaldina Servián de Bulnes.

La formación académica de la artista no es menos importante. Licenciada en Ciencias de la Educación, profesora Superior de Dibujo y Pintura, cursos y talleres de dibujo, pintura, diversos soportes, talleres de cerámica, acuarela, madera, tallado en madera, fotografía artística…

Sus obras forman parte del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo, del Centro de Artes Visuales, de Museo del Barro de Asunción, de la Colección del Museo de Arte de las Américas  de la Organización de Estados Americanos en Washington D.C. y de otras colecciones públicas y privadas.

“Música” de la artista Osvaldina Servián de Bulnes.

ALEJANDRO SILVEIRA BRUNO, (URUGUAY)

El artista uruguayo nace en Montevideo, en el año 1951, y ya desde niño desarrolla sus aptitudes para el arte gráfico hasta el punto de realizar, a los trece años, una serie de linoleografías; con posterioridad estudia xilografía en el Círculo de Bellas Artes.

Fotografía del artista Alejandro Silveira Bruno.

A partir del año 1972 expone sus obras realizadas en las técnicas de dibujo, grabado en diversos materiales, óleo, acuarela, acrílico y pintura matérica.

“La soledad” del artista Alejandro Silveira Bruno.

En el año 95 inicia una exhaustiva investigación en el área del lenguaje gráfico digital conjugando sus conocimientos de grabado, dibujo y color en una nueva técnica expresiva, produciendo de esta forma grabados digitales para plotter, giclée y pantalla.

ERMINIO SOUZA, (BRASIL)

Es difícil concebir el arte brasileño sin tener en cuenta al maestro Souza que nace, en el año 1942, en la ciudad de Son Cristóvão; estudia en la universidad y comienza a trabajar en el Banco del Estado de Guanabara, BEG, en el que escala puestos con el paso de los años.

Fotografía del pintor Erminio Souza.

Con el tiempo comienza a coleccionar arte para acabar dedicándose a él con pasión y en el que descubre el estilo abstracto geométrico por excelencia y con superposición de formas y colores.

Entre los premios que ha recibido es de destacar la Denominación de Prominencia Artístico y Cultural, concedido por la Academia Brasileña de Arte, Cultura e Historia de su país.

“Figuras fluctuantes” del artista Erminio Souza.

RODOLFO STANLEY, (COSTA RICA)

El pintor costarricense Rodolfo Stanley es considerado uno de los pintores más atrevidos de Centroamérica y con una temática muy peculiar que invita a la reflexión.

Fotografía del pintor Rodolfo Stanley.

Explorador de la condición humana”, como el propio Stanley, considera que sus cuadros encierran una visión voyerista y a través de las cuales explora temáticas como la seducción, el dinero, el desnudo femenino, el submundo de la ciudad…

“Bailongo” del artista Rodolfo Stanley.

Stanley comienza a interesarse por la pintura a los 27 años, cuando recibió clases del pintor Gonzalo Morales Suárez, construyendo desde entonces una carrera artística imparable llena de exposiciones colectivas e individuales y de un gran reconocimiento público.

MIGUEL TIO, (REPÚBLICA DOMINICANA)

Nacido en República Dominicana, Miguel Tio inicia sus estudios de pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes para continuar su perfeccionamiento al lado del artista Elías Delgado en la Escuela de Pintura Leonardo Da Vinci.

Fotografía del artista Miguel Tio.

Miguel Tio se caracteriza por ser de esos creativos cuya curiosidad y creatividad artística les lleva a una formación permanente, a investigar sobre diversas disciplinas y a adentrarse a crear en varias de ellas.

Su interés por el diseño gráfico y el arte publicitario le lleva a cursar estudios en la Universidad Autónoma de Santo Domingo y a trabajar en esos campos artísticos.

“Pace… pace… pace…” del pintor Miguel Tio.

Tras trasladarse a New York, en 1994, comienza a trabajar en Izquierdo Studio Ltd., a dedicarse a la pintura escénica y a las impresiones en serigrafía para grandes proyectos cinematográficos, (Spiderman, Madame Butterfly), musicales de Broadway…

Sus pinturas han formado parte de múltiples exhibiciones colectivas e individuales mostradas por todo el mundo.

PABLO E. TOBAR HENRY, (GUATEMALA)

Tobar nace en 1940 en Guatemala y ya desde la edad de 7 años muestra talento para el dibujo, cualidad que su padre, profesor y autodidacta en dibujo y pintura, fomenta y moldea enseñándole las técnicas del dibujo a lápiz y pinturas y el manejo del pincel para realizar pinturas de óleo y acuarela.

Fotografía del pintor Pablo Tobar Henry.

Estudia en la Escuela de Artes Plásticas de Guatemala y se hace maestro de educación en la Escuela Normal Central para Varones.

“Doncella maya” del pintor Pablo Tobar Henry.

Trabajó como dibujante e ilustrador de textos educativos y, más tarde, como editor e ilustrador de textos altamente especializados en Educación Sanitaria Rural.

Su obra es cotizada en el mundo artístico de EE.UU, Centro América, Europa y África.

FÉLIX TORANZOS, (PARAGUAY)

El artista Félix Toranzos nace en Asunción, (Paraguay), en el año 1962 y, en la actualidad, es considerado uno de los artistas plásticos más sobresalientes de su país. Arquitecto y diseñador plástico estuvo ligado desde su infancia al arte ya que su padre, Luis Toranzos, fue otro destacado pintor y acuarelista paraguayo.

Fotografía del artista Féliz Toranzos.

Toranzos se forma artísticamente en la Escuela de Bellas Artes de Asunción y su inquietud por la experimentación en distintas técnicas plásticas acabará haciendo de él un singular artista autodidacta.

Así mismo imparte clases de Dibujo y Pintura en los Talleres del Centro de Artes Visuales y sus obras, mostradas al público en diversas exposiciones nacionales e internacionales, forman parte de colecciones tanto públicas como privadas: Museo de Arte de las Américas de la Organización de Estados Americanos en Washington D.C., Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo, del Centro de Artes Visuales…

“Escrito en el muro I” del pintor Féliz Toranzos.

JOSE ALEJANDRO VARGAS, (NICARAGUA)

José A. Vargas nace en Managua, (Nicaragua), hace algo más de medio siglo. Sus buenas aptitudes para lo artístico añadido a su pasión por el arte hacen que, desde muy joven, haya tenido muy claro a qué dedicar su vida profesional: el arte.

Fotografía del artista José Alejandro Vargas.

Para adquirir una sólida formación artística, Vargas, realiza distintos cursos de litografía acuarela, grabado… lo que se traduce en un exhaustivo conocimiento sobre gran cantidad de disciplinas artísticas que le lleva a, además de crear, impartir clases sobre Artes Plásticas en diferentes centros educativos, a formar parte de varias agrupaciones y asociaciones de artísticas y, sobre todo, a realizar infinidad de muestras y exposiciones, individuales y colectivas, dentro y fuera de su país.

“Sin título” del artista José Alejandro Vargas.

GEORGE WIRTH, (PANAMÁ)

Wirth nace en Panamá el 27 de diciembre de 1973. Su pasión por el arte le lleva a graduarse como el primero de su promoción en el Instituto Superior de Bellas Artes. Técnico y Licenciado en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad de Panamá, es becado por el Kultur Kontac de Austria para participar en el proyecto A.I.R, (2001).

Fotografía del artista George Wirth.

El artista ha participado en diversas exposiciones, individuales y colectivas; publicaciones en revistas y periódicos y en diversos trabajos como muralista y restaurador.

En la actualidad realiza estudios de Postgrado en Docencia Superior en la Universidad de Panamá.

“Sin título” del pintor George Wirth.

MANUEL ZARDAIN, (MÉXICO)

ZARDAIN  es un pintor autodidacta, nacido en México, al que le gusta identificarse con los artesanos por su sencillez y alejarse de los mercados del arte con rígidos protocolos estéticos. Estrategia esta que, liberándole de las ataduras mercantiles, es la que precisamente le lleva a ser requerido en los círculos artísticos de Estados Unidos, Europa y Asia.

Fotografía del pintor Manuel Zardain.

En su obra predominan los colores primarios y el verde que son los que, según el pintor, definen mejor sus raíces autóctonas y el sentir de su cultura, huyendo siempre de las mezclas lo que da a su obra un cariz alegre, violento y seductor respetando los primeros trazos que da sobre un lienzo los cuales no corrige ni rectifica.

“Lady” del artista Manuel Zardain.

La  exposición “COMPARTIENDO ARTE”, correspondiente a la I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICAN DEL MUSEO KARURA ART CENTRE, se complementa con la muestra, ubicada en el AULARIUM, que ofrece información sobre diferentes aspectos de Latinoamérica y España.

Fotografía de la planta baja del AULARIUM.

Esta muestra se organiza para ofrecer al público un contexto histórico y social que le ayude a analizar mejor las obras presentadas por los 45 artistas que participan en la exposición.

Fotografía de la última planta del AULARIUM.

Para ello se crean distintos paneles con información sobre etimología, generalidades, economía, población, religión, sanidad, educación, literatura, música, cine, teatro, pintura, deportes, tecnología, defensa y ciencia.

Se emiten, además, en los tres edificios del MKAC y en sus jardines los siguientes vídeos:

http://www.youtube.com/watch?v=QDLxhKQflYI&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=pYyx_o1imro&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=Y8r-RaC3Q-I

http://www.youtube.com/watch?v=cN3R2W2guHo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=6J-yl9Ba7zw&feature=fvw

http://www.youtube.com/watch?v=Es0RAo5kyng&feature=channel

http://www.youtube.com/watch?v=NEUpjanPqCo&feature=channel

http://www.youtube.com/watch?v=db36E0UMHgU&feature=related

Entorno a este evento, se realizan dos actos musicales; dos conciertos a cargo de Karma Auer y de Abso Zlatkis.

Imagen del concierto realizado por Abso Zlatkis.

Imagen del concierto realizado por Abso Zlatkis.

Para la clausura de la exposición, Karma Auer ofrece el concierto el día 22 de diciembre de 2009.

Karma Auer ofreciendo el concierto de clausura de la exposición.

El público asistente al concierto de Karma Auer.

El corcierto de Karma Auer finaliza con una explosión de color, luz y música.

Se realizaron, también, varias visitas guiadas y presentación de la exposición en otros grupos.

Momento de una de las visitas organizadas para mostrar y explicar la exposición.

Mostrando la exposición en el Edificio Schumann.

La “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE” y la exposición “COMPARTIENDO ARTE” en números:

A) DATOS GENERALES DE LA EXPOSICIÓN

Número de Artistas: 45

Número de obras: 89

Número de países participantes: 22

Duración de la exposición: 70 días, (10 semanas)

Número de e-mails enviados: 3.089

Número de e-mails recibidos: 547

B) VISITAS A LOS FOROS

Están deducidos de los siguientes datos, las entradas realizadas por la directora del museo.

Foro de Mundosl: 628

http://www.mundosl.com/phpbb/viewforum.php?f=37

Foro de Secondspain: 4.816

http://foros.secondspain.es/component/option,com_joomlaboard/Itemid,100/func,showcat/catid,27/

Foro Irene Nurmi: 2.351

http://www.irenemuni.com/foro/exposicin-museo-karura-art-centrecompartiendo-arte-vt1553.html

C) VISITAS AL MUSEO KARURA ART CENTRE, (MKAC)

Edificio Principal: 3.014

Edificio Schumann: 2.911

AULARIUM: 581

DISCURSO DE CLAUSURA

“Compartiendo Arte” ha sido el nombre de la “I CUMBRE DE ARTE LATINOMARICANO DEL MUSEO KARURA ART CENTRE” y el nombre que elegí para ella incluso antes de escribir, sobre el papel en el iba desgranar todas las partes de que constaría, la primera palabra de su programación.

Si mi memoria no me falla, creo que fue elegido al día siguiente de haber decidido organizar esta exposición y semanas antes de escribir mi primer e-mail camino a Perú aquel 22 de abril de este año que está a punto de finalizar. Nunca fue un título provisional a la espera de encontrar o que apareciera otro mejor; era el título definitivo para ella aunque quedaran por delante muchos meses de preparación.

A medida que pasaba el tiempo, me reafirmaba en su elección y ahora, en el momento de su clausura sé, con más firmeza si cabe, que no hubiera podido elegir otro mejor.

Lo que yo no sabía al comenzar a prepararla, es que iba a compartir algo más que arte con 44 artistas y con todos vosotros. No sé muy bien que calificativo adjudicarle al cúmulo de vivencias que he experimentado con cada uno de ellos, con todos ellos en su conjunto y con la preparación y realización de esta cumbre de arte latinoamericana.

Creo que el único adjetivo con el que puedo definirlo es el de hermoso.

Si ya es hermoso contemplar arte y admirar la belleza, si ya es hermoso dar, ofrecer, gestionar y compartir arte, lo es mucho más que 44 artistas confíen en una persona y depositen en ella su total confianza.

Aprendí arte, aprendí a conciliar y a respetar, aprendí a ser un poco más tolerante y aprendí que, por muy utópico que parezca un proyecto  siempre es alcanzable si se trabaja duro y mucho en llevarlo a cabo.

A pesar del esfuerzo y del tiempo invertido en él, no voy a negaros que ya pienso en la II CUMBRE DE ARTE LATINOMERICA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE. Pienso en ella porque estoy satisfecha del resultado de esta primera y porque, a medida que pasaban las semanas desde aquel 22 de abril, me he enriquecido a nivel personal y 44 personas han dejado algo de ellas en mi y en mi corazón.

Sin embargo, vivo en estos momentos una especie de yin y de yan; unas emociones contradictorias porque, a pesar de estar contenta de haber podido mostraros el arte de muchos artistas y de haber recibido sus felicitaciones y las de muchísimos de vosotros, esta experiencia ha finalizado y siento una felicidad agridulce en la que la alegría y la tristeza se entremezclan.

Son varias las preguntas que me hago y los interrogantes que se abren y creo que no tengo respuesta para ninguno de ellos porque el futuro es impredecible. Sin embargo, un evento tan enriquecedor y hermoso para mi no puedo finalizarlo con tristeza ni nostalgia, así que me quedaré con la parte feliz que es el haberos ofrecido arte, el haber dado a conocer a 44 artistas y su obra artística a muchas personas y el conocimiento de que entre esas 44 personas he establecido lazos profesionales y, en algunos casos, de incipiente amistad que eran los tres objetivos principales de “Compartiendo Arte”

Como sabeis, esta cumbre la organicé para conmemorar el “Día de la Hispanidad”, (12 de octubre de 2009), y a lo largo de estas semanas he estado pensando sobre las similitudes entre aquel navegante de 1492 y esta marinera de 2009 y sonreía encontrándolas.

Os aseguro que las similitudes son, salvando las distancias, muchas: ambos navegamos, (uno por el impredecible océano y la otra a través de cables, bits y circuitos informáticos); ambos llevamos riquezas de un continente a otro, (uno en forma de oro, especies… y la otra en forma de arte y sensibilidades); ambos estaban ilusionados y, al mismo tiempo, temerosos ante la incertidumbre sobre el futuro y el éxito o no de su empresa; ambos mostraron a los demás sus tesoros y ambos fueron objeto de críticas y parabienes.

Para ambos, su aventura tuvo un final y mientras la carabela “La Niña” arribó en el puerto de Lisboa; el navío “COMPARTIENDO ARTE” arribó en un puerto llamado MUSEO KARURA ART CENTRE.

Panóramica de los edificios del museo que acogieron la “I CUMBRE DE ARTE LATINOAMERICA DEL MUSEO KARURA ART CENTRE” y la exposición “COMPARTIENDO ARTE”.

¿La tripulación de ambos barcos? Desconozco como sería la tripulación de “La Niña”, pero sobre la tripulación del navío “COMPARTIENDO ARTE” sí que puedo transmitiros que ha sido una tripulación de auténtico lujo.

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